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Marvin Gaye, un clásico de los clásicos, en una versión en vivo de "What´s Going On/What´s Happening Brother", una especie de "Imagine" de los años 60/70 que, a pesar de los años parece tener una brutal actualidad.
What´s Going On: Madre, madre Hay muchos de ustedes llorando Hermano, hermano, hermano Hay muchos mas de ustedes muriendo Sabes que tienes que encontrar una manera De traer algo de amor aqui y ahora
Padre, padre No necesitas escalar La guerra no es la respuesta Porque solo el amor puede conquistar el odio Sabes que tienes que encontrar una manera De traer algo de amor aqui y ahora
Piquetes y signos de protesta No me castigues con brutalidad Hablame, Así podrás ver Que está pasando Que está Pasando
Padre, padre, Todos piensan que estamos equivocados Oh, pero quienes son para juzgarnos Simplemente porque tenemos el pelo largo Sabes que tenemos que encontrar la manera De traer algo de entendimiento aquí, ahora
Piquetes y signos de protesta No me castigues con brutalidad Hablame, Así podrás ver Que está pasando Que está Pasando...
What´s Happening Brother (Que está pasando hermano) El hermano de Marvin había regresado de Vietnam un poco cambiado, la canción toca el tema sobre la dificultad de adaptación a la sociedad de los veteranos de guerra. Es una especie de What´s Going On segunda parte y Marvin une los dos temas deliberadamente en el show.
Hey bebé, que hay de bueno! Simplemente estoy de vuelta, pero tú sabías que lo haría La guerra es el infierno, cuando terminará, Cuando la gente volvera a unirse otra vez?
Están realmente mejor las cosas, como dice el diario? Que otra cosa hay de nuevo mi amigo, aparte de lo que leo. No puedo encontrar trabajo, no consigo empleo, mi amigo El dinero es mas escaso que nunca
Digo, hombre, que no entiendo Que está pasando en este país? Ah, que está pasando hermano? Oh Ya, que está pasando mi hombre?
Están yendo a ese lugar donde solíamos bailar? Ganará nuestro equipo el campeonato? Piensas que tenemos chance? Y cuéntame, mi amigo, cómo te ha ido en el mundo? Dime que hay afuera y yo quiero saber que hay adentro. Cual es el trato hombre, que está pasando?
Que está pasando hermano? Que es lo que ha sucedido? Quiero saberlo porque estoy un poco atrasado en el tiempo.
Calificado por algunos como el mejor álbum soul de la historia, What's Going On tiene sin embargo que superar la inicial oposición de Berry Gordy (Gerente de Motown Records) que lo juzga excesivamente político y escasamente comercial; sin embargo, Gaye se niega a realizar otra grabación hasta que se grabe el sencillo, a lo que Gordy accede finalmente en enero de 1971. Una vez publicado alcanza rápidamente los puestos primero y segundo en las listas de soul y pop y ante el éxito, Gordy reconoce la victoria de Gaye y cede a sus pretensiones. El LP se graba en tan sólo 10 días en marzo y sale a la luz el 21 de mayo, consiguiendo el mismo éxito que el sencillo. La ironía es que, tras treinta años vendiéndose, el álbum que Motown no quería en un principio acaso sea la mejor expresión de aquél que soñara Gordy: «música que alcance los corazones, las almas, y las billeteras de todas las personas».
El video es una parte de un DVD recientemente publicado con algunas de las mas importantes actuaciones en vivo de Marvin para TV y Cine: "Real Thing: In Performance 1964-1981". Esta actuación en particular viene del filme (desde hace mucho tiempo fuera de circulacion) de 1973 titulado "Save The Children" (Salven a los chicos), con James Jamerson tocando el bajo.
Era un cassette que me había prestado un amigo, en la tapa tenía ese dibujo de la cabeza de un león, y en el que, a medida que iba pasando el tiempo, iba descubriendo caras ocultas y hasta una mujer completa con vestimenta indígena.
El sonido Santana era algo totalmente nuevo para la época, yo lo imaginaba como algo africano, quizás influenciado por la cabeza de león de la tapa. Mas adelante descubrí que Santana era mexicano, que vivía en San Francisco, y su música se etiquetó como "Rock Latino".
El último tema del lado B era "Sacrificio Soul", un aluvión de música que me arrastró como un sunami de percusión, ese frenético órgano de Gregg Rollie, y la punzante guitarra de Carlos.
Siempre consideré a Carlos Santana como el mejor guitarrista de todos los tiempos, no por su técnica, no por su velocidad, sino por el sentimiento que pone en cada nota, es como si te atravesara con cada pulsacion de cuerda.
Los jóvenes de hoy quizás no conozcan al Santana de las primeras épocas, creo yo el más auténtico. El de ahora gana grammys y vende mucho, pero creo que es un merecido premio que le dió la historia, no por lo de ahora sino por lo del comienzo, al abrirse paso con esta música de la cual no había antecedentes en el Rock.
Sin lugar a dudas, Woodstock de 1969 (el único que existió, lo otro fue comercio) fue el trampolín mundial para la fama de Santana, y ellos no podían haber elegido mejor tema.
Sacrificio Soul nos presenta además el solo de batería de Mike Shrieve, considerado en la época el mejor baterista del mundo, y debía de ser así porque la música de Santana se basaba 100% en la percusión.
El filme fue dirigido por Michael Waldleigh, y tuvo, entre otros editores a Martin Scorsese y Thelma Schoonmaker, esta última nominada al Oscar por la edición del filme.
La version del editor dura 225 minutos.
La película aunque filmada a fines de los 60s, marca hitos en cuanto al encuadre, a la cantidad de cámaras simultáneas mostradas en pantalla, y a un lenguaje de videoclip jamás hasta entonces conocido.
Ha pasado mucho tiempo, y mucha música por mis oídos, sin embargo el sunami siempre vuelve con la misma intensidad.
The Fifth Dimension, también conocidos como The 5th Dimension, (ambos términos significan “La Quinta Dimensión), es un popular grupo norteamericano cuyo repertorio abarca los estilos R&B, Soul y Jazz.. Fueron muy conocidos durante fines de los 60´s y principios de los 70s por popularizar los hits “Up,Up And Away” (Arriba, Arriba y Adelante) y “Aquarius/Let The Sunshine In” (Acuario/Deja Entrar el Sol). Los cinco miembros originales fueron: Billy Davis Jr., Florence LaRue, Marilyn McCoo, Lamonte McLemore y Ron Townson. Tienen un estilo muy personal, en donde dan gran importancia los arreglos de las voces.
Han grabado para diferentes sellos durante su extensa carrera. Sus primeras apariciones fueron bajo el sello Soul City, el que había sido fundado por Johnny Rivers. El grupo mas tarde grabaría para Bell/Arista Records, ABC Records y Motown. Algunos de los compositores popularizados por 5th Dimension iniciaron mas tarde su propia carrera como cantantes, tal es el caso de Ashford & Simpson, quienes escribieron “California Soul”.
El grupo también se caracterizaba por tener gran éxito con canciones escritas por Laura Nyro, incluso superando la popularidad de las versiones cantadas por su autora, de este modo han hecho clásicos como “Wedding Bell Blues”, “Stoned Soul Picnic” y “Save The Country”.
