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Los asesinatos de ambos presidentes Abraham Lincoln y John Fitzgerald Kennedy estan unidos por una serie de sorprendentes coincidencias.
Lincoln fue elegido para el congreso en 1846.
Kennedy fue elegido en 1946.
Lincoln fue el 16° presidente el 6 de noviembre de 1860.
Kennedy fue el 35° presidente el 8 de noviembre de1960.
Después de su muerte ambos fueron sucedidos por sureños ambos llamados Johnson - Andrew Johnson, nacido en 1808 y Lindon Johnson , nacido en 1908.
El hombre que mató a Lincoln fue John Wilkes Booth, nacido en 1839.
El hombre que mato a Kennedy Lee Harvey Oswald, nació en 1939.
Ambos asesinos eran sureños y murieron antes de llegar a juicio.
Booth cometió el crimen en un teatro y posteriormente corrió a esconderse a un almacen.
Oswald disparó contra Kennedy desde la ventana de un almacen y luego corrió hacia un teatro
El día que fue asesinado Lincoln, le dijo a William. H. Crook Creo que hay hombres que quieren quitarme la vida. Y no hay duda de que lo harán. Si han de hacerlo será imposible evitarlo.
Kennedy dijo a su esposa y a su consejero; Ken O´Donnell; Si alguien estuviera resuelto a matar al presidente, no le sería dificil.Todo lo que tiene que hacer es subir a un edificio alto con un rifle con mira telescópica; y nadie podrá evitarlo. Lo mataron dos horas y media más tarde.
Ambos presidentes presintieron lo mismo
Ambos fueron muertos un viernes de un tiro en la nuca.
Con ambos se hallaban sus esposas.
Ambos presidentes eran defensores de los derechos civiles.
Lincoln fue asesinado en el teatro Ford - Kennedy lo fue en un auto de la Ford Motor Company: un Lincoln.
Lincoln tenía un secretario llamado Kennedy (que además le pidio que esa noche no fuera al teatro). - Kennedy tenía un secretario de nombre Lincoln (quien le pidio que ese día no fuera a Dallas) .
Nacido en 1950 en Inglaterra, Richard Branson abandonó muy joven los estudios para lanzarse a una vida de emprendedor en su tierra natal.
En 1972, fundó la primera empresa de su vasto imperio: el sello discográfico "Virgin Records", que vendió en 1992 a EMI en más de 1000 millones de dólares.
Más adelante Branson incursionó en un sinnúmero de negocios: fundó las aerolíneas "Virgin Atlantic Airways" y "Virgin Blue", la cadena de gimnasios "Virgin Active", la cadena de retail "Virgin Megastores", la tarjeta de crédito "Virgin Credit Card", la editorial "Virgin Books" y "Virgin Mobile", una empresa de telefonía celular. Incluso, tiene en mente lanzar una compañía de turismo espacial llamada "Virgin Galactic", en sociedad con con Paul Allen, co-fundador de Microsoft.
Richard Branson, nombrado "sir" en 1999, construyó un imperio de más de 300 empresas desde la nada.
Mientras tanto, no dejaba de lado la diversión. En 1987, fue la primera persona en cruzar el océano Atlántico en un globo aerostático. En 1991, realizó la misma proeza sobre el Pacífico.
La filosofía que ha guiado a Branson a lo largo de su vida se resume en el título de su autobiografía de 1998: "Perdiendo mi Virginidad: Cómo he sobrevivido, me he divertido y he hecho una fortuna haciendo negocios a mi manera".
Todos conocemos el "Disco Inferno" por los Trammps, cancion que es un himno de la era disco y mas popular aún por formar parte de la banda de sonido de "Fiebre de Sábado por la Noche". Pero los Trammps no son solamente eso, principalmente son un grupo de talentosos vocalistas que formaron parte de la época de oro del Soul. El encontrar un tema como Hold Back The Night por los Trammps resultó (debo confesarlo) una sorpresa en su momento cuando compré los "Grandes Exitos" en CD. Pero mayor sorpresa fue descubrir esta versión de 1992 subida a YouTube por Ian Levine, junto con esta historia: "He aquí nuestra remake de 1992 de un clásico del Philly Soul. Los Trammps estaban de gira con nuestro guitarrista Erwin Keiles, y yo corté cinco temas con ellos, uno de ellos es este". Hold Back The Night - The Trammps
Uno de los mas finos temas soul que he escuchado. Y este video como muchos otros, es un documento imperdible para los amantes del Soul.
Como ustedes saben, no es costumbre en Simphony decir los nombres de los temas, y menos de los que forman esa selección de canciones que, por una causa u otra las destacamos cada semana. Sin embargo vamos a hacer una excepción con el tema de esta semana, no solamente por ser un tema realmente excepcional, y por ser su intérprete fuera de serie, sino principalmente por la historia detrás de esta joven cantante, la que conocí de su mismísimo productor y mentor: Ian Levine (ya les dije en otra entrada que vamos a hablar mucho de este señor en este blog biografía incluída) y que comienza 5 años atrás:
Ian Levine: La mayor tristeza de toda mi carrera es la triste historia de el álbum de Ebony Alleyne. Ella era una maravillosa cantante de 19 años quien firmó para Sony en el 2002. Fuí llamado para producir su álbum. Hicimos un magnífico trabajo de música soul real y sofisticada, con una gran orquesta (60 cuerdas, 30 vientos), con un estilo Burt Bacharach/Dionne Warwick predominante en la mayoría de los temas, y todo este trabajo fue hecho mucho antes que Norah Jones, Joss Stone, Corinne Bayley Rae y en particular Amy Winehouse aparecieran en escena prácticamente con lo mismo.
