El Sonido de Philadelpia, Parte 3

Harold Melvin y Kenny Gamble se habían conocido desde mediados de los 60, cuando Los Romeos y Los Blue Notes grababan para el sello Arctic Records, Gamble "estaba realmente muy conectado con los Blue Notes" decía Leon Huff.

Bernard Wilson coincidía en que Melvin y Gamble se llevaban muy bien, Melvin siempre estaba conectado con buenos grupos, de modo que era seguro que tarde o temprano era algo natural que los dos se unieran en algún proyecto.

El primer paso en ese sentido ocurrió en un club en Camden, New Jersey, cuando Gamble apareció una tarde para ver a su amigo de tanto tiempo. Gamble sabía que Melvin "estaba constantemente tratando de encontrar una primera voz" y tan pronto como escuchó a Teddy Pendergrass cantar, se dió cuenta que el líder de los Blue Notes había encontrado finalmente a su hombre. Y Gamble había encontrado a sus Dells.

(Según Bobby Eli, todas las sesiones grabadas para el primer LP de Philadelphia International de los Blue Notes, estaban originalmente pensadas para los Dells)

Harold Melvin estaba en el mismo hotel en Puerto Rico donde descubrió a Teddy Pendergrass cuando Gamble lo llamó y le dijo que "había hecho un trato con CBS y necesitaba que Melvin estuviera ahí lo mas pronto posible". Cuando la gira de los Blue Notes terminó un par de semanas mas tarde, Melvin voló a Philadelphia, se sentó con Gamble, "y decidieron que lo que ibamos a hacer y comencé a trabajar" recuerda. Teddy Pendergrass recordaba a Melvin diciéndole al grupo: "Lo hicimos!, Tenemos un contrato!". Fué algún tiempo después que el entonces eufórico Pendergrass descubrió los preocupantes detalles de aquél trato.

Mientras que los Blue Notes se preparaban para hacer sus primeras grabaciones para Gamble y Huff, el grupo pensaba "podemos hacerlo" con Pendergrass (según Lawrence Brown) "con esa primera voz y con Kenny y Leon dándonos la libertad de poder expresarnos libremente".

Sólo 7 temas aparecieron en el album "Harold Melvin & The Blue Notes". El tema de mas de 8 minutos "I Miss You", con Lloyd Parkes aportando el falsetto de Philadelphia y Harold Melvin en el monólogo de la canción, la que fue publicada como single en dos partes, una de cada lado, en Marzo de 1972.
El tema, arreglado por Thom Bell permaneció en el Ránking de R&B de Billboard por casi 4 meses, llegando al puesto número 7 aquél verano.
Hacía mas de un año que a un single de Philadelphia International (You're the Reason Why por The Ebonys) no le iba tan bien. Pero los blue Notes (y Columbia Records) flirteando con los compradores blancos, habían esperado una mejor respuesta a "I Miss You" (la canción llegó solamente al puesto 58 en el Hot 100 de Billboard)

Sin embargo, Columbia, y especialmente Clive Davis, permanecieron atónitos. Previo a la publicación del segundo single de los Blue Notes, Davis puso un aviso en la revista Billboard:
"La próxima semana, el mundo entero estará cantando 'If You Don't Know Me By Now'".

Y justo como Davis había predicho, el último single del grupo (esta balada arreglada esta vez por Bobby Martin), presentando a Teddy implorando sobre el falsetto deLloyd Parkes, capturó de igual manera al público blanco tanto como al negro.
"If You Don't Know Me By Now" permaneció 4 meses en los ránkings de Billboard, alcanzando el primer puesto en la categoría R&B (música negra) y el número 3 en el Hot 100 (música blanca).
La canción fue certificada Disco de Oro y recibió una nominación al Grammy por Mejor Performance de un Grupo de R&B.

La masiva popularidad de la canción, también disparó las ventas del álbum de los Blue Notes y provocó que Columbia Records se sintiera con mas confianza respecto a su contrato con Philadelphia International.

El Sonido de Philadelphia Parte 2

A finales de los 60, ocurrieron dos eventos cruciales que finalmente pusieron a Harold Melvin y los blue Notes en el camino del éxito.

Primero, John Atkins y su falsetto abandonaron el grupo, y Harold Melvin se puso al frente del mismo temporariamente, pero el molesto Melvin, quien comandaba con puño de hierro, conocía sus propias limitaciones. Su fuerte era manejar y guiar al grupo, no estar al frente de él. Esto llevó al segundo evento crucial: La búsqueda de una nueva primera voz.

En 1970, después de una gira por Puerto Rico, el dueño del club quería que los Blue Notes extendieran su set. Harold no estaba precisamente ansioso de forzar su ya cansada voz, pero aceptó.

Por su cuenta, Melvin entonces preguntó a los músicos que acompañaban al grupo en la parte instrumental si "querían tocar un par de canciones mas. Allí fue cuando escuché cantar a Teddy por primera vez". "Teddy", por supuesto era Theodore Pendergrass, el baterista de 20 años del combo.

Melvin quedó shockeado cuando escuchó la ronca, pero aún poderosa voz de barítono, la cual tenía un gran parecido a la voz del líder de los Dells, Marvin Jr.

Si Melvin reconoció la similaridad entre las dos voces o no, no se sabe. Pero, según Melvin "Yo sabía que tenía algo valioso".

Melvin no perdió tiempo en traer a su baterista al frente del grupo. A pesar de la tierna edad de Pendergrass, el músico nacido en Philadelphia no era un principiante. Había trabajado como baterista durante un tiempo con los legendarios James Brown Review y también con los Epsilons, un grupo de Philadelphia.

Después que Lloyd Parkes fuera agregado como el quinto miembro del grupo, Harold Melvin y los Blue Notes estaban preparados para una inimaginable seguidilla de éxitos en los ránkings que eclipsaría incluso sus mejores performances en vivo. Sin embargo, una problema quedaba sin resolveer para Harold Melvin: Su grupo no tenía sello discográfico.

Continuará...