Carrera: A principios de los 60s, Lamonte McLemore y Marilyn McCoo, una ex ganadora de concurso de belleza, se juntaron con otros amigos de Los Angeles: Harry Elston y Floyd Butler, para formar un grupo llamado The Hi Fis. En 1963 cantaron en clubes locales mientras tomaban lecciones de canto. En 1964 llamaron la atención de Ray Charles, quien los llevó de gira al siguiente año como su banda de soporte. Problemas internos causaron que Butler y Elston se separaran y siguieran su propio camino, mas tarde fundarían el famoso grupo soul llamado “The Friends Of Distinction”. Lamonte y Marilyn buscaban formar un nuevo grupo. Uno de sus amigos era Florence LaRue, quien había recibido entrenamiento como cantante cuando joven, además de danza y violín, y quien también, curiosamente, había ganado un concurso de belleza en el programa televisivo “Arthur Godfrey Show”. Al mismo tiempo que Florence era convencida para unirse al grupo, Lamonte reclutó a un viejo amigo, Ron Townson, quien a los seis años había comenzado a cantar en coros y grupos gospel en su ciudad natal de St. Louis. En su adolescencia había acompañado a Dorothy Dandridge y a Nat King Cole, y también interpretó un pequeño papel en la película “Porgy and Bess”. El primo de Lamonte, Billy Davis Jr. Comenzó cantando gospel a muy temprana edad, cuando se le preguntó si quería unirse al grupo, aceptó de inmediato. Los miembros comenzaron los ensayos en 1966 y eligieron en nombre de los Versatiles. Audicionaron con Marc Cordon, quien dirigía las oficinas de Motown de Los Angeles. Aunque su demo fue rechazado por Motown, el aceptó ser su manager y los recomendó a Johnny Rivers, quien había recién inaugurado su sello Soul City Records. El primer single “I´ll Be Loving You Forever”, pasó desapercibido, pero un cover del tema “Go Where You Wanna Go” de los Mamas and The Papas llego al Top 20 tanto en los rankings R&B como Pop. Un amigo del grupo, el jóven escritor Jimmy Webb le dio al grupo su primer éxito: “Up Up And Away” llego al numero 10 en 1967, y ganó 5 premios Grammy.
El siguiente año el grupo tuvo otros éxitos importantes con “Stoned Soul Picnic” y “Sweet Blindness”, ambos escritos por Laura Nyro, y recibieron el disco de oro por su LP “Stoned Soul Picnic”, que también incluía el tema de Ashford & Simpson “California Soul”. En 1969 tuvieron dos singles en el numero uno: “Aquarius/Let The Sunshine In” del musical “Hair” y “Wedding Bell Blues” también compuesta por Laura Nyro. Otros éxitos posteriores fueron “One Less Bell To Answer” (1970)
“Love´s Lines, Angles and Rhymes”, “Never My Love” (1971) y “(Last Night) Ididn´t Get To Sleep At All” (1972).
En este medley los 5th Dimension cantan los temas mas importantes de se carrera:
"Acuario/Deja entrar el Sol", en donde se destaca Billy Davis.
"One Less Bell To Answer", escrito por Burt Bacharach y Hal David, en donde se destaca la personal voz de Marilyn. En mi opinión el mejor tema de ellos y uno de los mejores que he escuchado.
"Stoned Soul Picnic".
"Wedding Bell Blues" en donde Marilyn le dice a Billy que se case con ella (ya había una relación entre ambos)
"Up Up And Away" Con el estilo que posteriormente sería clásico en los temas de Jimmy Webb
En 1975, McCoo y Davis, quienes se convirtieron en marido y mujer estando en el grupo, se alejaron para seguir sus carreras tanto individuales como formando un dúo. Tuvieron éxito como dúo en 1975, con los temas “I Hope You Get To Love In Time” y el famoso “You Don´t Have To Be A Star (To Be In MY Show)”. Mc Coo también fue conductora del show televisivo “Solid Gold”. El trio formado por los integrantes que quedaron después de la partida de McCoo y Davis continuó con nuevos miembros, y casi tuvieron un hit en 1976 con el tema “Love Hangover”, desafortunadamente, Motown lanzó una versión cantada por Diana Ross poco después de que 5th Dimension entrara en los ránkings, y la versión de Motown llegó al numero uno. Curiosamente el grupo firmó contrato con Motown poco después, publicando dos albumes en 1978. El cantante Lou Courtney integró el grupo brevemente entre 1978 y 1979, Joyce Wright se unió en 1979 y Phillis Battle a mediados de 1980. El quinteto original se reunió en 1990 para una gira. Townson dejó brevemente el grupo para seguir una carera solista pero pronto regresó, mientras el grupo se resignó a actuaciones en los circuitos de la nostalgia. En 1995, el quinteto formado por LaRue, Townson, McLemore, Battle y Greg Walker grabaron un nuevo álbum llamado “In The House” para Click Records. El grupo fue inducido en el Salon de la fama de los grupos vocales en 2002.
5th Dimension fue un grupo muy especial, su estilo y sus arreglos de voces, con el agregado de la potente y hermosa voz de Marilyn McCoo, lo ubican entre los clásicos de la música R&B
Ellos han sido de gran influencia en otros artistas posteriores, uno de ellos ya los hemos comentado en este mismo blog: Swing Out Sister.
Bueno, aquí tenemos a esta chica Rihanna cantando (?) su nuevo éxito mundial, con el cual la administración Bush intenta someter al mundo sin disparar ningun misil. La chica tiene unas piernas espectaculares, unos ojos que quizás no sean de ella pero lo quedan bien, y un look simil Victoria "Posh Spice" Beckam que no te deja sacar la vista de la pantalla. ¿Y la música? Ah no, no me pidan musica porque eso es lo que menos importa en la industria musical actual!!! Les puedo asegurar que si los encierran en una habitacion y les pasan el audio de "Umbrella" durante 10 minutos seguidos terminarán pegandose la cabeza contra la pared. Mírenla, abajo a la derecha hay un control para bajar el sonido.
¿No les quedó el "amberela.. ela.. ela.. i... i... i..." rebotando en la cabeza cual tortura china de la gota de agua? Ah! ahora entiendo lo del paraguas!!!!!
El Disco Orquestal y los ritmos latinos se adueñan del disco.
Antes de la aparición de las computadoras, la musica era tocada con instrumentos acústicos. En vez de jugar con los controles de un sintetizador y un secuenciador, había que reunir a unos 40 músicos dentro de un estudio de grabación. Estos guitarristas, bateristas, percusionistas y demás que formaban orquestas entrenadas en música clásica, podían de un vistazo leer una partitura e interpretar cualquier pieza y entregar las mas complicadas estructuras ritmicas, no solamente con exactitud sino tambien con la capacidad de improvisar con habilidad. Muchos de los temas clásicos de Salsoul contenían excelentes solos con estilo jazzero, tocados por musicos de gran clase, como el saxofonista tenor Leon Zachery y el organista Lenny Pakula. Faltaría poco tiempo para que los ritmos latinos fueran rebautizados como “Salsa”. Esta palabra había sido utilizada por los inmigrantes cubanos como un concepto análogo al “swing”. Y esta fusión de Jazz y salsa cubana fue inmediatamente adaptada al pesadamente orquestado estilo disco de mediados de los 70´s. La adición de percusion y violines al vibrante ritmo de la salsa fue el sinónimo del sonido disco de New York, y las grandes orquestaciones se convirtieron en el estándar. Norteamerica, por supuesto, marcaba el camino, con todas las variantes ofrecidas por los arquetectos del Sonido de Filadelfia, Kenneth Gamble, Leon Huff y Vince Montana. Los dos primeros ofrecian un sonido con gran influencia soul, y Montana orientado al mas puro estilo disco. El vibrafonista/arreglador/compositor había crecido como musico de soporte para estrellas como Sarah Vaughan y Charlie “Bird” Parker y había grabado con leyendas como Chubby Checker y Frankie Avalon. Toda esta experiencia fue puesta al servicio de sus producciones posteriores, puestas de manifiesto en sus creaciones para la Salsoul Orchestra y también para la Montana Orchestra. Para ésta última produjo la espectacular “A Dance Fantasy Inspired by the Motion Picture Close Encounters of The Third Kind” (Fantasía bailable inspirada en la película Encuentros Cercanos del Tercer Tipo) y el eterno e impresionante “Heavy Vibes”.
Su album crossover, presentando a los Fania All Stars, de 1979, contenía un lado completo de pura salsa con voces de Ruben Blades y Celia Cruz, y el otro lado de sofisticada musica disco semi instrumental. En la Costa Oeste, el ex guitarrista de sesión Dennis Coffey y su socio arreglador Mike Theodore creaban un éxito de los charts y los clubes de 1977 llamado “Devil´s Gun” interpretados por un grupo vocal fuertemente influido por el gospel: C.J.& Co. Esta gran produccion hizo emerger al sello Westbound y especialmente a Mike Theodore. La impronta de Theodore eran las largas introducciones y los pasajes musicalmente dramaticos que iban in crescendo hasta llegar al climax todo esto arreglado con lujosa perfección, como podemos notarlo en el tema “Cosmic Wind” por la orquesta que llevaba su nombre.