El álbum de Ebony era realmente, realmente maravilloso, y yo estaba orgulloso de ello, tomó un año y medio en hacerse, y la cabeza de Sony, Muff Winwood, lo supervisó personalmente. La canción "Walk Away and Never Look Back" fue la primera que grabamos. Presentamos la canción en la escena del soul reactivando el viejo sello clásico de soul Okeh, propiedad de Sony, y prensamos pequeñas cantidades limitadas en vinilo, y esta canción fue la primera de los tres singles. Todo iba maravillosamente bien, y yo ya estaba haciendo espacio en la pared para mi premio Grammy, cuando sucedió el desastre: El gerente de Sony tuvo un altercado muy duro con el manager de Ebony relacionado con otro proyecto totalmente ajeno a este, y Ebony fue impiadosa e innecesariamente bajada del proyecto, sin ni siquiera un disco en los negocios. Y ella está aún sin su disco, las grabaciones fueron a la basura y Muff Winwood dejó la compañía. Todo lo que queda de ese trabajo son esos tres singles tan raros, el video cantando "My Man" en el festival Togetherness de Fleetwood y esta maravillosa grabación casera de una canción que, tengo que confesarlo objetivamente, representa el mas fino trabajo de mi carrera.
Ebony Alleyne: "Walk Away and Never Look Back" grabación en estudo año 2002
Ebony Alleyne: Su presentación en el Togetherness (2002) cantando "My Man"
Estos dos temas están relacionados con la historia contada por Ian Levine, que se ubica en el año 2002, por suerte en la actualidad la historia de Ebony tuvo un final feliz, ha publicado su álbum (grabado hace 5 años) hace pocos meses bajo el sello independiente Expansion Records de Inglaterra, y como era previsible causó una conmoción en los ambientes del soul británico.
Todo esto que les he contado lo conocí en los últimos 10 días, y paralelamente estuve descubriendo una cantidad de jóvenes intérpretes (generalmente británicas) de música soul de primerísimo nivel, por supuesto totalmente desconocidas por el mundo, algunas con 10 años en la escena musical.
Y mi reflexión se centra en que cantidad de excelentes artistas habrá en el mundo que jamás conoceré, simplemente porque no han sido tocadas por la varita mágica de algún ejecutivo, mientras que los grandes sellos se dedican a promocionar a chicas con lindas caras, lindas piernas y poca ropa en videoclips y en MTV, que posiblemente algún día sean desechadas y descartadas como han hecho con Britney Spears cuyo lamentable estado físico y mental está en cualquier página de chimentos. Será Ebony la futura Sade? No podemos saberlo, tiene una voz fuera de serie, tiene una producción de lujo y la suerte de haber caído en las manos mas indicadas: Ian Levine. Lo demás depende del márketing, nosotros estamos muy influenciados por la maquinaria comercial norteamericana, que generalmente no le presta mucha atención a lo que pasa del otro lado del mar.
Si con este pequeño comentario podemos darle una mano, habrá valido la pena, sería muy egoísta guardarse esta perla que acaba de aparecer.
Ebony Alleyne: Second Look (Destacado de la semana)
Ebony Alleyne: All For Nothing
Los temas del disco: Ebony Alleyne - Never Look Back
01. You Caught Me Off Guard 02. Second Look 03. Walk Away And Never Look Back 04. My Man 05. Know Your Way 06. Hello Stranger 07. Looking Over My Shoulder 08. No More Time 09. Every Lonely Street 10. In Love With A Stranger 11. Merry Go Round 12. All For Nothing 13. Love Is Not A Game 14. Tell Me The Secret
La conocí hoy revisando los videos del productor musical británico Ian Levine, del que seguro hablaremos mucho en el futuro, y que tiene una historia e influencia tremendas en la historia de la música Soul, Disco y Pop de los últimos 30 años. Tammi es contemporánea aunque deliberadamente su estilo nos recuerda al sonido Motown de los 60´s. Aparentemente no tiene discos publicados. A mí particularmente me parece excelente, música que hasta hoy creía que no se hacía mas. Tammi Lavette: Dear Lover
Según veremos, la historia real de la música disco es la historia de los pequeños sellos independientes que albergaron a estos primeros artistas que poseían un estilo completamente diferente y apostaron todas sus pocas fichas. Es mucho mas tarde cuando la música disco accede a los grandes sellos, y es cuando veremos a grandes de la música del momento subirse al tren (Bee Gees, Rod Stewart, Barry Manilow, Steely Dan, y otros que veremos en capítulos venideros). Este es el caso de un sello característico por su sonido con influencias latinas y que es uno de los más importantes dentro de la historia del sonido Disco y uno de los mas influyentes dentro del House actual.
Noches calientes, verano en la ciudad. Se encontraba mas que una rosa en el Harlem Español de New York allá por 1975. Las calles latían con música que salía de los estéreos de 8 pistas (o magazines) de los autos, y de las ventanas abiertas. Con la influencia de el sonido de Xavier Cugat, Tito Puente y otros reyes del mambo, un nuevo sonido urbano emergió con la version instrumental del tema “The Bottle” interpretada por Joe Bataan. El tema vendió tan bien que Mericana Records, un sello especializado en musica latina de muchos años, decidió que era el momento para abrir una subsidiaria dedicada exclusivamente a la musica disco. Se llamó Salsoul Records.