El Sonido de Philadelphia Parte 1

Lo  que esta comúnmente aceptado como el real nacimiento de Philadelphia International Records ocurrió a fines de 1971, con la contratación de dos grupos que le proveerían, a la hasta entonces empresa sin rumbo de Gamble y Huff, a sus dos primeras y legítimas estrellas.

Sus éxitos mas grandes hasta ese entonces, habían llegado de la mano de veteranos artistas en búsqueda de un revival de sus carreras. A decir verdad, estos nuevos artistas también llenaban ese molde.

Uno de los grupos, los O'Jays, incluso ya habían grabado en el fracasado sello de Gamble y Huff Neptuno. El otro grupo, Harold Melvin & The Blue Notes, era un grupo de salón, cuyos miembros hacía rato habían dejado de lado su fracasada experiencia en los estudios de grabación, para enfocarse en sus altamente exitosas presentaciones en vivo.

En resumen, los O'Jays y los Blue Notes sumaban 30 años de experiencia en estudios de grabación en al menos 20 sellos diferentes, y cero presencia en el Top 40. No era sorprendente, entonces, que la contratación por parte de Philadelphia International de estos dos grupos, no causara el mas mínimo comentario en la industria discográfica de la época.

Harold Melvin y los Blue Notes estaban entonces en el medio de una carrera que, en 15 años, había sufrido una miríada de cambios en su formación y un solo éxito menor. Los Blue Notes eran "hombres mayores" en la época en que firmaron con Gamble y Huff (según comentarios de Bobby Martin). Bueno, quizás no tan viejos, pero sin embargo, no particularmente codiciados por su nuevo sello discográfico.

Gamble y Huff realmente ambicionaban contratar a los Dells, un venerable grupo de R&B de Chicago. "Gambs siempre amó a los Dells" dijo Thom Bell. "El los tuvo aquí, en Philadelphia, en su oficina, para tratar de convencerlos". Pero Gamble no pudo convencer a los Dells de cambiar de discográfica. De modo que decidió crear a sus propios Dells, y contrató a Harold Melvin y los Blue Notes para Philadelphia International.

Los Blue Notes originalmente eran un cuarteto, formado en el norte de Philadelphia, en 1954. Dos años mas tarde, el grupo agregó a Harold Melvin, de 16 años, un pianista autodidacta que había estado cantando por la ciudad con su propio grupo. Como quinteto, los Blue Notes ganaron una serie de competencias de talentos amateur en el Teatro Apollo de Nueva York, y también hicieron sus primeras grabaciones. Pero su compañía estaba dedicada a promover los entonces populares  Cadillacs, y las grabaciones de los Blue Notes quedaron en el archivo. Cuando el grupo se desbandó en 1958, Harold Melvin se acercó a Bernard Wilson y Lawrence Brown, quienes a la sazon formaban parte de un grupo llamado The Chord Steppers. "¿Quieren formar parte de los Notes?" preguntó Melvin. "Porque no? dijeron Wilson y Brown. Luego el trio agregaría a John Atkins como la primera voz.

A comienzos de 1960, con Harold Melvin al timón, los Blue Notes se las arreglaban para ganarse la vida a duras penas, tocando en pequeños clubes por 10 dólares la noche. "No era fácil, pero nos arreglábamos", recordaba Laurence Brown. "Nos iba bien, a pesar de no tener un disco en los rankings". Mas tarde ese año, los Notes incorporaron el falsetto de John Atkins con una melodia de Johann Strauss y respaldado por un arreglo de cuerdas de los primeros tiempos de Philadelphia. La balada, llamada "My Hero", se convirtió en el primer éxito del grupo.

Para el resto de los 60s, los Blue Notes, atrapados entre el estilo ya en retirada de las clásicas armonias del R&B y el ascendente sonido soul, grabaron con limitado suceso para una cantidad de sellos. Para sobrevivir, el grupo se refugió en las actuaciones en clubes. Para incrementar sus magras ganancias, se reinventaron a si mismos como un "grupo blanco", dijo Bernard Wilson.

Harold Melvin agregó algunas canciones de Broadway al repertorio y comenzaron a vestir tuxedos (frac) mientras otros miembros del grupo se alternaban en la primera voz.

Ellos eran buenos en eso también. Bernard Wilson recordó como los Blue Notes "hacían los clubes top del país, Las Vegas, Copacabana y del mundo.

Cerca de fines de los 60, ocurrieron dos hechos cruciales que finalmente pusieron a Harold Melvin y los Blue Notes en el carril rápido.

Continuará...

Hemos recuperado nuestra cuenta de TuneIn radio, ya estamos trasmitiendo

Hola, esto es para informarles que nos pueden escuchar en Android bajando la aplicación Simphony en el Google Play Store. Es gratis.
También estamos en iTunes en la sección Internet Radios, en la categoría R&B/Soul.
Estamos muy contentos en poder ofrecerles el contenido en estas plataformas portables que permitirán escucharnos en cualquier lugar, incluso el auto.
Muchas Gracias.

El Éxtasis, la Pasión y el Dolor

Los 70 produjeron excelentes grupos, y entre ellos está Ecstasy, Passion and Pain, un grupo de vida relativamente corta, con un solo LP publicado y un puñado de singles.

Con esta limitada obra, su impacto iba a ser sentido aún en las décadas posteriores.

Formado en 1973 en Nueva York, su formación osciló entre 5 y 7 miembros, aunque estaba totalmente dominada por Barbara Roy (Barbara Gaskins).

Los otros miembros incluían a Althea “Cookie” Smith, cuya rara característica era que era la baterista del grupo, mientras que el resto de la percusión estaba a cargo de Carl Jordan, mas tarde reemplazado por Alan Tizer.

Joseph Williams Jr. Tocaba el bajo y Jimmy Clark era co-guitarrista (junto con Barbara Roy).

Es importante destacar que el grupo también tenía el respaldo musical del grupo soporte de Philadelphia International Recpords “MFSB”, así como los coros de las “Sweethearts of Sigma” Barbara Ingram, Evette Benton y Carla Benson.