“The Bull”,
“Brazilian Lullaby”, “I Love the Way You Move”, y “Ain´t Nothing To It” del disco Cosmic Wind probaron el genio de Theodore para los arreglos orquestales. Su album siguiente, High On Mad Mountain, y el tema “Wonder Man” fueron igualmente populares y Theodore triunfó nuevamente el mismo año con otro clásico intrincadamente arreglado y producido: El impresionante “Manhattan Love Song” cantado por el famoso percusionista King Errison:
Numerosas “orquestas disco” pusieron su marca en los rankings de música bailable de mediados de los 70´s, incluyendo la Rice and Beans Orchestra conducida por Pepe Luis Soto de Puerto Rico. “Rice and Beans Theme” era Salsoul jazzero, pero el resto como “You´ve Got The Magic” y especialmente “The Blue Danube Hustle” tenía arreglos muy al estilo de la Richie Family con excelentes coros femeninos. Rice and Beans Orchestra encaró un trabajo mucho mas ambicioso en 1979, inspirado en el Infierno del Dante, soberbia orquestación y un disco sinfónico que injustamente quedó muy poco reconocido con el paso del tiempo; he aquí una parte:
Soto estaba casado con Celi Bee, quien con su Buzzy Bunch era una de las grandes del disco con famosos temas como
“Macho”
“Superman”,
“One Love”
y “Fly Me With the Wings of Love”.
John Davis and the Monster Orchestra fue otro grupo con gran clase que nunca defraudó a los mas exigentes gustos. Su tema mas conocido es el frenético “Ain´t That Enough for You” Una obra maestra del disco orquestal y no nos engañemos, son verdaderos violines y una orquesta completa atrás de esto:
Antes que nada debo avisarles que algunos de los videos embebidos han sido anulados por la "cuestion de los derechos de autor", sin embargo prueben en todos porque hay varios que sí funcionan (todavía). El último video de Moloko hay que hacer click en el link de la pantalla para verlo directamente en Youtube. ----------------------------------------------------------------------------------------------- Hasta hace un tiempo creía que el estilo llamado “Northern Soul” era originario de algún lugar al norte de obviamente alguna ciudad en los Estados Unidos, este estilo me llamó mucho la atención porque tiene indudablemente raíces soul, pero el ritmo es mas alto, suena a música de los 60´s pero me parecía que era algo muy cercano al disco. Mas tarde encontré en la Wikipedia una explicación (en inglés) que me aclaró todo. (y me mostró cuan equivocado estaba) Quisiera, como amante del soul de todas las épocas, compartirla con ustedes, y por supuesto recurriré al omnipresente Youtube (Dios lo mantenga en la web e impida que se borren los videos) para ilustrar mejor esta historia.
El Northern Soul Northern Soul es el término usado para un tipo de música Soul de ritmo medio a alto que fue popularizado en el Norte de Inglaterra a mediados de los 60´s. El término también se refiere a los estilos de baile y modas asociados que surgieron del club “Twisted Wheel” de Manchester y se esparcieron a otros salones de baile y clubes nocturnos, como el “Golden Torch” (en Stoke-Upon-Trent), the Blackpool Mecca y el Wigan Casino. El estilo de baile Northern Soul era usualmente atlético, semejante a los últimos estilos de baile disco y break dancing. Incluía saltos, vueltas y giros, saltos hacia atrás.
Sus protagonistas eran jóvenes de la clase trabajadora del norte de Inglaterra que se reunían los fines de semana en clubes para bailar este estilo de música soul.
El estilo de baile Northern Soul nació a partir de actuaciones en vivo de grupos soul norteamericanos que visitaron Inglaterra, como Little Anthony & The Imperials y Jackie Wilson.
Historia: La música descrita como Northern Soul consistía originalmente de oscuras grabaciones de soul norteamericano, incluyendo canciones poco conocidas de Motown Records, Stax Records, Okeh Records y muchos otros sellos poco conocidos de soul. La frase “Northern Soul” fue acuñada por el periodista Dave Godin y popularizada en 1970 a través de su columna en la revista “Blues and Soul”. En una entrevista en el 2002 con Chris Hunt de la revista Mojo, él explicó que había aparecido con el término por primera vez en 1968 como una referencia a las ventas en su negocio de discos en Covent Garden, para que el personal distinguiera los modernos sonidos funk del soul mas suave influenciado por Motown de unos años antes. “Noté que los fanáticos de futbol del norte que llegaban a Londres para seguir a su equipo venían a comprar discos al negocio, pero no estaban interesados en las novedades del chart norteamericano. Desarrollé el nombre como un término de venta. Era como decir: Si vienen clientes del norte, no pierdan tiempo mostrándole las novedades, simplemente háganles escuchar lo que les gusta: Northern Soul” Una gran proporcion de la audiencia de este estilo venía del movimiento llamado “Mod”. Algunos mods comenzaron a adoptar el freakbeat y el rock sicodélico de fines de los 60’s, pero otros mods - especialmente los del norte – se volcaron hacia la música soul y el blue beat. Algunos mods se transformaron en lo que hoy son los skinheads, y otros formaron la base de la escena del northern soul. La moda original del northern soul incluía camisas de bowling, blazers y una inusual cantidad de botones, borceguíes, pantalones bolsudos o ajustados jeans marca Levi´s. Muchos bailarines usaban prendedores representando membresías a clubes de baile. El primer club nocturno que efectivamente definió el estilo Northern Soul fue el Twisted Wheel de Manchester. Otros clubes fueron el Mojo en Sheffield, The Catacombs en Wolverhampton, el Golden Torch en Stroke
, el Wigan Casino
, The Blackpool Mecca
y Va Va´s en Bolton. La música alcanzó su pico de popularidad a mediados de los 70´s, cuando el Wigan Casino fue votado como la discoteca numero uno del mundo. Miles de personas la visitaban cada semana, pero el atractivo under y exclusivo se fue perdiendo y el núcleo de los fanáticos se fue alejando. Cuando el Wigan Casino cerró en 1981, muchos creyeron que la escena Northern Soul iba a desaparecer. Sin embargo, la reaparición del movimiento mod de los 70´s y la posterior subcultura scooterboy produjo una nueva ola de fanáticos. Los 80´s –muchas veces menospreciado por aquellos que dejaron el movimiento en los 70´s- presentó alrededor de 100 nuevos salones en lugares tan diversos como Bradford, Londres, Peterborough, Leighton Buzzard, Whitchurch, Coventry y Leicester. Los preeminentes fueron Top of the World en Stafford y 100 Club de Londres.
Las ediciones británicas de los discos de Northern Soul están entre los vinilos mas caros y buscados por los coleccionistas (aunque sus equivalentes en edición norteamericana tienen un precio inferior). Muchos singles de 7 pulgadas han cruzado la barrera de los 2.000 dólares. Un vinilo de “Do I Love You” por Frank Wilson se vendió hace algunos años por 30.000 dólares.
El valor de los discos se ha elevado no por la rareza, sino por la calidad del ritmo, melodía y letra de las canciones. Muchos artistas soul intentaron el estrellato sin todos los ingredientes necesarios en su lugar. Los sellos independientes de bajo presupuesto no podían sostener la promoción necesaria ni la difusión apropiada. Muchos de esos artistas tuvieron que volver a sus trabajos, pensando en el fracaso comercial, con sus discos perdiéndose en la oscuridad, hasta que volvieron a la luz en los circuitos del Northern Soul. Canciones de Tammi Lynn, The Fascinations y los Velvelettes, que fueron originalmente publicados en los 60´s, se convirtieron en hits de Top40 británico en 1971. Tami Lynn llegó al puesto 4 con “I´m Gonna Run Away From You”
, The Fascinations llegaron al puesto 30 con “Girls Are Out to Get You”
y los Velvelettes treparon al numero 35 con “These Things Will Sep Me Loving You” En el principio de este video aparece una foto del edificio “Hitsville”, ubicación original de las oficinas del sello Motown.
Muchos artistas han viajado a Inglaterra para interpretar sus clásicos, frecuentemente muchos años después de las ediciones originales. En esta década, raros sonidos del soul de los 60´s están siendo descubiertos por jóvenes generaciones, y su música tiene seguidores por todo el mundo. Adicionalmente algunos artistas contemporáneos como Amy Winehouse, Joss Stone y Ebony Alleyne incorporan el sonido northern soul en sus repertorios.