Identificada por un logo con un arcoiris multicolor, Salsoul ofreció música orquestada al estilo Philadelphia con masivas sesiones de cuerdas y voces muy soul.
Como no podía ser de otra manera, el sello también tenía (al igual que Motown y Philadelphia International) su propia banda de músicos de sesión al estilo MFSB: La Salsoul Orchestra, la cual muchas veces empleaba los mismos músicos que participaban en los clásicos de Philly. Su conductor era Vincent Montana Jr., quien también escribió y arregló sus temas mas populares: “Nice ´N Naasty”, “You´re Just the Right Size” y “Chicago Bus Stop(Ooh I Love It”. La Salsoul Orchestra también deleitaría a sus fanáticos con sus temas de culto “Salsoul 3001” (una version disco del clásico de Richard Strauss “Así Hablaba Zarathustra”), “Tangerine”, “Street Sense” y una combinación de los clásicos de Broadway “El Violinista en el Tejado” y “West Side Story”.
Usualmente los coros eran hechos por Carla Benson, Yvette Benton y Barbara Ingram, conocidas como las “Sweethearts of Sigma” por su trabajo constante en los estudios Sigma Sound de Philadelphia, estas tres chicas prácticamente vivían en los estudios y participaron en la mayoría de las grabaciones de los clásicos de Philadelphia International, y también participaron en las principales pistas del sello Salsoul. También el grupo femenino First Choice grabó clásicos de Salsoul como “Armed and Extremely Dangerous” y “Smarty Pants”, pero conocieron una mayor fama con las versiones remixadas hasta el infinito de “Dr. Love” y “Let No Man Put Asunder”.
La indiscutida reina del sonido Salsoul era Loleatta Holloway. Mientras que la mayoría de las divas del disco se caracterizaban por el estilo por sobre el contenido vocal, las colosales cuerdas vocales de Loleatta han estremecido las estructuras de las pistas de baile desde el Nueva York de mediados de los 70´s hasta los superclubes de Ibiza de la actualidad. Estas habilidades fueron adquiridas cuando cantaba con su madre en las iglesias de Chicago, donde Loleatta tuvo su primer contacto con la industria de la música cuando fue contratada pera el musical “Don´t Bother Me I Can´t Cope”.
Ella hizo giras y tuvo algunos éxitos moderados con su futuro productor y esposo Floyd Smith, antes de atraer la atención del famoso productor de Philadelphia International Norman Harris en 1976.
El tema “Run Away”, compuesto por Vince Montana Jr. Y publicado en 1977 en el album Magic Journey (Viaje Mágico) fue otro sólido clásico de los clubes cantado por Loleatta; Queen Of The Night, lanzado al año siguiente, estremeció la escena de los clubes underground, así como “The Greatest Performance of my Life”, corte del álbum de Loleatta de 1979. Aquel año, por supuesto, también hizo historia con un disco que forma parte del folklore de los clubes bailables, el eterno y constantemente reciclado “Love Sensation”, producido por Dan Hartman.
Carol Williams : Love is You (del LP ´Lectric Lady 1977) En este video el autor enumera los integrantes de la Salsoul (mas de 50 miembros), y al final del tema podemos escuchar el clásico solo de vibráfono (vibes) de Vince Montana Jr.
El costado totalmente opuesto a la experiencia Holloway vino con Charo, la ardiente diva hispana de Salsoul. Originaria de Murcia, España, Charo primero conmocionó al ambiente musical de mediados de los 60´s al casarse con Xavier Cugat y trabajar con su banda durante tres años.
Fue en los circuitos de cabarets en donde ella aprendió como comunicarse con la audiencia y como transformar su poco conocimiento del idioma inglés en un encantador acento.
Ella ronroneaba y estrangulaba las palabras dandole a todo un doble sentido no solamente en los discos sino también en televisión en “El Crucero del Amor” y en el cine en “Concorde – Aeropuerto ´79”. Dado que hasta el momento ninguno de los temas de Salsoul había logrado realmente una gran cifra de ventas, el sello vió en Charo el perfecto vehículo de promoción perpetua.
El primer álbum de Charo se tituló “Cuchi Cuchi”, e incluía temas tan dispares como “Let´s Spend the Night Together” y “Speedy Gonzalez” junto con temas pensados por Montana para las pistas de baile como el dulce e ingenuo “Dance a little bit closer” Como veremos no es muy buena bailando, pero... a quien le importa?
Charo grabaría un solo album mas en Salsoul Records, los temas de este segundo album incluirían “Tema del Crucero del Amor”, “Stay With Me” y, dado que era una talentosa guitarrista clásica, una version de 10 minutos del “Concierto de Aranjuez” de Rodrigo. Charo interpretando “Bolero” de Ravel
Salsoul decidió explorar otros caminos en busca del ansiado éxito en los charts. En 1975 Tom Moulton había remixado el éxito europeo “El Bimbo” por Bimbo Jet.... ...Continuará
Para el asombro "La doncella" fue presentada en sociedad en el MAAM y allí estará durante, por lo menos, treinta días. Salteños y visitantes pueden admirar a uno de los tres cuerpos momificados, hallados en 1999 a más de 6.700 metros.