Barbara Roy, la líder y primera voz del grupo había nacido en Kingston, Carolina del Norte, y comenzó su carrera como integrante del dúo Barbara & Brenda, siendo Brenda (Gaskings) su sobrina.

Juntas grabaron 3 singles para el sello Heidi:

Hurting Inside

Special Kind of Love

Y One More Chance

Antes de tener la guía de Luther Dixon y moverse a un sello subsidiario de Heidi: Dynamo. Tres nuevos singles fueron publicados por Dynamo:

If I'm Hurt You'll Feel The Pain

"Never Love A Robin

Don't Wait Up For Me, Mama

Una posterior grabación: That´s Enough, permaneció inédita hasta su aparición en una compilación de 1997 llamada Kent´s Magic Touch.

Ante la carencia de éxito, Brenda decidió abandonar el negocio. Siendo de carácter mas perseverante, Barbara comenzó nuevamente como guitarrista para Inez y Charlie Foxx (“Mockingbird”) y en varias sesiones de grabación en Nueva York, esperando una nueva oportunidad.

En 1973, Ecstasy, Passion and Pain estaba formado, y poco tiempo después a través del manager Phil Braxton, el grupo tenía un contrato.

Cerrando trato con Roulette Records, EP&P hizo 28 grabaciones, que incluían demos y masters terminados. Diez cortes conformaron su primer y único álbum, algunos fueron publicados únicamente como singles y 13 tuvieron que esperar 25 años para ser publicados.

Una cadena de éxitos comenzó con el primer corte: “I Wouldn´t Give You Up” de fines de 1973, que llegó al nro .17 en los rankings de R&B.

Luego siguió “Goods Things Don´t Last Forever” (nro.14 R&B, 93 POP).

El siguiente “Ask Me”, considerado un clásico, llegó al 19 R&B y 52 en el ránking POP. Un comentario al margen: la canción era un clásico underground, a tal punto que la leyenda del disco Carol Jiani, cortó una versión en 1982 que arrasó en la escena disco y se convirtió en un éxito mundial.

“One Beautiful Day” siguió la cadena de éxitos, nro. 14 R&B y 48 en el POP.

El siguiente corte de 1975, fue “There´s So Much Love All Around”

Gracias al trabajo del legendario dj Tom Moulton, “Touch and Go” se convirtióen su tema emblema y un clásico de todos los tiempos. El tan buscado single de 12 pulgadas es la única publicación de Roulette que fue cortado como en ese formato.

Dos mas cortes fueron publicados en 1977: “Passion” y “Dance the Night Away”, los cuales fallaron en tener el éxito de “Touch and Go”.

A fines de 1977, justo cuando el disco estaba entrando en su era dorada, EP&P se separó.

Durante 1977 a 1981, Barbara continuó con trabajos como sesionista y formó su propio sello, Roy B. Records.

Nuevo sitio web

Hola, tenemos nueva página web totalmente renovada y apta para ser vista en celulares y tamblets, en donde se puede escuchar la radio en línea: http://www.simphonytandil.com
En breve iremos agregando información sobre nuestras actividades.

Dos meses

Hace dos meses (exactamente el 1 de junio a las 20.00 horas) que reabrimos la radio, con transmisión de aire y también con stream por internet.
No sabemos muy bien porqué hicimos esto, posiblemente por lo que yo llamo "síndrome de abstinencia" y que nos llevó primero a conectar solamente la señal de internet y luego abrir la señal de aire también.
En realidad la situación que nos llevó a cerrarla en su momento no ha cambiado, tenemos la enorme dificultad de seducir al anunciante de Tandil para que paute en nuestra programación.
No tenemos armada una estructura de márketing, confiamos en que el oyente de tandil que tiene un negocio o empresa, por iniciativa propia se contacte para anunciar.
Muchas veces la gente no sabe cuan importante es la publicidad para una radio, al ser un servicio gratuito, no cae en la cuenta de que sin la publicidad una radio no puede sostenerse.
Esperamos que la situación mejore, caso contrario nos veremos en la necesidad de cerrarla, esta vez definitivamente.

Reapertura

Estimados amigos, les comunicamos que el 1 de junio reabriremos la radio. Para escuchar la señal por internet deberán visitar nuestra página web, en donde encontrarán el reproductor y varios links para escuchar la radio con Winamp, Real Player, Quicktime, etc.

Agradecemos su paciencia y esperamos disfruten de nuestra programación.

La música vuelve a la radio...

Amigos de Tandil... falta poco...

Reapertura

A partir de Mayo retomamos la transmisión de la radio vía internet y también la transmisión por aire en nuestra querida ciudad de Tandil.

Para estar al tanto inmediato de las novedades y también de la información del link para escucharnos, pueden encontrarnos en Facebook .

Invitamos a los que quieran acompañar este proyecto a pautar en nuestra señal, que llegará a todos los rincones del mundo.

Gracias a todos y disculpas por la espera.

Hay algunos rumores...

Quizás la música vuelva al aire de Tandil. Hay que estar atentos.

El sueño terminó

Hace varios días que Simphony no está en el aire, tampoco está en Internet.

Decidimos no seguir por no haber logrado en todos estos años el objetivo que nos habíamos propuesto, que mas o menos es el de todo medio de comunicación: ganar de a poco en audiencia, aumentar nuestra cartera de anunciantes, y poder generar nuevos contenidos.

El proyecto apuntaba a hacer la radio que a nosotros nos hubiera gustado escuchar, estamos convencidos que la calidad musical y técnica de las radios tanto nacionales como extranjeras, ha ido en franca caída desde hace varios años hasta nuestros días.

Esto no se debe a la falta de material grabado: Simphony ha demostrado que sin caer en la corriente general de ofrecer música del montón, orientada a la masa, se puede hacer una radio en donde incluso el Jazz o el House se pueden incluir sin quedar fuera de lugar.