Salsoul decidió explorar otros caminos en su búsqueda del elusivo éxito en los ránkings. En 1975 el productor Tom Moulton había remixado el éxito europeo “El Bimbo” por Bimbo Jet para el mercado norteamericano.
Tomando ese ejemplo, Salsoul buscó por todo el mundo otro tema hacedor de dinero y apareció con los temas “Kings of Clubs” por The Chocolats (Belgica), Love is Still Blue por Paul Mauriat y su Orquesta (de Francia), una versión disco del clásico “El Amor es Azul”
y Bebu Silvetti con “Spring Rain” (de España) Silvetti fue un compositor y arreglador fuera de serie, uno de sus últimos trabajos fueron los arreglos para el disco "Romance" de Luis Miguel.
Nota al margen: Bebu Silvetti De Wikipedia, la enciclopedia libre Bebu Silvetti (27 de marzo de 1944 – 5 de julio de 2003) fue un pianista, compositor, arreglador y productor argentino. Su éxito más grande fue Lluvia de primavera, en 1977.
Bebu nació en la localidad de Quilmes, provincia de Buenos Aires. A la edad de 6 años sus padres lo enviaron con un profesor de piano. En 1965 (a los 21 años de edad) se fue a España. Trabajó algunos años como pianista en algunos de los clubes de jazz más populares del tiempo. Más adelante Bebu y su grupo fueron contratados para actuar a bordo del crucero Cabo San Roque. Después de viajar por todo el mundo durante un año decidió afincarse en México a principios de los años setenta. Ahí inicio su carrera como compositor, arreglista y productor para otros artistas.
En 1976 salió su primer disco de larga duración El mundo sin palabras bajo la producción de Rafael Trabucchelli del sello Hispavox. Fue en 1977 cuando el single Spring Rain (lluvia de primavera) se convirtió en un éxito mundial, manteniéndose en todas las listas de popularidad estadounidense por más de 15 semanas consecutivas. Bebu fue muy innovador al introducir el sistema Dolby de supresión de ruido de fondo, interesante para la época. En 1978 (con 34 años de edad) sale su disco Concert from the stars donde Bebu toca el sintetizador. En 1980 grabo el disco En México donde toca su sintetizador mezclado con el sonido del mariachi, nuevamente algo muy innovador. En este disco se incluye el tema del programa televisivo mexicano "Noche a Noche" conducido por Veronica Castro. Sus temas para telenovelas en México fueron Dulce amor de la novela Gabriel y Gabriela (1982), Vanessa (también de 1982) e Imperio de cristal (de 1994). Durante su larga y prolifera carrera fue arreglista y productor para varios artistas como
Paul Anka Daniel Barenboim y Milton Nascimento con quienes trabajo para el disco titulado "Brazilian Rhapsody" le hizo los arreglos musicales y se incluye una pieza del señor Silvetti misma que da titulo al disco. Roberto Carlos Vikki Carr Alberto Cortez Plácido Domingo (productor de los discos: "De mi alma latina I y II" "Cien años de mariachi" y "Quiereme mucho") Rocío Dúrcal Dyango Juan Gabriel Engelbert Humperdink Armando Manzanero Luis Miguel (fue productor del disco de boleros: Romance, y arreglista musical para el tercer disco de boleros Romances) Ricardo Montaner (productor de los discos: "Sueño repetido" y "Suma") José Luis Perales Raphael Daniela Romo Paloma San Basilio Simone Marco Antonio Solís Tamara Álvaro Torres y muchos más. Bebu compuso más de 600 temas, unos 200 comerciales para televisión y radio (dos de los cuales recibieron el cotizado premio Clío Award), y música original para telenovelas, películas y home vídeos.
Silvetti decayó mucho tras la muerte de su esposa la compositora francesa Silvia Riera, en octubre de 2002.
Bebu murió a la edad de 59 años en Miami (EE. UU.) tras sufrir complicaciones por un cáncer de pulmón.
Cabe destacar que aunque Bebu ya no estaba en vida se siguieron extendiendo premios en su honor, como el Grammy latino póstumo por mejor productor del año en el 2003, y un tributo póstumo como mejor productor del año en premios Lo Nuestro en el 2004.
Sirva este artículo como un pequeño homenaje a un grande muy poco conocido.
Estos temas son el claro ejemplo de un nuevo estilo que estaba naciendo y que se llamaría “Eurodisco”, como vemos las raíces funk y soul se han perdido para dar lugar a un ambiente mas sinfónico. El último tema (del pianista argentino Bebu Silvetti) con su irresistible introducción, se convirtió en el primer éxito mundial del sello Salsoul.
Antes de su cierre en 1985, el sello tendría otros éxitos con el percusivo “Jingo” por Candido, “Ain´t No Mountain High Enough” por Inner Life,
“This Will Be A Night To Remember” por Eddie Holman,
“I Got My Mind Made Up” por Instant Funk y “Helplessly” por Moment of Truth. La herencia del fenomeno Salsoul se mantiene vivo en la actualidad a través de continuos sampleos usados por los Dj contemporáneos.
Antes de la aparición de las computadoras, la musica era tocada con instrumentos acústicos. En vez de jugar con los controles de un sintetizador y un secuenciador, había que reunir a unos 40 músicos dentro de un estudio de grabación.
Biografía (1992 - 1995) En 1992 Tina firmó un contrato con Sony Music y su manager, Ralph Carr, le animó a escribir su propia música si realmente quería llegar lejos. Durante ese año, Tina trabajó con algunos de los colaboradores más conocidos de Australia. Mientras trabajaba en un material para su próximo disco, se le ofreció el papel de narrador en la producción australiana de Andrew Lloyd Webber "Joseph And His Amazing Technicolor Dreamcoat". Tina encajó perfectamente en el papel y se ganó el respeto de Sir Andrew, que ha seguido su carrera en silencio desde entonces.El espectáculo empezó en vísperas de Año Nuevo en 1992 y la gira por todo el país duró diez meses, recibiendo buenas críticas y llenando teatros. En octubre de 1993 y con el dinero ganado, Tina voló a Los Ángeles para escribir más temas y grabar con algunos conocidos productores para su primer álbum con Sony Music. El resultado fue DON’T ASK (NO PREGUNTES). Antes del lanzamiento, Ralph Carr tuvo la idea de lanzar un primer sencillo para crear expectación en el álbum. El elegido fue 'Chains', editado el 26 de agosto de 1994 en Australia. La canción habla sobre la más completa frustración y la relación de Tina con el negocio musical. Llegó al número 4 en las listas, fue certificado Oro en octubre y Platino en noviembre.
El álbum salió a la venta el 11 de noviembre de 1994 y vendió tantos ejemplares que llegó al Oro y al Platino en pocas semanas. Tina cantó 'Chains' en muchos programas de televisión australianos a la vez que intervino en algunos actos en el Melbourne Festival. En diciembre cantó en los Premios ARIA de la Música en Australia. Su interpretación en vivo de 'Chains' fue un éxito. Si quedaba alguien en la industria musical que no supiera que Tina era una estrella, lo supo después de esa actuación. Tina acabó 1994 en lo más alto cuando se le pidió actuar en vísperas de navidad frente a 100.000 personas en el Myer Music Bowl de Melbourne. 'Sorrento Moon (I Remember)' fue el segundo sencillo de DON’T ASK, editado el 27 de enero de 1995. Llegó al número 7 en Australia y fue certificado Oro en mayo.
Más tarde intervino en el Advance Australia Fair en el Open de Tenis de Australia frente a una audiencia de millones de personas. En marzo DON'T ASK alcanzó ventas de platino (70.000) y durante abril y mayo Tina viajó a Europa para promocionar el lanzamiento de 'Chains' y DON’T ASK, incluso apareciendo en el legendario programa británico Top Of The Pops, y la canción llegó al número 6 en las listas inglesas.