Allí está, como durmiendo. Tanto que los espectadores sienten la necesidad de quedarse un rato más contemplándola, a la espera de que "La doncella" comience a hablar.El asombro dibuja diferentes gestos en los rostros de los hombres y mujeres que se acercan al vidrio para mirar lo más cerca posible lo que parece una fotografía o una pintura magistral más que un cuerpo de más de 500 años de existencia, todavía con sangre en las venas y alimentos en sus entrañas.Lo que se presenta a los ojos, sencillamente emociona.
Impresiona, y mucho. Paraliza casi. Y las sensaciones se mezclan y alternan sucesivamente entre "La doncella" con apariencia de una jovencita de nuestros tiempos, sentada, dormida, y aquella niña que fue ofrendada por sus mayores a los dioses.Está sentada, con piernas y manos cruzadas y la cabeza agachada. El cabello trenzado prácticamente le cubre la cara. Su cuerpo está cubierto con una especie de túnica de color marrón con un cinto tejido en la cintura y en los pies tiene un calzado con base de cuero, tejido en la parte superior.
En ese recinto el murmullo se mezcla con la ambientación de un fondo musical de instrumentos de viento que acompañan a un relato en quechua, todo en casi penumbra, con apenas algo más de 15 grados de temperatura.Y como complemento del cuerpo momificado, en ese reducido lugar también se exponen en vitrinas separadas la mayoría de los elementos que formaron el ajuar de los niños elegidos para el ritual inca: vasijas, juguetes, tejidos, collares, adornos...En el mismo ámbito, hay una pantalla que monitorea en forma permanente el sistema de criopreservación.
"La doncella" está colocada sobre un círculo, a 18 grados bajo cero, en un recinto de entre un metro y medio y dos metros cuadrados, y en la base de una cámara de criopreservación que llega a tener 30 grados bajo cero.
Según lo previsto, estará allí unos tres meses, para luego dar paso a la presentación de alguno de los otros dos cuerpos hallados a 6.700 metros de altura.
En la web
La presentación mundial de los Niños del Llullaillaco también es ofrecida al mundo a través de una visita guiada virtual por el Museo de Arqueología de Alta Montaña (MAAM), disponible desde su sitio web, http://www.maam.org.ar/. Desde cualquier computadora conectada a Internet se puede ingresar al museo para hacer un recorrido digital por sus instalaciones y piezas de colección donde se presentan imágenes exclusivas de los tres niños inca y de su respectivo ajuar.
Además, en el sitio puede consultarse información adicional sobre la cultura andina, la expedición arqueológica al volcán Llullaillaco y videos sobre el descubrimiento.
El desarrollo técnico es soportado por Telecom, que además donará 20 audioguías con tecnología MP3 disponibles en 5 idiomas para enriquecer la experiencia de los visitantes extranjeros.
La noticia
Era marzo de 1999 cuando una noticia conmovió al mundo de la arqueología y de las ciencias en general: un equipo de investigadores encabezado por Johan Reinhard, con la participación de argentinos y peruanos, encontraron en la cima del volcán salteño Llullaillaco, tres cuerpos intactos, conservados por el frío durante más de cinco siglos.Fue un acontecimiento sin precedentes. Un hito en la arqueología de alta montaña y un orgullo para esta provincia que lo supo capitalizar para las generaciones futuras. Este hallazgo cultural abrió una nueva etapa y con ella la decisión de dar curso a la creación del Museo de Arqueología de Alta Montaña, inaugurado en noviembre de 2004.Hoy, para los turistas, el MAAM es un museo más. Para los habitantes de la región andina, es un santuario.
La repercusión en el mundo
En pocas horas, la presentación de "La Doncella" en el MAAM tuvo repercusión en todo el mundo. Momentos antes de la apertura de la muestra diferentes medios ya reflejaban en sus sitios de Internet este acontecimiento único para la arqueología internacional.La prensa europea resaltó el valor de los Niños del Llullaillaco como "las momias mejor conservadas del mundo".
La noticia es comentada en las ediciones impresas y digitales de diarios de todo el viejo continente. Medios latinoamericanos de Colombia, Perú, Bolivia, Uruguay y Brasil comentan la importancia de la cultura Inca en la América precolombina. "La Doncella", "El Niño" y la "Niña del Rayo" fueron elegidos para el sacrificio por su perfección física, condición política y alto estatus social dentro del incanato.
Las opiniones
Margarita Lecuona: "Nunca me imaginé encontrarme con algo así. Es una cosa de locos, no se puede creer en nivel de tecnología que hay acá. Tengo la suerte de haber viajado bastante y puedo asegurar que este museo está entre los mejores del mundo, sin dudas".
Gloria Cabanillas: "Estoy asombrada, falta que en cualquier momento esa niña se despierte y hable. Este museo es una maravilla y un orgullo para Salta. Es increíble el estado en el que está ese cuerpo y toda la tecnología puesta al servicio de su conservación".
Carolyn (Londres): "Viajamos desde Bolivia y hoy (por ayer) nos encontramos con la novedad de esta presentación en el museo y vinimos a ver de qué se trataba. Realmente, increíble los detalles, el estado de conservación del cuerpo, el cabello, las ropas".
Andrew (Londres): "Es la primera vez que venimos aquí, estamos maravillados por la arquitectura y los edificios históricos. Apenas nos enteramos de este descubrimiento quisimos verlo y nos maravillamos apenas entramos. No se puede creer.