Los que nos han escuchado durante todos estos años han conocido o redescubierto lo mejor de lo clásico, lo más nuevo, lo mas raro, temas en inglés, italiano, francés, alemán, e incluso japonés; han escuchado intérpretes argentinos cantando en inglés, aún desconocidos en nuestro medio, todo ello seleccionado hasta el detalle, brindando una programación del más alto nivel. Nuestra programación cubrió 5 décadas en la historia de la música del mundo.

Lamentablemente, la falta de sponsors que auspicien nuestro proyecto nos obliga a bajar nuestra señal.

Queremos aprovechar para agradecer a los anunciantes que nos acompañaron incondicionalmente durante estos años: Cinemacenter, La Protegida, entre otros son los que mas tiempo estuvieron; quiero que sepan que sin ellos nada hubiera sido posible.

A los que nos acompañaron fielmente y preguntan todos los días, gracias por su apoyo. Sepan ustedes que han escuchado una radio que podría rivalizar con las mejores del mundo en su calidad técnica y musical, sepan también que en nuestro mail están los testimonios de oyentes de Estados Unidos, Brasil, España, Inglaterra, Francia y muchos otros países que han elogiado nuestra programación.

Alguien alguna vez nos dijo que estábamos adelantados 5 años en el concepto radial de nuestra propuesta, no sabemos si es tan así, lo único que sabemos es que, como a ustedes fieles oyentes, nos ha quedado un gran vacío en nuestras vidas.

Saludos y Gracias. Los vamos a extrañar...

Gustavo y Antonio
Simphony Tandil FM 100.3

Para Edgardo

Hace unos días que la radio no está transmitiendo por aire:

Si bien la transmisión siguió saliendo para el mundo por Internet, todos nuestros "supuestos" oyentes fieles (y privilegiados) de Tandil estuvieron mas de un fin de semana sin "el alma de la música", sin aviso previo.

Pensábamos que los teléfonos no iban a dejar de sonar, que la casilla de mail se llenaría de mensajes de consulta y preocupación sobre la ausencia de "la selección mas exclusiva de música contemporánea".... y sin embrgo no fue así. Al día de hoy, únicamente un comentario dejado en este blog fue la respuesta ante nuestra ausencia:

Anónimo dijo...
Hola, hace varios días que no puedo sintonizar Simphony; en ese lapso de tiempo he comprobado 2 cosas :a) la excelencia musical de vuestra emisora b)la mala-tirando a pésima- calidad de las restantes.Espero volver a escucharlos a la brevedad.Saludos cordiales. Edgardo
10 de noviembre de 2009 09:19

El mensaje pueden verlo como comentario bajo la etiqueta "Quienes Somos".

Edgardo: Te agradecemos infinitamente tu comentario, nos hace sentir un poco mejor ante la apatía e indiferencia que ha demostrado una ciudad de mas de 120.000 habitantes como Tandil ante nuestra propuesta radial. Parece que les diera lo mismo si estamos o si no estamos.

Los comentarios elogiosos los recibimos de gente que viene del exterior de visita o de oyentes de otros países, a Tandil parece que no le interesa. Y esto se nota en la cantidad de publicidades que tenemos: casi nada.

Te agradecemos infinitamente tu consulta.

No sé si nuestra música es de excelencia, tampoco sé si las demás radios son malas, últimamente estoy en la idea de que no hay música mala o buena, simplemente hay música que nos gusta o no nos gusta, lo que sí sostengo es que cuanto mas amplio sea nuestro horizonte musical, mejor preparados estamos para elegir.

Hoy en AM Continental pasaron el tema "Lucky Man" por Emerson Lake & Palmer, a propósito del cumpleaños de uno de sus integrantes, creo que de Gregg Lake. Es un tema que no escuchaba hace años, una obra maestra, y pensé que hasta podría estar entre los destacados de la semana... Hay mucha gente joven que no tiene la mas remota idea de esa música.
Sin embargo, cuando veo la respuesta de la gente a nuestra señal, realmente pienso si vale la pena, si se lo merecen.

Tu mensaje Edgardo nos vino bien, aunque sinceramente hubieramos querido tener 5 o 10 o 20 consultas como la tuya.

Es bueno saber que ahora somos uno mas. No sé si alcanza, pero ayuda.

"Little W. 12th St.": Lo nuevo de GoGo Music

Ralf Gum & Monique Bingham juntos otra vez!!!

Ralf Gum y Monique Bingham son los responsables del mayor hit de la música soulful house de 2008 con el tema "Kissing Strangers".

Y su nuevo trabajo: "Little W. 12th St." los reúne nuevamente bajo el sello GoGo Music.

Monique Bingham ha grabado algunos de los mas hermosos y memorables temas en la historia de la música dance. Sus primeros trabajos como "Get Another Plan" o "We Had a Thing" con Abstract Truth afirmaron su importancia como cantante y compositora.


Ralf Gum es un destacado DJ alemán que viaja constantemente dando presentaciones en todo el mundo. A pesar de esto siempre se hace un lugar para sus personales producciones de estudio.

Esta vez nos presenta este espectacular tema con la voz de Monique Bingham y remixes y dubs adicionales de Benny Pecoraio y DJ Spina.

Nicola Conte - Rituals

Hay una nueva escena del Jazz que viene desde hace varios años, fusión con Bossa, Ritmos Latinos, algunos ritmos que algunos los califican de "Lounge", y que han llegado hasta mí por intermedio de compilaciones de ese estilo.
Nicola Conte es uno de esos exponentes, infaltable en esos discos de lounge o chill out, ha ido de menor a mayor, y hoy nos ofrece su tercer trabajo llamado Rituals.

Conte se ha ganado el reconocimiento internacional por su fusión de bossa nova, ritmos latinos, música de películas italianas y jazz.
El álbum ha recibido muy buenas críticas internacionales que confirman el talento de este artista e instrumentista nacido en Bari.
Ritulas es indudablemente el mejor trabajo de Conte a la fecha, con un conjunto de talentosos músicos invitados, como el saxofonista Greg Osby y Timo Lassy, el trompetista Till Bronner y el vocalista Jose James.
Prestémosle un poco el oído a esta maravilla:

Youtube y los videos prohibidos

Es una verdadera lástima, en un principio pensé este blog como una pequeña enciclopedia de la música y lo relacionado con ella, siempre dentro de mi limitado horizonte y lo poco de mis conocimientos.