De vuelta a Australia, el tercer single 'Heaven Help My Heart' fue editado en mayo llegando al número 22. En junio DON’T ASK era ya Doble Platino y con ventas incrementándose hasta que en septiembre llegara a ser Cuádruple Platino. En 1995 y 1996 Tina estaba por todas partes. Después de un año de su lanzamiento, DON'T ASK llegó al número 1 debido a sus constantes apariciones en conocidos programas de televisión australianos como "Good Morning Australia" y "Hey, Hey". Para que el álbum permaneciese en las listas, otro single fue lanzado el 15 de septiembre de 1995, llegando al Oro en diciembre y alcanzando el número 11, manteniéndose en el Top 40 durante 18 semanas. Fue 'Wasn’t It Good'.
Al final Tina estaba alcanzando su meta de ser una artista con éxito y ser aceptada siendo ella misma. "No me asusta ser quien soy o lo que quiero, porque me he puesto desnuda frente a la cámara para hablar, y he logrado alcanzar a la audiencia que siempre supe que estaba ahí", declaraba en Rolling Stone. El 2 de octubre en Sidney, Tina acudió a los Premios ARIA de la música australiana (Australian Record Industry Association), equivalentes a los Grammy americanos. Nominada para seis premios, ganó cuatro: Mejor Tema Pop ('Chains'), Canción del Año ('Chains'), Mejor Artista Femenina y el codiciado Mejor Álbum del Año para DON'T ASK. Era la primera vez que una cantante había ganado Canción del Año y Mejor Álbum del Año. Tina de nuevo hizo historia. Los premios marcaron un nuevo rumbo para Arena, ya aceptada por sus compatriotas. El shock de Tina era apreciable: "Esa fue la noche de mi vida. Pensé: ¡Vaya, creo que les gusta lo que hago! En serio, cuando has pasado por tantas pruebas y has sufrido tanto comprendes adónde has llegado. Pero esos ARIAS... creo que estaba aturdida. Sólo dije: ¡He ganado cuatro ARIAS, no puedo creerlo".Entonces llegó el momento que todos los fans estaban esperando. Durante octubre y noviembre, Tina se embarcó en una gira nacional llamada con razón "You Asked For It" (Vosotros Lo Pedisteis). Se vendieron todas las entradas, tanto es así que se prolongó y su nombre cambió por el de "You Asked For More... The Encore" (Vosotros Pedisteis Más... La Continuación) en tres grandes ciudades (Brisbane, Sidney y Melbourne). Todas las entradas se vendieron otra vez. En noviembre DON'T ASK alcanzó el número 1 en las listas australianas, exactamente después de un año de su lanzamiento. Alcanzó ser 7 veces Platino (700.000 copias vendidas) en diciembre y se anunciaba como el álbum de 1995 más vendido en Australia. El Daily Telegraph lo remató todo titulando el año como "El año de Tina". Los premios seguían sucediéndose y Tina fue votada Artista del Año por el Variety Club y ganó el premio Variety Club Entertainer Of The Year en reconocimiento a su contribución al crecimiento y aumento de Australia y su gente. Tina fue entonces nombrada la artista más vendedora de la historia de Australia. También por aquella época fue nominada a un premio Brit de la música británica como Mejor Nuevo Artista Internacional.En 1995 Tina contrajo matrimonio con su manager Ralph Carr. La boda pretendía ser secreta, pero el Canal 10 de la televisión australiana captó a Tina llegando a la capilla.
Los asesinatos de ambos presidentes Abraham Lincoln y John Fitzgerald Kennedy estan unidos por una serie de sorprendentes coincidencias.
Lincoln fue elegido para el congreso en 1846.
Kennedy fue elegido en 1946.
Lincoln fue el 16° presidente el 6 de noviembre de 1860.
Kennedy fue el 35° presidente el 8 de noviembre de1960.
Después de su muerte ambos fueron sucedidos por sureños ambos llamados Johnson - Andrew Johnson, nacido en 1808 y Lindon Johnson , nacido en 1908.
El hombre que mató a Lincoln fue John Wilkes Booth, nacido en 1839.
El hombre que mato a Kennedy Lee Harvey Oswald, nació en 1939.
Ambos asesinos eran sureños y murieron antes de llegar a juicio.
Booth cometió el crimen en un teatro y posteriormente corrió a esconderse a un almacen.
Oswald disparó contra Kennedy desde la ventana de un almacen y luego corrió hacia un teatro
El día que fue asesinado Lincoln, le dijo a William. H. Crook Creo que hay hombres que quieren quitarme la vida. Y no hay duda de que lo harán. Si han de hacerlo será imposible evitarlo.
Kennedy dijo a su esposa y a su consejero; Ken O´Donnell; Si alguien estuviera resuelto a matar al presidente, no le sería dificil.Todo lo que tiene que hacer es subir a un edificio alto con un rifle con mira telescópica; y nadie podrá evitarlo. Lo mataron dos horas y media más tarde.
Ambos presidentes presintieron lo mismo
Ambos fueron muertos un viernes de un tiro en la nuca.
Con ambos se hallaban sus esposas.
Ambos presidentes eran defensores de los derechos civiles.
Lincoln fue asesinado en el teatro Ford - Kennedy lo fue en un auto de la Ford Motor Company: un Lincoln.
Lincoln tenía un secretario llamado Kennedy (que además le pidio que esa noche no fuera al teatro). - Kennedy tenía un secretario de nombre Lincoln (quien le pidio que ese día no fuera a Dallas) .
Nacido en 1950 en Inglaterra, Richard Branson abandonó muy joven los estudios para lanzarse a una vida de emprendedor en su tierra natal.
En 1972, fundó la primera empresa de su vasto imperio: el sello discográfico "Virgin Records", que vendió en 1992 a EMI en más de 1000 millones de dólares.
Más adelante Branson incursionó en un sinnúmero de negocios: fundó las aerolíneas "Virgin Atlantic Airways" y "Virgin Blue", la cadena de gimnasios "Virgin Active", la cadena de retail "Virgin Megastores", la tarjeta de crédito "Virgin Credit Card", la editorial "Virgin Books" y "Virgin Mobile", una empresa de telefonía celular. Incluso, tiene en mente lanzar una compañía de turismo espacial llamada "Virgin Galactic", en sociedad con con Paul Allen, co-fundador de Microsoft.
Richard Branson, nombrado "sir" en 1999, construyó un imperio de más de 300 empresas desde la nada.
Mientras tanto, no dejaba de lado la diversión. En 1987, fue la primera persona en cruzar el océano Atlántico en un globo aerostático. En 1991, realizó la misma proeza sobre el Pacífico.
La filosofía que ha guiado a Branson a lo largo de su vida se resume en el título de su autobiografía de 1998: "Perdiendo mi Virginidad: Cómo he sobrevivido, me he divertido y he hecho una fortuna haciendo negocios a mi manera".
Todos conocemos el "Disco Inferno" por los Trammps, cancion que es un himno de la era disco y mas popular aún por formar parte de la banda de sonido de "Fiebre de Sábado por la Noche". Pero los Trammps no son solamente eso, principalmente son un grupo de talentosos vocalistas que formaron parte de la época de oro del Soul. El encontrar un tema como Hold Back The Night por los Trammps resultó (debo confesarlo) una sorpresa en su momento cuando compré los "Grandes Exitos" en CD. Pero mayor sorpresa fue descubrir esta versión de 1992 subida a YouTube por Ian Levine, junto con esta historia: "He aquí nuestra remake de 1992 de un clásico del Philly Soul. Los Trammps estaban de gira con nuestro guitarrista Erwin Keiles, y yo corté cinco temas con ellos, uno de ellos es este". Hold Back The Night - The Trammps
Uno de los mas finos temas soul que he escuchado. Y este video como muchos otros, es un documento imperdible para los amantes del Soul.
Como ustedes saben, no es costumbre en Simphony decir los nombres de los temas, y menos de los que forman esa selección de canciones que, por una causa u otra las destacamos cada semana. Sin embargo vamos a hacer una excepción con el tema de esta semana, no solamente por ser un tema realmente excepcional, y por ser su intérprete fuera de serie, sino principalmente por la historia detrás de esta joven cantante, la que conocí de su mismísimo productor y mentor: Ian Levine (ya les dije en otra entrada que vamos a hablar mucho de este señor en este blog biografía incluída) y que comienza 5 años atrás:
Ian Levine: La mayor tristeza de toda mi carrera es la triste historia de el álbum de Ebony Alleyne. Ella era una maravillosa cantante de 19 años quien firmó para Sony en el 2002. Fuí llamado para producir su álbum. Hicimos un magnífico trabajo de música soul real y sofisticada, con una gran orquesta (60 cuerdas, 30 vientos), con un estilo Burt Bacharach/Dionne Warwick predominante en la mayoría de los temas, y todo este trabajo fue hecho mucho antes que Norah Jones, Joss Stone, Corinne Bayley Rae y en particular Amy Winehouse aparecieran en escena prácticamente con lo mismo.