Sitio arqueológico Las momias estaban a 6.715 m, en una plataforma ceremonial de 10 x 6 m ubicada en un promontorio muy visible de la cumbre, afianzada por muros de contención. En la plataforma se hallaron tres tumbas cavadas en la roca madre que resguardaban los cadáveres, enterrados entre 1,5 y 2 m de profundidad. Se considera a estas ruinas el sitio arqueológico más alto del mundo. El complejo arqueológico comprende un enterratorio en la base del volcán (a 4.900 m de altitud), saqueado en el pasado por buscadores de tesoros; un tambo a 5.200 m, algunas de cuyas construcciones conservan paredes de hasta 22 dm de altura y las vigas del techo en posición original, que se supone servía como "campamento base" para la ascensión a la cima; y otras conjuntos menores de ruinas sobre las laderas de la montaña a 5.700, 6.300 y 6.550 m. Según Ceruti, "uno de los cuerpos, que pertenecía a un niño de siete años se encontraba sentado sobre una túnica o uncu plegado, y presentaba distintos elementos del ajuar acompañante, tales como sandalias o ushutas, bolsitas de piel de animal conteniendo cabello del niño, un saquillo tejido o chuspa, engarzado con plumas blancas, estatuillas masculinas de valva de spondylus y un aríbalo de cerámica".
La víctima enterrada en la tumba norte era una joven mujer de quince años, que llevaba un tocado de plumas blancas. Estaba acompañada de un uncu o túnica tejida, de objetos de cerámica de formas y estilos típicos incaicos - aríbalo, vasija con pie, jarrito, platos ornitomorfos – y de elementos textiles tales como chuspas, fajas arrolladas y una pequeña vincha. Presentaba keros de madera en miniatura, un peine de espinas y trozos de carne seca o charqui.
De su tumba se recuperaron asimismo estatuillas femeninas de oro, plata y valva de spondylus. En la tercer tumba se descubrió el cuerpo de una niña de seis años, dañado por la descarga de un rayo. La niña se encontraba rodeada de varios elementos de cerámica en miniatura, de típico estilo incaico. Llevaba consigo bolsas o chuspas; mocasines de cuero y sandalias, vasos o keros, y un conjunto de estatuillas femeninas alineadas." Las ofrendas halladas en el volcán Llullaillaco El fardo más pequeño pertenece a la niña más joven, cuyo cadáver se encuentra perfectamente conservado e incluso se puede observar los ojos semiabiertos, además de su cabello negro con una mascapaycha (una chapa de oro oxidada de más de 10 cm que parece un hongo). Está envuelta en una cobertura de mantas de lana de distintos tonos de marrón, elaborada en lana de alpaca, en la cual existen algunos rastros de quemaduras como consecuencia posible de la caída de un rayo. Las otras dos reliquias pertenecen a una niña de quince años y a un niño de entre siete u ocho. Estos cuerpos fueron encontrados con 36 estatuillas de oro, plata y valva spondylus, mantos, tejidos con decoración geométrica de vivos colores, penachos de plumas, chuspas (bolsitas tejidas) con comidas de charqui, habas y hojas de coca. Además, se encontró un aríbalo (vasija de muy fina cerámica), sandalias de cuero con tirantes de lana, una vincha, una suerte de cuerda de lana cumpi, una figura de llama y una cuchara de madera. También había collares de conchas marinas (spondylus), que provenían del océano Pacífico y significan el dominio de las aguas. Recorrido de los niños sacrificados en el Llullaillaco Apoyándose en las crónicas de los conquistadores españoles y los datos que han recopilado en la observación de los cuerpos y las vestimentas y objetos que portaban los tres incas sacrificados, los investigadores creen que salieron del Perú, e hicieron un recorrido de un año de duración hasta llegar al lugar donde murieron. Un grupo de sacerdotes los acompañaron, como parece demostrar los restos de enterramientos al pie del volcán. Un investigador médico que analizó los cuerpos, el argentino Facundo Arias, señaló que es muy probable que los tres fueran “emborrachados con chicha”, una bebida a base de maíz fermentado, y que, adormecidos, se murieron congelados, “ya que no se han encontrado en sus cuerpos signos de violencia". Al parecer, los dos niños más jóvenes eran de familias nobles y fueron marcados desde su nacimiento para ser sacrificados, como muestra el hecho de que sus cráneos fueran deformados con distintas técnicas y por los brazaletes y ropajes que llevaban al morir. La adolescente no parece ser de origen noble y se especula que acompañó a los más pequeños, como una especie de niñera. Las investigaciones basadas en el análisis de ADN, han determinado que no existía parentesco entre los tres. Los tres niños se encuentran en perfecto estado de conservación. El médico Arias manifiesta que: “…los cuerpos están conservados naturalmente y tienen los órganos intactos, incluido el cerebro”.
Los Brand New Heavies comenzaron en los 80´s como un grupo instrumental llamado Brother International.
Ya como los Brand New Heavies ganaron una cantidad de seguidores fieles en la escena de los clubes londinenses.
La banda grabaría su disco debut en el sello Acid Jazz en 1990 con Ella Ruth como primera voz.
Un single "Got To Give" apareció bajo el sello Cooltempo antes de que firmaran con Acid Jazz y publicaran "Brand New Heavies" el que logró el reconocimiento de la crítica.
La banda firmó para una división de Chrysalis Records en Inglaterra y la distribución Norteamericana quedo en manos de el influyende sello "Delicious Vinyl", y N´Dea Davenport, quien había firmado contrato con el mismo sello, se unió al grupo.