La idea de Youtube, o sea el poner video en línea, debo confesarlo, me pareció una reverenda estupidez, cosa que ahora confirma mi malísima aptitud para los negocios.
Al pasar el tiempo, y al encontrar videos realmente históricos para un fanático de la música como yo, me dí cuenta de lo equivocado que estaba.

Un día, una vez creado este blog, me pareció buena la idea de acompañar los textos con las imágenes relacionadas tomadas de Youtube.
Tengamos en cuenta que mucha de la música previa a la era MTV era conocida solamente por el audio, no había videoclips, y menos en estas sudacas regiones en donde "alguien" seguramente muy entendido en la materia decidió que lo que está en inglés no vale la pena ser conocido por los atrasados y brutos indígenas de estas comarcas. Lo único que vale son los espejos, cuanto mas colores, mejor.
Volviendo al tema que nos ocupa, la idea de acompañar las historias y las propias experiencias que se relatan en este blog con videos ad-hoc, me pareció de una importancia trascendental: Hablar de el Billy Jean de Michael Jackson sin mostrar el video con el baile me pareció algo tan imprescindible como mostrar el baile sin contar la historia detrás del momento en que ese baile se produjo y las consecuencias posteriores a ello. De igual manera, si hablo de Erin Bode y no puedo mostrar como es su voz... en realidad no sé a quien se le ocurre hablar de música en un lugar hecha para textos...

Todo iba bien, la hitoria de la música disco era un documental del History Channel en blog, hasta que un día algo cambió.
Algo salió mal.

Alguien decidió que algunas cosas, algunos de esos videos con imagen bastante mala, con peor audio, que podrían haber servido para despertar la curiosidad de algún lector para comprar la música o seguir investigando sobre la vida de tal o cual artista, eran de su propiedad y que no dejaría que el resto de la gente los viera o escuchara: el "Copyright", y otras basuras que parece que abarcara mucho más de lo que debe.

El resultado es que tengo un montón de posts en donde el link a los videos está roto, o lo que es peor aún, aparece un cartel que me hace sentir poco más que un delincuente al haber intentado aprovecharme de ellos para quizá que oscuros intereses económicos. No vaya a ser que con la inmensa fortuna que estoy amasando gracias a postear estos videítos en mi blog, llege a pretender comprar la Emi o la Sony Music!!!

Lamentable, a las personas que se han acercado a estas páginas, y que no han podido ver los videos, les pido disculpas, no fue mi intención.
A los supuestos dueños de una grabación casera, copiada de un vhs de dudosa calidad, subida para ser compartida con otros, solamente les digo que no esta la filosofía que mueve y moverá a la Internet. Lo único que están haciéndo es negando la difusión de la música por la que antiguamente las discográficas PAGABAN para que sea difundida.

Creo que están equivocados, la música como toda expresión artística requiere del público para ser conocida, evaluada y consumida, sin este segundo componente, su valor es cero. Quedará en los estantes, llenandose de tierra hasta desaparecer por completo.

La música que quieren vender ustedes, las discográficas, ya sea aquí en Argentina o en USA, no me interesa, si leen este blog se darán cuenta que es cierto lo que digo, con su política de inventar artistas han logrado que deje de tomar al Billboard como referencia, dado que es solamente comercio y estrellitas de temporada. No tengo nada contra ello, pero que prohíban mostrar música de hace 20 o 30 años me parece bastante bajo. ¿O acaso tiene miedo de las comparaciones?

De nuevo, a los visitantes a este blog, les pido disculpas. La intención fue buena, dejaré las pantallas con los mensajes a modo de protesta. Y de ahora en más pondré los widgets de Amazon.com para que aunque sea el lector pueda, en un blog de música, poder evaluar a un artista mas allá de mis palabras.

Vanessa Williams - The Real Thing

Vanessa Lynn Williams ha tenido una carrera muy particular: Fué elegida Miss Nueva York y posteriormente Miss America 1984, convirtiéndose en la primera mujer negra en ganar el certamen.
Su corona le duró poco tiempo pues al posar desnuda para la revista "Penthouse" (previo a ser elegida Miss América) tuvo que renunciar a su título.
Posteriormente incursionó en el cine, en donde uno de sus trabajos posiblemente mas conocidos para nosotros fue su coprotagónico en "Eraser" junto con Arnold Schwarzenegger.
Su último trabajo a la fecha fue en "Hannah Montana - La Película" en donde interpreta a Vita al lado de Miley Cirus.

Pero el motivo que me mueve a escribir este post no es el cine, sino la música. Vanessa Williams ha tenido una extensa carrera musical, en la cual ha mostrado un estilo que no se ha dejado influir demasiado por las modas, jugando entre el soul refinado, y el pop. Sin caer en excesos buscando un lugar en los ránkings.

Su último trabajo a la fecha se llama "The Real Thing" (2009)
Aquí nos encontramos con una mezcla de suaves ritmos, casi todos con una base latina, un par con un estilo a clásico de jazz vocal que tan de moda está entre los cantantes veteranos de esta época.
El resultado general es un álbum muy interesante, la madura voz de Vanessa no ha dejado de perder su dulzura, y los temas elegidos le hacen un excelente honor.
Williams "canta", sin gritos, sin bases retumbantes, con un sonido muy bien logrado en mi opinión, y la selección de canciones es excelente.
Música suave, limpia, con momentos de gran intimidad, completan un disco que quizás a la primera escucha no nos impresione demasiado, anuque con el tiempo, se convertirá en uno de nuestros favoritos.

Escuchen los temas mas abajo y cuentenme su opinión.