El álbum de Ebony era realmente, realmente maravilloso, y yo estaba orgulloso de ello, tomó un año y medio en hacerse, y la cabeza de Sony, Muff Winwood, lo supervisó personalmente. La canción "Walk Away and Never Look Back" fue la primera que grabamos. Presentamos la canción en la escena del soul reactivando el viejo sello clásico de soul Okeh, propiedad de Sony, y prensamos pequeñas cantidades limitadas en vinilo, y esta canción fue la primera de los tres singles. Todo iba maravillosamente bien, y yo ya estaba haciendo espacio en la pared para mi premio Grammy, cuando sucedió el desastre: El gerente de Sony tuvo un altercado muy duro con el manager de Ebony relacionado con otro proyecto totalmente ajeno a este, y Ebony fue impiadosa e innecesariamente bajada del proyecto, sin ni siquiera un disco en los negocios. Y ella está aún sin su disco, las grabaciones fueron a la basura y Muff Winwood dejó la compañía. Todo lo que queda de ese trabajo son esos tres singles tan raros, el video cantando "My Man" en el festival Togetherness de Fleetwood y esta maravillosa grabación casera de una canción que, tengo que confesarlo objetivamente, representa el mas fino trabajo de mi carrera.
Ebony Alleyne: "Walk Away and Never Look Back" grabación en estudo año 2002
Ebony Alleyne: Su presentación en el Togetherness (2002) cantando "My Man"
Estos dos temas están relacionados con la historia contada por Ian Levine, que se ubica en el año 2002, por suerte en la actualidad la historia de Ebony tuvo un final feliz, ha publicado su álbum (grabado hace 5 años) hace pocos meses bajo el sello independiente Expansion Records de Inglaterra, y como era previsible causó una conmoción en los ambientes del soul británico.
Todo esto que les he contado lo conocí en los últimos 10 días, y paralelamente estuve descubriendo una cantidad de jóvenes intérpretes (generalmente británicas) de música soul de primerísimo nivel, por supuesto totalmente desconocidas por el mundo, algunas con 10 años en la escena musical.
Y mi reflexión se centra en que cantidad de excelentes artistas habrá en el mundo que jamás conoceré, simplemente porque no han sido tocadas por la varita mágica de algún ejecutivo, mientras que los grandes sellos se dedican a promocionar a chicas con lindas caras, lindas piernas y poca ropa en videoclips y en MTV, que posiblemente algún día sean desechadas y descartadas como han hecho con Britney Spears cuyo lamentable estado físico y mental está en cualquier página de chimentos. Será Ebony la futura Sade? No podemos saberlo, tiene una voz fuera de serie, tiene una producción de lujo y la suerte de haber caído en las manos mas indicadas: Ian Levine. Lo demás depende del márketing, nosotros estamos muy influenciados por la maquinaria comercial norteamericana, que generalmente no le presta mucha atención a lo que pasa del otro lado del mar.
Si con este pequeño comentario podemos darle una mano, habrá valido la pena, sería muy egoísta guardarse esta perla que acaba de aparecer.
Ebony Alleyne: Second Look (Destacado de la semana)
Ebony Alleyne: All For Nothing
Los temas del disco: Ebony Alleyne - Never Look Back
01. You Caught Me Off Guard 02. Second Look 03. Walk Away And Never Look Back 04. My Man 05. Know Your Way 06. Hello Stranger 07. Looking Over My Shoulder 08. No More Time 09. Every Lonely Street 10. In Love With A Stranger 11. Merry Go Round 12. All For Nothing 13. Love Is Not A Game 14. Tell Me The Secret
La conocí hoy revisando los videos del productor musical británico Ian Levine, del que seguro hablaremos mucho en el futuro, y que tiene una historia e influencia tremendas en la historia de la música Soul, Disco y Pop de los últimos 30 años. Tammi es contemporánea aunque deliberadamente su estilo nos recuerda al sonido Motown de los 60´s. Aparentemente no tiene discos publicados. A mí particularmente me parece excelente, música que hasta hoy creía que no se hacía mas. Tammi Lavette: Dear Lover
Según veremos, la historia real de la música disco es la historia de los pequeños sellos independientes que albergaron a estos primeros artistas que poseían un estilo completamente diferente y apostaron todas sus pocas fichas. Es mucho mas tarde cuando la música disco accede a los grandes sellos, y es cuando veremos a grandes de la música del momento subirse al tren (Bee Gees, Rod Stewart, Barry Manilow, Steely Dan, y otros que veremos en capítulos venideros). Este es el caso de un sello característico por su sonido con influencias latinas y que es uno de los más importantes dentro de la historia del sonido Disco y uno de los mas influyentes dentro del House actual.
Noches calientes, verano en la ciudad. Se encontraba mas que una rosa en el Harlem Español de New York allá por 1975. Las calles latían con música que salía de los estéreos de 8 pistas (o magazines) de los autos, y de las ventanas abiertas. Con la influencia de el sonido de Xavier Cugat, Tito Puente y otros reyes del mambo, un nuevo sonido urbano emergió con la version instrumental del tema “The Bottle” interpretada por Joe Bataan. El tema vendió tan bien que Mericana Records, un sello especializado en musica latina de muchos años, decidió que era el momento para abrir una subsidiaria dedicada exclusivamente a la musica disco. Se llamó Salsoul Records.
Identificada por un logo con un arcoiris multicolor, Salsoul ofreció música orquestada al estilo Philadelphia con masivas sesiones de cuerdas y voces muy soul.
Como no podía ser de otra manera, el sello también tenía (al igual que Motown y Philadelphia International) su propia banda de músicos de sesión al estilo MFSB: La Salsoul Orchestra, la cual muchas veces empleaba los mismos músicos que participaban en los clásicos de Philly. Su conductor era Vincent Montana Jr., quien también escribió y arregló sus temas mas populares: “Nice ´N Naasty”, “You´re Just the Right Size” y “Chicago Bus Stop(Ooh I Love It”. La Salsoul Orchestra también deleitaría a sus fanáticos con sus temas de culto “Salsoul 3001” (una version disco del clásico de Richard Strauss “Así Hablaba Zarathustra”), “Tangerine”, “Street Sense” y una combinación de los clásicos de Broadway “El Violinista en el Tejado” y “West Side Story”.
Usualmente los coros eran hechos por Carla Benson, Yvette Benton y Barbara Ingram, conocidas como las “Sweethearts of Sigma” por su trabajo constante en los estudios Sigma Sound de Philadelphia, estas tres chicas prácticamente vivían en los estudios y participaron en la mayoría de las grabaciones de los clásicos de Philadelphia International, y también participaron en las principales pistas del sello Salsoul. También el grupo femenino First Choice grabó clásicos de Salsoul como “Armed and Extremely Dangerous” y “Smarty Pants”, pero conocieron una mayor fama con las versiones remixadas hasta el infinito de “Dr. Love” y “Let No Man Put Asunder”.
La indiscutida reina del sonido Salsoul era Loleatta Holloway. Mientras que la mayoría de las divas del disco se caracterizaban por el estilo por sobre el contenido vocal, las colosales cuerdas vocales de Loleatta han estremecido las estructuras de las pistas de baile desde el Nueva York de mediados de los 70´s hasta los superclubes de Ibiza de la actualidad. Estas habilidades fueron adquiridas cuando cantaba con su madre en las iglesias de Chicago, donde Loleatta tuvo su primer contacto con la industria de la música cuando fue contratada pera el musical “Don´t Bother Me I Can´t Cope”.
Ella hizo giras y tuvo algunos éxitos moderados con su futuro productor y esposo Floyd Smith, antes de atraer la atención del famoso productor de Philadelphia International Norman Harris en 1976.