Se lanzó una nueva versión del primer álbum con la voz de N´Dea y los temas "Dream Come True" y "Never Stop" se convirtieron en éxitos a ambos lados del Atlánico.
Una aparición del grupo con McSerch (ex 3rd Bass) y Q-Tip (de A Tribe Called Quest) en la ciudad de Nueva York, inspiró al grupo a incorporar elementos de hip hop. Su siguiente álbum fue el aclamado "Heavy Rhyme Experience Vol. 1", que no tiene voces femeninas.
Brother Sister (1994) fue el ultimo álbum con N´Dea Davenport, quien encaró una carrera como solista que había pospuesto al unirse a los Heavies.
Siedah Garrett se unió al grupo para el siguiente album "Shelter" (1997).
Posteriormente publicaron un Greatest Hits: "Trunk Funk" (2000) con la voz de Carleen Anderson en las nuevas versiones de algunos temas, seguido por una edición únicamente japonesa "We Won´t Stop" en el 2003, presentando a la cantante británica Nicole Russo en primera voz.
En Abril de 2006 los Heavies volvieron a reunirse con N´Dea Davenport y su ex sello Delicious Vinyl. Publicaron un nuevo álbum "Get Used to It" en 27 de junio de ese año por intrmedio de Starbucks y otros puntos de venta mas tradicionales. El álbum fue grabado en Nueva York y Londres, y el primer corte "I Don´t Know Why(I Love You)" fue publicado a principios de mayo.
El single fue notable por ser una de las pocas grabaciones de esta época en tener la marca "A Tom Moulton Mix" (ver la Historia de la Musica Disco) dado que el legrndario pionero del disco fue invitado a contribuir con algunas mezclas.
Mas tarde ese año la canción "Jump N'move" fue incluida en la banda de sonido de la película "Happy Feet", y el juego de computadora "NBA Live 2005".
Miembros de la banda:
Jan Kincaid (batería y teclados) 1985 hasta el presente
Simon Bartholomew (Guitarra) 1985 hasta el presente
Andrew Levy (bajo, teclados) 1985 hasta el presente
Lascelles Gordon (percusion, guitara) album debut (1991)
Jim Wellman (saxo tenor, saxo soprano, teclados) album debut (1991)
N´Dea Davenport (voz) 1990-1995, 2005 - presente
Siedah Garett (voz) 1997
Carleen Anderson (voz)
Nicole Russo (voz) 2004
Sy Smith (voz)
R&B, Soul, Funk, Jazz, una base rítmica muy marcada y excelentes voces femeninas conforman el único sonido de los Brand New Heavies.
25 años después de la primera Reference, la empresa suiza Goldmund presentó la Reference II, una bandeja de la cual se fabricará una cantidad limitada de 25 unidades, y que posee un grado de refinamiento y de nuevas características nunca antes vistas.
Hace muchos años tuve por primera vez noticias de un submundo totalmente desconocido para mí. Siempre fuí un entusiasta del audio, pero jamás imaginé que el equipamiento podía llegar al estado de arte que se refleja, por ejemplo, en este producto.
Algunas especificaciones técnicas de un aparato cuya única función es la de hacer girar un disco de vinilo a la velocidad correcta, sin altibajos, y cuyo precio no me atrevo a adivinar:
*Mesa de extrema rigidez e inercia (250 Kg) con una altura de 1 metro para una manipulacion mas cómoda.
*Plato de 20 Kilos dinámicamente balanceado con un error de concentricidad y calibración inferior a 1/100 de milímetro
Plato de 5 capas (3 de metacrilato y dos de bronce) con 12 insertos de plomo.
Motor con el mas bajo ruido mecánico y eléctrico, blindado pro 15 kilos de cobre.
Correa rectificada por nitrogeno líquido, al igual que la Reference original, captura de la velocidad por medio de decodificador optico.
Controles al toque integrados en la mesa para las velocidades de 33 / 45 / 78.
3 soportes opcionales para brazos a cada 120 grados.
Nuevo brazo Goldmund T8 especialmente diseñado con un peso total de 7 Kgs.
Cada bandeja es instalada por personal de Goldmund, con calibracion completa incluida.
Edicion limitada de 25 unidades vendidas solamente por suscripcion con una produccion máxima de 5 unidades por año.
Este extraño aparato no es ni mas ni menos que un tocadiscos.
Anunciado alguna vez por la empresa británica Yamamura Churchill, este diseño minimalista virtualmente sin plato debe ser llamado tocadiscos y no bandeja dado que iba a ser originalmente vendido junto con un brazo y cápsula, todo bajo el nombre de "Requiem".
Fue toda una sorpresa su anuncio dado que todos los diseños anteriores de Yamamura resultaron en pesados platos sustentados por amortiguadores de aire, tecnica y estéticamente lo opuesto al Requiem.
Existe alguna controversia sobre si este modelo entró alguna vez en producción, dado que la imagen que acompaña es de un prototipo, sin embargo al menos 2 comercios norteamericanos dicen estar en condiciones de proveer la Requiem a pedido especial sin el brazo.
El nombre viene de que, a pesar de que las investigaciones estaban dedicadas a nuevos circuitos digitales, el diseñador Bé Yamamura aún quería crear una combinación de bandeja, brazo y cápsula que demostrara hasta donde se puede llegar con un equipamiento análogo, en otras palabras: "la última bandeja".
Yamamura Churchill fue una compañía británica que fabricaba los diseños de Bé Yamamura, estos incluían amplificadores, cd players, bandejas y parlantes.