Discografía de Vanessa Williams:
Main Releases

Love Songs
2005
Everlasting Love
2005
Silver & Gold
2004
Silver And Gold
2004
20th Century Masters: The Millennium Collection
2003
Best of Vanessa Williams: 20th Century Masters/The Christmas Collection
2003
Christmas Collection: 20th Century Masters
2003
Greatest Hits: The First Ten Years
1998
Next
1997
Star Bright
1996
Pocahontas
1995
The Sweetest Days
1994
Work to Do
1992
The Comfort Zone
1991
The Right Stuff
1988

Singles
2009
Where Do We Go from Here
1996
You Can't Run
1995
Colors of the Wind
1995
Sweetest Days [Single #2]
1995
The Way That You Love
1995
Sweetest Days [Single #3]
1994
Sweetest Days [Single #4]
1994
Save the Best for Last [CD Single]
1992

Compilations
Don't Quit Music: '80s Flashback Dance Fitness (Exercise, Fitness, Workout, Aerobics, Running, Walking, Weight Lifting, Cardio)
2009
The Alaskan Project: Together We Stand
2008
A Very Special Christmas Playlist Plus
2008
The Best Of Vanessa Williams Volume 2: The Christmas Collection
2007
Love Songs #1's
2007
'90s Soul Number 1's
2007
Gold - '80s Soul
2006
40 Years: A Charlie Brown Christmas
2005
Into the Woods
2005
Megachurch Gospel
2004
Casey Kasem Presents: All Time Christmas Favorites
2004
The Incredible Christmas Album
2003
La Magia de Disney y Sus Super Estrellas
2003
Best of Soul 80s
2003
The Picture of Romance
2003
Christmas All Over The World
2002
Disney's Superstar Hits
2002
Body and Soul: Christmas
2001
Pure American Soul, Vol. 3: 80's
2001
Body and Soul: Smooth Jams
2001
A Love Affair: The Music of Ivan Lins
2000
Love Songs 2: Expressions of Love
2000
A Woman's Voice: The Definitive Collection
2000
Isn't She Great
2000
Heart Of Soul
2000
A Very Special Christmas Live: From Washington DC
1999
Silent Night Soulful Night
1999
The Adventures of Elmo in Grouchland
1999
Smooth Sounds [Razor & Tie]
1999
Ladies Of Soul
1999
Celebrate The Season: 1998 T.J...
1998
Pavarotti & Friends For The Children Of Liberia
1998
110% Love Jams
1998
Soul Classics: Best of the 90's
1998
Dance With Me
1998
The Only Broadway CD You'll Ever Need
1998
Disney's Greatest Pop Hits: A Decade of Radio Singles
1998
People
1995
People - A Musical Celebration Of Diversity
1995
Soul Classics: Quiet Storm -- The 80's
1995
World of Dance: The 80's
1995
The Mask: Music From the Motion Picture
1994
The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert
1994
A Very Special Christmas 2
1992
Christmas Message
1990

Guest
From There To Here Brian McKnight
2002
Our Favorite Things Tony Bennett
2001
This Is The Moment Donny Osmond
2001
Timeline: The Anthology, Part 1 Bobby Caldwell
1998
Bye Bye Birdie Charles Strouse
1995
The Revival Tony! Toni! Tone!
1990

La música disco versus la música disco

Si yo les digo "Chic", "Kool and the Gang", "Bee Gees", ustedes dirán automáticamente "Música Disco".
Si en cambio escucharan: "Le Pamplemousse", "El Coco", "John Davis", "Vince Montana", "France Joli", en ese caso seguramente dudarían si se trata de algún bar de París, alguna bebida caribeña, algún capomafia, o quizás qué.
Han habido impresionantes grupos de música disco nacidos en los 60´y los 70´s, que misteriosamente han caído en el más increíble de los olvidos.
Sin dudas Chic es el grupo que llevó a la música Disco a nuevos niveles, de la mano de Nile Rodgers, sentó nuevos estándares, el talentoso guitarrista además produjo éxitos para Madonna, Diana Ross, Sister Sledge, y otros en los que se nota su toque y sus inconfundibles acordes de guitarra rítmica de base.
Los Bee Gees, junto con otros cantantes pop se subieron al tren del disco para no perderse el negocio, y lo hicieron muy bien, una de las cosas que debo destacar de los Bee Gees es su capacidad para mutar en el momento preciso para no quedar detrás de la ola.
Pero quien me puede decir algo de grupos como Ripple, Alec Constandinos, Paul Jabara, Celi Bee and the Buzzy Bunch, o Gregg Diamond y sus distintas formaciones. Fueron verdaderos talentos que quedaron en la historia como apenas una referencia y sin embargo al escucharlos hoy suenan tan vigentes como hace 30 años.
Hace unos días, uno de los Dj mas importantes de los 70 en Argentina fue invitado a un programa de radio en una AM de buenos aires, por supuesto a hablar de la música que pasaba en aquella época, y realmente me sentí desilusionado al escuchar los temas que había elegido: Los Hollies, Eurythmics, y un montón de lugares comunes que hasta mi abuela conocía.
Había esperado que este próceres de las bandejas hubiese mostrado algo fuera de lo común, algo que no fuera materia repetida de las radios de clásicos, por ejemplo, y para que lo busquen, "Shine On Silver Moon por Marilyn CcCoo y Billy Davis Jr.", un festival de arreglos que los dejarán con la boca abierta durante los mas de 6 minutos que dura.
Bueno, es demasiado pedir, pero alguna otra cosa que no sea mas de lo mismo.

12 de octubre de 1969: Paul McCartney está muerto. Actualizado con link a podcast

"Paul está muerto" es una leyenda urbana que asegura que Paul McCartney, cantante y compositor de la legendaria banda The Beatles murió físicamente en 1966, y que fue reemplazado por un doble muy parecido a él físicamente (e incluso con la misma voz) llamado William Campbell . Oficialmente, McCartney se encuentra vivo hasta la fecha.