El tema “Run Away”, compuesto por Vince Montana Jr. Y publicado en 1977 en el album Magic Journey (Viaje Mágico) fue otro sólido clásico de los clubes cantado por Loleatta; Queen Of The Night, lanzado al año siguiente, estremeció la escena de los clubes underground, así como “The Greatest Performance of my Life”, corte del álbum de Loleatta de 1979. Aquel año, por supuesto, también hizo historia con un disco que forma parte del folklore de los clubes bailables, el eterno y constantemente reciclado “Love Sensation”, producido por Dan Hartman.
Carol Williams : Love is You (del LP ´Lectric Lady 1977) En este video el autor enumera los integrantes de la Salsoul (mas de 50 miembros), y al final del tema podemos escuchar el clásico solo de vibráfono (vibes) de Vince Montana Jr.
El costado totalmente opuesto a la experiencia Holloway vino con Charo, la ardiente diva hispana de Salsoul. Originaria de Murcia, España, Charo primero conmocionó al ambiente musical de mediados de los 60´s al casarse con Xavier Cugat y trabajar con su banda durante tres años.
Fue en los circuitos de cabarets en donde ella aprendió como comunicarse con la audiencia y como transformar su poco conocimiento del idioma inglés en un encantador acento.
Ella ronroneaba y estrangulaba las palabras dandole a todo un doble sentido no solamente en los discos sino también en televisión en “El Crucero del Amor” y en el cine en “Concorde – Aeropuerto ´79”. Dado que hasta el momento ninguno de los temas de Salsoul había logrado realmente una gran cifra de ventas, el sello vió en Charo el perfecto vehículo de promoción perpetua.
El primer álbum de Charo se tituló “Cuchi Cuchi”, e incluía temas tan dispares como “Let´s Spend the Night Together” y “Speedy Gonzalez” junto con temas pensados por Montana para las pistas de baile como el dulce e ingenuo “Dance a little bit closer” Como veremos no es muy buena bailando, pero... a quien le importa?
Charo grabaría un solo album mas en Salsoul Records, los temas de este segundo album incluirían “Tema del Crucero del Amor”, “Stay With Me” y, dado que era una talentosa guitarrista clásica, una version de 10 minutos del “Concierto de Aranjuez” de Rodrigo. Charo interpretando “Bolero” de Ravel
Salsoul decidió explorar otros caminos en busca del ansiado éxito en los charts. En 1975 Tom Moulton había remixado el éxito europeo “El Bimbo” por Bimbo Jet.... ...Continuará
Para el asombro "La doncella" fue presentada en sociedad en el MAAM y allí estará durante, por lo menos, treinta días. Salteños y visitantes pueden admirar a uno de los tres cuerpos momificados, hallados en 1999 a más de 6.700 metros.
Allí está, como durmiendo. Tanto que los espectadores sienten la necesidad de quedarse un rato más contemplándola, a la espera de que "La doncella" comience a hablar.El asombro dibuja diferentes gestos en los rostros de los hombres y mujeres que se acercan al vidrio para mirar lo más cerca posible lo que parece una fotografía o una pintura magistral más que un cuerpo de más de 500 años de existencia, todavía con sangre en las venas y alimentos en sus entrañas.Lo que se presenta a los ojos, sencillamente emociona.
Impresiona, y mucho. Paraliza casi. Y las sensaciones se mezclan y alternan sucesivamente entre "La doncella" con apariencia de una jovencita de nuestros tiempos, sentada, dormida, y aquella niña que fue ofrendada por sus mayores a los dioses.Está sentada, con piernas y manos cruzadas y la cabeza agachada. El cabello trenzado prácticamente le cubre la cara. Su cuerpo está cubierto con una especie de túnica de color marrón con un cinto tejido en la cintura y en los pies tiene un calzado con base de cuero, tejido en la parte superior.
En ese recinto el murmullo se mezcla con la ambientación de un fondo musical de instrumentos de viento que acompañan a un relato en quechua, todo en casi penumbra, con apenas algo más de 15 grados de temperatura.Y como complemento del cuerpo momificado, en ese reducido lugar también se exponen en vitrinas separadas la mayoría de los elementos que formaron el ajuar de los niños elegidos para el ritual inca: vasijas, juguetes, tejidos, collares, adornos...En el mismo ámbito, hay una pantalla que monitorea en forma permanente el sistema de criopreservación.
"La doncella" está colocada sobre un círculo, a 18 grados bajo cero, en un recinto de entre un metro y medio y dos metros cuadrados, y en la base de una cámara de criopreservación que llega a tener 30 grados bajo cero.
Según lo previsto, estará allí unos tres meses, para luego dar paso a la presentación de alguno de los otros dos cuerpos hallados a 6.700 metros de altura.
En la web
La presentación mundial de los Niños del Llullaillaco también es ofrecida al mundo a través de una visita guiada virtual por el Museo de Arqueología de Alta Montaña (MAAM), disponible desde su sitio web, http://www.maam.org.ar/. Desde cualquier computadora conectada a Internet se puede ingresar al museo para hacer un recorrido digital por sus instalaciones y piezas de colección donde se presentan imágenes exclusivas de los tres niños inca y de su respectivo ajuar.
Además, en el sitio puede consultarse información adicional sobre la cultura andina, la expedición arqueológica al volcán Llullaillaco y videos sobre el descubrimiento.
El desarrollo técnico es soportado por Telecom, que además donará 20 audioguías con tecnología MP3 disponibles en 5 idiomas para enriquecer la experiencia de los visitantes extranjeros.
La noticia
Era marzo de 1999 cuando una noticia conmovió al mundo de la arqueología y de las ciencias en general: un equipo de investigadores encabezado por Johan Reinhard, con la participación de argentinos y peruanos, encontraron en la cima del volcán salteño Llullaillaco, tres cuerpos intactos, conservados por el frío durante más de cinco siglos.Fue un acontecimiento sin precedentes. Un hito en la arqueología de alta montaña y un orgullo para esta provincia que lo supo capitalizar para las generaciones futuras. Este hallazgo cultural abrió una nueva etapa y con ella la decisión de dar curso a la creación del Museo de Arqueología de Alta Montaña, inaugurado en noviembre de 2004.Hoy, para los turistas, el MAAM es un museo más. Para los habitantes de la región andina, es un santuario.
La repercusión en el mundo
En pocas horas, la presentación de "La Doncella" en el MAAM tuvo repercusión en todo el mundo. Momentos antes de la apertura de la muestra diferentes medios ya reflejaban en sus sitios de Internet este acontecimiento único para la arqueología internacional.La prensa europea resaltó el valor de los Niños del Llullaillaco como "las momias mejor conservadas del mundo".
La noticia es comentada en las ediciones impresas y digitales de diarios de todo el viejo continente. Medios latinoamericanos de Colombia, Perú, Bolivia, Uruguay y Brasil comentan la importancia de la cultura Inca en la América precolombina. "La Doncella", "El Niño" y la "Niña del Rayo" fueron elegidos para el sacrificio por su perfección física, condición política y alto estatus social dentro del incanato.
Las opiniones
Margarita Lecuona: "Nunca me imaginé encontrarme con algo así. Es una cosa de locos, no se puede creer en nivel de tecnología que hay acá. Tengo la suerte de haber viajado bastante y puedo asegurar que este museo está entre los mejores del mundo, sin dudas".
Gloria Cabanillas: "Estoy asombrada, falta que en cualquier momento esa niña se despierte y hable. Este museo es una maravilla y un orgullo para Salta. Es increíble el estado en el que está ese cuerpo y toda la tecnología puesta al servicio de su conservación".
Carolyn (Londres): "Viajamos desde Bolivia y hoy (por ayer) nos encontramos con la novedad de esta presentación en el museo y vinimos a ver de qué se trataba. Realmente, increíble los detalles, el estado de conservación del cuerpo, el cabello, las ropas".
Andrew (Londres): "Es la primera vez que venimos aquí, estamos maravillados por la arquitectura y los edificios históricos. Apenas nos enteramos de este descubrimiento quisimos verlo y nos maravillamos apenas entramos. No se puede creer.