Arqueología: Desvelado el misterio de la máquina de Antikitera
Un equipo internacional ha desentrañado los secretos de una "computadora" de 2.000 años de antigüedad que podría transformar nuestra percepción del mundo antiguo. Mike Edmunds y Tony Freeth, de la Universidad de Cardiff, dirigieron el equipo que cree haber desentrañado finalmente el funcionamiento del Mecanismo de Antikitera (Antiquitera), una calculadora astronómica, semejante a un reloj, datada en el siglo II aC.
Los restos de una caja rota de madera y bronce albergando más de 30 engranajes, fueron encontrados hace casi cien años por buzos que exploraban un naufragio frente a la isla de Antikitera. Los científicos han estado intentando reconstruirlo desde entonces.
La nueva investigación sugiere que es mucho más sofisticado de lo que cualquiera había supuesto previamente. El trabajo detallado realizado sobre los engranajes muestra que el mecanismo era capaz de seguir los movimientos astronómicos con notable precisión. La calculadora pudo reproducir los movimientos de la Luna y del Sol a través del Zodíaco, predecir eclipses, e incluso, recrear la órbita irregular de la luna. El equipo cree que también pudo haber predicho las posiciones de algunos planetas o incluso de todos los conocidos en la época.
Los resultados sugieren que la tecnología griega fue mucho más avanzada que lo estimado previamente. No se conoce ninguna otra civilización que haya creado algo tan complicado durante al menos los siguientes mil años. El profesor Edmunds recalca la fascinación que la máquina ha ejercido sobre los científicos modernos. "Este dispositivo simplemente es extraordinario. Es algo único en su género. El diseño es estupendo, sus cálculos astronómicos son de una precisión admirable. La manera en que fue diseñada la mecánica nos deja atónitos. Quienquiera que haya hecho esto, lo hizo sumamente bien".
El equipo estuvo integrado por investigadores de la Universidad de Cardiff, el Museo Arqueológico Nacional de Atenas y las Universidades de Atenas y Tesalónica. El mecanismo consta de unas 80 piezas y se encuentra guardado en condiciones controladas con extremo cuidado en Atenas, no pudiendo ser tocado. Recrear su funcionamiento fue un proceso difícil, e involucró a astrónomos, matemáticos, expertos en computación, analistas de escritura y expertos en conservación. Los investigadores esperan ahora crear un modelo por ordenador del funcionamiento de la máquina, y con el tiempo, desarrollar una réplica funcional. Todavía no está claro para qué utilizaban el mecanismo los antiguos griegos, o cuán extendida estaba esa tecnología. "Surge la pregunta inevitable de qué más estarían haciendo en esa época. Por lo que se refiere a su valor histórico y a su carácter único, yo tengo que considerar este mecanismo como más valioso que la Mona Lisa", declara Edmunds. Stephen RouseGran Bretaña
La Máquina de Antikitera Año 80 A.C? Una galera naufraga en el mar Egeo, frente a la isla de Antikitera, entre el abrupto bosque de peñascos que emergen allí. En su interior hay estatuas de mármol y bronce; ánforas y jarrones; piezas de oro y plata? El tesoro no sería recuperado hasta el año 1900. Ni entonces ni ahora pudo calcularse el valor arqueológico de los restos. Es sencillamente ilimitado. Pero entre tanto legado clásico, entre tanto tesoro de la antigüedad, en suma, entre tantas piezas riquísimas, un pequeño objeto que apenas destacaba entonces es hoy el más importante de todos ellos.
Nadie quiso prestarle atención?¡Era insignificante! Y es que, al fin y al cabo, no parecía más que una piedra calcárea en medie de preciadas joyas. Pero aquella simple piedra se ha convertido en uno de los fetiches más valorados del Museo Arqueológico de Atenas. Bajo la vitrina que lo exhibe, podemos leer una sugerente leyenda: ?la máquina de Antikitera?. Y, claro, hablar de máquinas de hace dos mil años es, en teoría, una osadía sin sentido, pero este caso, como va a comprobar el lector, es especial. Hasta 1955 nadie quiso darse cuenta de que la pieza podía albergar un secreto que había esquivado el paso de diecinueve siglos sumergidos en aguas del Mediterráneo. El responsable de ofrecernos la verdadera dimensión del enigma fue un arqueólogo llamado Dereck de Solla Price. Limpió el objeto, le extrajo las impurezas atrapadas por la agresiva acción del mar en el seno del Egeo y, sin siquiera imaginarlo, se econtró con lo que hoy es, sin ningún género de dudas, el mecanismo de relojería y astronómico más complejo de la antigüedad. La máquina apenas tiene una longitud de unos pocos cms., aunque sus detalles están trabajados como si el antiquísimo relojero hubiera dispuesto de una lupa de mil aumentos(y que se sepa, la lupa no se había inventado). Cuenta con una rueda dentada principal de 240 dientes, y otras cuarenta que como un rompecabezas engarzan entre sí. Todo el conjunto está unido sobre nueve escalas móviles y tres ejes. Y lo más inquietante, sorprendente y enigmático: la máquina ha sido troquelada sobre una única placa de bronce de dos milímetros de espesor. Los expertos han concluido que el artilugio es un reloj mecánico, astronómicamente perfecto y extraordinariamente preciso. Que no se obvie el siguiente dato: hasta el siglo XX no ha podido obtenerse una máquina similar, pero alguien, en tiempos de Jesús, ya había desarrollado una tecnología lo suficientemente avanzada como para lograrlo.