La evidencia de la falsa muerte de Paul consiste en "indicios" hallados entre muchas de las grabaciones de The Beatles muchas de las cuales han sido interpretadas como si hubiesen sido deliberadamente colocadas por ellos mismos o por otros, de tal suerte que fuesen un tipo de acertijo o rompecabezas para ser resuelto por el público mismo. Esto se ha visto reforzado con afirmaciones de personas que alegan que al escuchar ciertas canciones (a través de un tornamesas para discos de acetato) girando en sentido contrario se encuentran mensajes ocultos. Aunado a esto muchos han analizado los diseños gráficos de las portadas originales de todos sus discos para complementar el desciframiento de esta leyenda.

Antecedentes
Los rumores alrededor de McCartney comenzaron el 12 de octubre de 1969, cuando un radioescucha anónimo telefoneó a Russ Gibb , DJ local, de la radiodifusora WKNR-FM en Dearborn Michigan, identificandose así mismo como "Tom" (presuntamente Tom Zarski de la Universidad del Este de Michigan). La llamada era para anunciar que Paul McCartney estaba muerto, asimismo, Tom le sugirió a Gibb el reproducir la canción "Revolution 9" pero al contario, al hacerlo se escuchaba la frase "Turn me on, dead man" (revíveme, hombre muerto).

Fred Labour, un estudiante de Universidad de Michigan, publicó una revisión realizada al álbum Abbey Road llamada "McCartney está muerto; Nueva evidencia traída a Luz", detallando varios "indicios" sobre la supuesta muerte, a través de la interpretación de la portada y contraportada.

El 14 de octubre, de 1969 un número del Michigan Daily abordó el asunto. Terry Knight un DJ de Detroit y entonces cantante para la Capitol Records, había visitado a los Beatles en Londres hacia agosto de 1968 durante las sesiones de grabación del Album Blanco, mientras Ringo salía, ahí Knight expuso su tema titulado "Saint Paul" como una referencia a la inminente separación del grupo, difundida por radio en otoño de 1969, fue percibida como un tributo al "desaparecido" Paul McCartney. Gibb también produjo (al lado de John Small y Dan Carlisle) el "Complot Beatle", un show con una hora de duración acerca del rumor. El programa se transmitió en la WKNR-FM a finales de 1969 y ha sido retransmitido al paso de los años en la radio de Detroit.

El rumor cobró fuerza cuando Ruby Yonge, un Disc Jockey de la emisión nocturna de "Los 40 principales" un programa de la WABC ESTA ubicada en Nueva York se atrevió a discutirlo al aire el 21 de octubre de 1969. Yonge fue despedido inmediatamente,y su emisión suspendida. La WABC, con sus 50,000 vatios de potencia de transmisión podía ser escuchada claramente en 38 estados de la Unión Americana, y a través de la Costa Atlántica de África. Muy pronto los medios nacionales e internacionales retomaron la historia y la "nueva manía Beatle" surgió. El rumor finalmente se transformo en una teoría conspirativa por completo. La recopilación completa de la historia y el origen del rumor ha sido efectuada por el periodista Andru J. Reeve quien la estructuró y la presentó en su libro titulado "Turn Me On, Dead Man" (ISBN 1-4184-8294-3).

La historia de la supuesta muerte
La versión más común de la historia es que el miércoles 9 de noviembre de 1966 a las 5 am, McCartney se encontraba trabajando en el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, después de una tempestuosa discusión con los otros 3 Beatles, Paul salió y abordó su auto un Austin-Healey corriendolo a alta velocidad. "El no se percató de que las luces -del semáforo- habían cambiado" ("A Day in the Life") al estar ocupado en admirar a la chica bonita de la acera ("Lovely Rita") luego de perderla por poco vestida en azul (ella es la que aparece en la contraportada del disco Abbey Road) caminando ("Blue Jay Way"). Entonces él se estrelló contra un poste de luz (el sonido de un accidente es escuchado en "Revolution 9"). Fue declarado muerto un "Miércoles por la mañana, a las 5 en punto cuando empieza el día" (Wednesday morning at 5 o'clock as the day begins - "She's Leaving Home"), y nadie se enteró de esto porque las noticias fueron omitidas: "Los periódicos del miércoles por la mañana no han venido" (Wednesday morning papers didn't come - "Lady Madonna"). Una procesión fúnebre fue realizada días después (como se ve en la portada de Abbey Road).

No hay evidencia de algún accidente en el cual se haya envuelto Paul McCartney, aunque durante la primera semana de enero de 1967, el Mini Cooper de McCartney fue destrozado por un amigo en el M1 Motorway a las afueras de Londres. McCartney tuvo un accidente de moto el 26 de Diciembre de 1965, en el cual resultó con una cicatriz en su labio que puede verse en los videos promocionales del single "Paperback Writer"/"Rain", hechos poco después del accidente, en Mayo de 1966. De acuerdo a McCartney, su deseo de esconder la cicatriz en su labio fue el que le llevó a dejarse crecer un bigote; más o menos en el mismo tiempo que los otros tres Beatles se dejaron crecer los bigotes a la vez para Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.

De acuerdo a los partidarios de este rumor, McCartney fue reemplazado por el ganador de un concurso de dobles de Paul McCartney.

El nombre de este doble ha sido anotado como William Shears Campbell, Billy Shears (el nombre del líder ficticio de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band), William Sheppard (basado en la inspiración para la canción "The Continuing Story of Bungalow Bill"), o alguna combinación de los nombres.

Algunos estudiantes de la guitarra de bajo han afirmado que hay una marcada diferencia entre el estilo y la calidad de Paul en el bajo entre los primeros álbumes de los Beatles y los últimos. Esto puede estar vinculado a un cambio en ambos estilos (influenciado por las melódicas líneas de bajo de Brian Wilson) y las técnicas de grabación; antes de 1966 él, a menudo, grababa su bajo en vivo, pero alrededor de ese año empezó a grabar las partes de bajo separadamente con técnicas de grabación de inyección directa, dándole una gran habilidad para formar líneas de bajo melódicas. Adicionalmente, de acuerdo a la entrevista de 1988 a McCartney en la revista Musician Magazine, el cambio en su manera de tocar el bajo coincidió con un cambio en los instrumentos. En 1966, Rickenbacker presentó a Paul con un bajo para zurdos 4001 (ellos habían originalmente intentado venderle uno en 1964), el cual comenzó a usar más en el tiempo de Revolver.