Sitio arqueológico Las momias estaban a 6.715 m, en una plataforma ceremonial de 10 x 6 m ubicada en un promontorio muy visible de la cumbre, afianzada por muros de contención. En la plataforma se hallaron tres tumbas cavadas en la roca madre que resguardaban los cadáveres, enterrados entre 1,5 y 2 m de profundidad. Se considera a estas ruinas el sitio arqueológico más alto del mundo. El complejo arqueológico comprende un enterratorio en la base del volcán (a 4.900 m de altitud), saqueado en el pasado por buscadores de tesoros; un tambo a 5.200 m, algunas de cuyas construcciones conservan paredes de hasta 22 dm de altura y las vigas del techo en posición original, que se supone servía como "campamento base" para la ascensión a la cima; y otras conjuntos menores de ruinas sobre las laderas de la montaña a 5.700, 6.300 y 6.550 m. Según Ceruti, "uno de los cuerpos, que pertenecía a un niño de siete años se encontraba sentado sobre una túnica o uncu plegado, y presentaba distintos elementos del ajuar acompañante, tales como sandalias o ushutas, bolsitas de piel de animal conteniendo cabello del niño, un saquillo tejido o chuspa, engarzado con plumas blancas, estatuillas masculinas de valva de spondylus y un aríbalo de cerámica".
La víctima enterrada en la tumba norte era una joven mujer de quince años, que llevaba un tocado de plumas blancas. Estaba acompañada de un uncu o túnica tejida, de objetos de cerámica de formas y estilos típicos incaicos - aríbalo, vasija con pie, jarrito, platos ornitomorfos – y de elementos textiles tales como chuspas, fajas arrolladas y una pequeña vincha. Presentaba keros de madera en miniatura, un peine de espinas y trozos de carne seca o charqui.
De su tumba se recuperaron asimismo estatuillas femeninas de oro, plata y valva de spondylus. En la tercer tumba se descubrió el cuerpo de una niña de seis años, dañado por la descarga de un rayo. La niña se encontraba rodeada de varios elementos de cerámica en miniatura, de típico estilo incaico. Llevaba consigo bolsas o chuspas; mocasines de cuero y sandalias, vasos o keros, y un conjunto de estatuillas femeninas alineadas." Las ofrendas halladas en el volcán Llullaillaco El fardo más pequeño pertenece a la niña más joven, cuyo cadáver se encuentra perfectamente conservado e incluso se puede observar los ojos semiabiertos, además de su cabello negro con una mascapaycha (una chapa de oro oxidada de más de 10 cm que parece un hongo). Está envuelta en una cobertura de mantas de lana de distintos tonos de marrón, elaborada en lana de alpaca, en la cual existen algunos rastros de quemaduras como consecuencia posible de la caída de un rayo. Las otras dos reliquias pertenecen a una niña de quince años y a un niño de entre siete u ocho. Estos cuerpos fueron encontrados con 36 estatuillas de oro, plata y valva spondylus, mantos, tejidos con decoración geométrica de vivos colores, penachos de plumas, chuspas (bolsitas tejidas) con comidas de charqui, habas y hojas de coca. Además, se encontró un aríbalo (vasija de muy fina cerámica), sandalias de cuero con tirantes de lana, una vincha, una suerte de cuerda de lana cumpi, una figura de llama y una cuchara de madera. También había collares de conchas marinas (spondylus), que provenían del océano Pacífico y significan el dominio de las aguas. Recorrido de los niños sacrificados en el Llullaillaco Apoyándose en las crónicas de los conquistadores españoles y los datos que han recopilado en la observación de los cuerpos y las vestimentas y objetos que portaban los tres incas sacrificados, los investigadores creen que salieron del Perú, e hicieron un recorrido de un año de duración hasta llegar al lugar donde murieron. Un grupo de sacerdotes los acompañaron, como parece demostrar los restos de enterramientos al pie del volcán. Un investigador médico que analizó los cuerpos, el argentino Facundo Arias, señaló que es muy probable que los tres fueran “emborrachados con chicha”, una bebida a base de maíz fermentado, y que, adormecidos, se murieron congelados, “ya que no se han encontrado en sus cuerpos signos de violencia". Al parecer, los dos niños más jóvenes eran de familias nobles y fueron marcados desde su nacimiento para ser sacrificados, como muestra el hecho de que sus cráneos fueran deformados con distintas técnicas y por los brazaletes y ropajes que llevaban al morir. La adolescente no parece ser de origen noble y se especula que acompañó a los más pequeños, como una especie de niñera. Las investigaciones basadas en el análisis de ADN, han determinado que no existía parentesco entre los tres. Los tres niños se encuentran en perfecto estado de conservación. El médico Arias manifiesta que: “…los cuerpos están conservados naturalmente y tienen los órganos intactos, incluido el cerebro”.
Los Brand New Heavies comenzaron en los 80´s como un grupo instrumental llamado Brother International.
Ya como los Brand New Heavies ganaron una cantidad de seguidores fieles en la escena de los clubes londinenses.
La banda grabaría su disco debut en el sello Acid Jazz en 1990 con Ella Ruth como primera voz.
Un single "Got To Give" apareció bajo el sello Cooltempo antes de que firmaran con Acid Jazz y publicaran "Brand New Heavies" el que logró el reconocimiento de la crítica.
La banda firmó para una división de Chrysalis Records en Inglaterra y la distribución Norteamericana quedo en manos de el influyende sello "Delicious Vinyl", y N´Dea Davenport, quien había firmado contrato con el mismo sello, se unió al grupo.
Se lanzó una nueva versión del primer álbum con la voz de N´Dea y los temas "Dream Come True" y "Never Stop" se convirtieron en éxitos a ambos lados del Atlánico.
Una aparición del grupo con McSerch (ex 3rd Bass) y Q-Tip (de A Tribe Called Quest) en la ciudad de Nueva York, inspiró al grupo a incorporar elementos de hip hop. Su siguiente álbum fue el aclamado "Heavy Rhyme Experience Vol. 1", que no tiene voces femeninas.
Brother Sister (1994) fue el ultimo álbum con N´Dea Davenport, quien encaró una carrera como solista que había pospuesto al unirse a los Heavies.
Siedah Garrett se unió al grupo para el siguiente album "Shelter" (1997).
Posteriormente publicaron un Greatest Hits: "Trunk Funk" (2000) con la voz de Carleen Anderson en las nuevas versiones de algunos temas, seguido por una edición únicamente japonesa "We Won´t Stop" en el 2003, presentando a la cantante británica Nicole Russo en primera voz.
En Abril de 2006 los Heavies volvieron a reunirse con N´Dea Davenport y su ex sello Delicious Vinyl. Publicaron un nuevo álbum "Get Used to It" en 27 de junio de ese año por intrmedio de Starbucks y otros puntos de venta mas tradicionales. El álbum fue grabado en Nueva York y Londres, y el primer corte "I Don´t Know Why(I Love You)" fue publicado a principios de mayo.
El single fue notable por ser una de las pocas grabaciones de esta época en tener la marca "A Tom Moulton Mix" (ver la Historia de la Musica Disco) dado que el legrndario pionero del disco fue invitado a contribuir con algunas mezclas.
Mas tarde ese año la canción "Jump N'move" fue incluida en la banda de sonido de la película "Happy Feet", y el juego de computadora "NBA Live 2005".
Miembros de la banda:
Jan Kincaid (batería y teclados) 1985 hasta el presente
Simon Bartholomew (Guitarra) 1985 hasta el presente
Andrew Levy (bajo, teclados) 1985 hasta el presente
Lascelles Gordon (percusion, guitara) album debut (1991)
Jim Wellman (saxo tenor, saxo soprano, teclados) album debut (1991)
N´Dea Davenport (voz) 1990-1995, 2005 - presente
Siedah Garett (voz) 1997
Carleen Anderson (voz)
Nicole Russo (voz) 2004
Sy Smith (voz)
R&B, Soul, Funk, Jazz, una base rítmica muy marcada y excelentes voces femeninas conforman el único sonido de los Brand New Heavies.
Calificado por algunos como el mejor álbum soul de la historia, What's Going On tiene sin embargo que superar la inicial oposición de Berry Gordy (Gerente de Motown Records) que lo juzga excesivamente político y escasamente comercial; sin embargo, Gaye se niega a realizar otra grabación hasta que se grabe el sencillo, a lo que Gordy accede finalmente en enero de 1971.
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