La conocida publicación científica Scientific American lo dijo en su momento: "Este hallazgo nos obliga a revisar nuestros conocimientos sobre la historia de la ciencia." "Los desplazamientos del Sol y la Luna; los de Venus y los de Marte; las horas del día y la noche; las fases lunares; el comienzo de las estaciones" Todo esto, y mucho más, ofrecía esta sorprendente máquina gracias a su mecanismo. A muchos científicos les cuesta aceptar que en aquellos tiempos hubiera hombres capaces de calcular todos estos movimientos. Sin embargo, el enigma de Antikitera les deja en evidencia. Por ello, aún no se han enfrentado en condiciones al reto que plantea. Este artefacto está calificado por los expertos como un OOPART, acrónimo anglosajón que significa "Objeto fuera de su tiempo". De este modo se denominan aquellos restos arqueológicos que, por la tecnología empleada en confeccionarlos o por los conocimientos que de ellos se derivan, no encajan con la fecha en la que han sido datados.
La máquina de Antikitera es un ejemplo perfecto que viene a quebrar una "verdad" impuesta: hace dos mil años no existía la tecnología para confeccionarlo y aún no se habían alcanzado los conocimientos astronómicos que se derivan de su perfección a la hora de calcular movimientos de astros. Pero la historia - y menos la que se impone a golpe de "verdad científica"- no siempre sabe de lógica. Algunos de los contenidos fueron obtenidos de distintas páginas donde estaban a libre disposición
Akio Morita, el legendario fundador de Sony, fue un empresario de sabiduría oriental: "No tema equivocarse. Pero no cometa el mismo error dos veces"
Nacido en 1921 en la ciudad japonesa de Nagoya en el hogar de un fabricante de sake, la inagotable creatividad de Akio Morita le tenía reservado un pedestal destacado entre los hombres de negocios del siglo XX.
Entre los edificios derruidos del Japón de posguerra, en 1946, este ex oficial de marina fundó con un amigo la Tokio Telecommunications Engineering (rebautizada como Sony en 1960) con un capital de apenas 190.000 yenes.
En los sesenta años por venir, su empresa sería una impresionante máquina de innovar.
En 1957, lanzó la primera radio de bolsillo.
Tres años más tarde, el primer televisor a transistores del mundo.
En los setenta y ochenta, mantuvo su liderazgo en la creación de bienes electrónicos de consumo.
De los centros de investigación de Sony salieron el Walkman, el compact-disc (desarrollado en sociedad con Philips) y el televisor Trinitron.
Bajo el liderazgo de Morita, la empresa se expandió geográficamente a los cuatro rincones de la tierra, siendo la primera firma electrónica japonesa en instalar una fábrica en los Estados Unidos.
Más adelante, también diversificó sus actividades hacia la industria discográfica con la creación de Sony Music y el cine, con la compra de Columbia Pictures en 1989.
Akio Morita falleció en 1999. ¿Su legado? Una de las marcas más prestigiosas del mundo en la fabricación de artículos electrónicos. Nada mal para un muchacho que había empezado a los 25 años con apenas 190.000 yenes en un país en ruinas.Pero el impulso innovador de Sony no murió con su fundador.
Hoy, la compañía es una jugadora importante en la mayoría de los mercados de bienes de consumo tecnológico. De sus fábricas salen cámaras digitales, televisores, consolas de video juegos, computadoras portátiles y de escritorio, reproductores de mp3 y DVD... La lista es interminable.
En los primeros años del siglo XXI, de la mano de ingeniosas campañas publicitarias, nuevas marcas de Sony se posicionan en lo más alto de los mercados globales. La línea de computadoras Vaio, los televisores Bravia y la célebre PlayStation 2 son algunos de los nuevos íconos de una empresa que se ha convertido en sinónimo de tecnología.
Si hablamos de películas con temas como la segunda guerra mundial ,generalmente sentimos que mucho ya se ha dicho , que mucho se ha visto y que poco nuevo queda por mostrar mas que el horror, que a esta altura de las circunstancias nadie duda.
*dirección: Mark Rothemund.
*protagonistas: Petra Kelling, y André Hennicke.
* “SOPHIE SCHOLL, los últimos días”, cuenta la historia (verídica) de una joven estudiante en la Munich ocupada por los nazis, quien junto a su hermano y un grupo de jóvenes estudiantes conforma la agrupación “la rosa Blanca”, con el objetivo de concientizar a otros estudiantes y a la sociedad acerca de la importancia de la libertad , de un país sin el régimen de Hitler, siendo todos libres pensadores y viviendo en democracia.
Lamentablemente es atrapada durante la distribución de unos panfletos con ese mensaje de libertad.
Una vez detenida mostrará entereza, convicción , fortaleza y no claudicará ante ninguna presión.
Una muestra brillante de idealismo, de defensa de sus conviciones y de sus pares, cueste lo que cueste.
Ella sabe claramente a lo se enfrenta y aún así no se rinde.
La máquina de Antikitera es un ejemplo perfecto que viene a quebrar una "verdad" impuesta: hace dos mil años no existía la tecnología para confeccionarlo y aún no se habían alcanzado los conocimientos astronómicos que se derivan de su perfección a la hora de calcular movimientos de astros. Pero la historia - y menos la que se impone a golpe de "verdad científica"- no siempre sabe de lógica.
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