Referencias por los Beatles

• Lennon bromeó sobre el rumor en los años siguientes a su incremento inicial y, en sus años en solitario, se referió a ello en su vengativa canción a McCartney titulada "How Do You Sleep?" (¿Cómo puedes dormir?) del álbum Imagine de 1971, comentando, "Those freaks was right when they said you was dead" (Esos payasos tenían razón cuando dijeron que habías muerto).



• McCartney parodió el rumor con su álbum en vivo de 1993 y tour, Paul Is Live, la portada es una réplica de la de Abbey Road con la placa "LMW 281F" cambiada a "51 IS", Siendo 51 la edad de McCartney en el lanzamiento del álbum. Además, aparece con sus zapatos puestos y agarrando, por una correa en su mano izquierda, uno de los cachorros que su perra ovejera Martha diera a luz.

• Durante la película Magical Mystery Tour, Vivian Stanshall de la banda Bonzo Dog Band presenta una canción titulada "Death Cab for Cutie" (Recorrido de Muerte para el Guapo), una satírica canción acerca de un fatal accidente de automóvil. McCartney fue conocido como-e incluso descrito por él mismo en una entrevista como-"el guapo".


• Cuando Paul McCartney interpretó en un sketch en el programa de televisión Saturday Night Live en 1993, el personaje de Chris Farley le dice a McCartney: "Recuerdas cuando estuviste en los Beatles y supuestamente estabas muerto, y hubo todas esas pistas y todo eso como que si tocas una canción al revés dice 'Paul está muerto, Paul está muerto'... Eso fue un engaño, ¿cierto?" McCartney replicó, "Si. Realmente no estaba muerto."
  

Internet

Con la llegada del Internet, los rumores de que "Paul está Muerto" encontraron nueva vida. Varios sitios web han afirmado que la evidencia fotográfica prueba que el McCartney antes y después de finales de 1966 no puede ser el mismo hombre. Algunas de estas nuevas teorías indican que McCartney fie asesinado por el Ku Klux Klan, los Illuminati, o incluso los otros Beatles.

Sátiras y otras referencias

• La entrega de Junio de 1970 de Batman de los DC Comics, escrito por Frank Robbins, parodió el rumor con una historia titulada "Muerto... Hasta Comprobarlo Vivo" en el cual se rumoreaba que "Saul" de la banda los Oliver Twists falleció y fue reemplazado con un doble. Además, la portada del álbum que Robin sostiene en la portada del comic (donde se haya el título del capítulo) parece ser la misma de la contraportada del álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.


• The Rutles, una parodia de The Beatles, incluyeron un par de parodias de "Paul está muerto".


• La serie de televisión Los Simpson ha incluido muchas referencias a ello.


• John Safran's Music Jamboree contiene un segmento acerca de la conspiración, seguido de una fingida conspiración de George Harrison-está-muerto, luego de la muerte de Harrison en el 2001.
• En la película Sintonía de amor, el personaje de Tom Hanks, Sam Baldwin, viene a casa para encontrar a su hijo, Jonah, escuchando un álbum y declarando "Papá, esto es increíble. Si lo tocas al revés dice 'Paul está muerto.'"
  En una edición de 1987 del American Top 40, el presentador Casey Kasem revisitó la era de "Paul Está Muerto" como una historia relacionada de la canción de Bananarama "I Heard a Rumour". Al año siguiente, Dick Clark presentó una historia similar en Rock, Roll and Remember. Su interpretación de la canción "Strawberry Fields Forever" en la cual John Lennon supuestamente dice "I buried Paul" (Yo enterré a Paul) al final de la canción (una vez que comienza a tocarse al revés) dejando a esta versión lanzada en ciertas compilaciones de los Beatles. (Lennon dijo en su entrevista a Playboy en 1980 que él actualmente decía "cranberry sauce").
• Una de las más claras grabaciones, aparte de las de I Am the Walrus escuchada a revés o Revolution 9, es la que se escucha al final de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise) , en la cual se escucha: "Paul is Dead; really, really dead... Paul is dead and you can't xxx with the mustache"; en español,"Paul está muerto, realmente, realmente muerto...Paul está muerto y tú xxx con el bigotudo"; y aquí no es necesario escucharla al revés, sólo poner atención.Bigotudo, para muchos hace referencia a Billy Shears.

La última grabación en estudios del grupo contiene en su tapa supuestas pistas que alimentaban la leyenda urbana de que "Paul está muerto" muy de moda en la época estas pistas son:
La patente del auto estacionado es "LMV 281F", supuestamente referida a el hecho de que Mc Cartney tendría 28 años si estuviera vivo. "LMW" significaba en inglés las iniciales de "Linda McCartney Llora".
Los cuatro Beatles representaban: el sacerdote (John vestido de blanco), el empleado de pompas fúnebres (Ringo vestido de negro), el cadaver (Paul, vestido pero descalzo), y el enterrador (George, en jeans y camisa de trabajo).

Este artículo está tomado de Wikipedia, y vino al caso porque hoy, 4 de Octubre, el LP Abbey Road llegó, en el año 1969, al numero uno del ránking británico y su tapa, como hemos leído, alimentó el mito de la muerte de Paul.

Personalmente es el album de ellos que mas me gusta, y el lado 2 del mismo, formado por una serie de canciones y pedazos de canciones enganchadas, me parece realmente una obra de arte.

Los Beatles en sí mismos son una leyenda, y me gustaría que dejen de compararlos con otros grupos contemporáneos porque no tienen comparación. Lo que ellos han dejado en la historia de la música no podrá igualarse. Dejen de molestar con los Rolling Stones, su único mérito es haber permanecido juntos pero en todos estos años hicieron siempre lo mismo, sin evolución.

Nota añadida el 01-08-09: Un excelente podcast en capítulos que vale la pena escuchar: http://alterna.podomatic.com/