El Éxtasis, la Pasión y el Dolor

Los 70 produjeron excelentes grupos, y entre ellos está Ecstasy, Passion and Pain, un grupo de vida relativamente corta, con un solo LP publicado y un puñado de singles.

Con esta limitada obra, su impacto iba a ser sentido aún en las décadas posteriores.

Formado en 1973 en Nueva York, su formación osciló entre 5 y 7 miembros, aunque estaba totalmente dominada por Barbara Roy (Barbara Gaskins).

Los otros miembros incluían a Althea “Cookie” Smith, cuya rara característica era que era la baterista del grupo, mientras que el resto de la percusión estaba a cargo de Carl Jordan, mas tarde reemplazado por Alan Tizer.

Joseph Williams Jr. Tocaba el bajo y Jimmy Clark era co-guitarrista (junto con Barbara Roy).

Es importante destacar que el grupo también tenía el respaldo musical del grupo soporte de Philadelphia International Recpords “MFSB”, así como los coros de las “Sweethearts of Sigma” Barbara Ingram, Evette Benton y Carla Benson.

Barbara Roy, la líder y primera voz del grupo había nacido en Kingston, Carolina del Norte, y comenzó su carrera como integrante del dúo Barbara & Brenda, siendo Brenda (Gaskings) su sobrina.

Juntas grabaron 3 singles para el sello Heidi:

Hurting Inside

Special Kind of Love

Y One More Chance

Antes de tener la guía de Luther Dixon y moverse a un sello subsidiario de Heidi: Dynamo. Tres nuevos singles fueron publicados por Dynamo:

If I'm Hurt You'll Feel The Pain

"Never Love A Robin

Don't Wait Up For Me, Mama

Una posterior grabación: That´s Enough, permaneció inédita hasta su aparición en una compilación de 1997 llamada Kent´s Magic Touch.

Ante la carencia de éxito, Brenda decidió abandonar el negocio. Siendo de carácter mas perseverante, Barbara comenzó nuevamente como guitarrista para Inez y Charlie Foxx (“Mockingbird”) y en varias sesiones de grabación en Nueva York, esperando una nueva oportunidad.

En 1973, Ecstasy, Passion and Pain estaba formado, y poco tiempo después a través del manager Phil Braxton, el grupo tenía un contrato.

Cerrando trato con Roulette Records, EP&P hizo 28 grabaciones, que incluían demos y masters terminados. Diez cortes conformaron su primer y único álbum, algunos fueron publicados únicamente como singles y 13 tuvieron que esperar 25 años para ser publicados.

Una cadena de éxitos comenzó con el primer corte: “I Wouldn´t Give You Up” de fines de 1973, que llegó al nro .17 en los rankings de R&B.

Luego siguió “Goods Things Don´t Last Forever” (nro.14 R&B, 93 POP).

El siguiente “Ask Me”, considerado un clásico, llegó al 19 R&B y 52 en el ránking POP. Un comentario al margen: la canción era un clásico underground, a tal punto que la leyenda del disco Carol Jiani, cortó una versión en 1982 que arrasó en la escena disco y se convirtió en un éxito mundial.

“One Beautiful Day” siguió la cadena de éxitos, nro. 14 R&B y 48 en el POP.

El siguiente corte de 1975, fue “There´s So Much Love All Around”

Gracias al trabajo del legendario dj Tom Moulton, “Touch and Go” se convirtióen su tema emblema y un clásico de todos los tiempos. El tan buscado single de 12 pulgadas es la única publicación de Roulette que fue cortado como en ese formato.

Dos mas cortes fueron publicados en 1977: “Passion” y “Dance the Night Away”, los cuales fallaron en tener el éxito de “Touch and Go”.

A fines de 1977, justo cuando el disco estaba entrando en su era dorada, EP&P se separó.

Durante 1977 a 1981, Barbara continuó con trabajos como sesionista y formó su propio sello, Roy B. Records.

Billy Paul

Paul Williams nació el 1 de diciembre de 1934 en Philadelphia, Pennsylvania.

Le tomó a Billy Paul 20 años de grabaciones el tener un single de éxito, pero cuando finalmente lo logró, se convirtió en esa clase de obra maestra que resiste el paso del tiempo por otros 20 años y más.

La clásica oda a la infidelidad "La Señora Jones y Yo", grabado en 1972, se disparó al puesto número uno en los ránkings de música pop y R&B, convirtiéndose en la balada multimillonaria en ventas que se perpetuaría cantada por vocalistas y raperos.
Paul, quien asistía a la Academia Musical de Philadelphia cuando niño, ya cantabas en la radio a los 12 años. Comenzó su carrera en el mundo discográfico el el sello Jubilee y trabajó tanto como cantante solista y con su propio trío.
Nunca pudo repetir el tremendo éxito de "Me and Mrs Jones" pero disfrutó una serie de hits durante los 70´s con el Top 10 "Thanks For Saving My Life", "Am I Black Enough For You", "Let´s Make a Baby", y su cover del tema de Paul McCartney "Let Them In".

Paul anunció su retiro en Londres en 1989, aunque reaparece de vez en cuando para actuaciones ocasionales en clubes de USA y otros países.

Influenciado por:
Little Milton, Z.Z.Hill, Dinah Washington, Isaac Hayes, Jerry Butler, Johnnie Taylor, Lou Rawls, Bill Withers
Influenció a:
Phillippe Wynne, Wiliam Bell, George Benson, Robert Cray

Ray Parker Jr.

Nació el 1 de Mayo de 1954 en Detroit, Michigan, USA.
A los 16 años Ray Parker Jr. tocaba guitarra en las sesiones de los grandes de Motown como Stevie Wonder.
Parker iba a tener una importante carrera como músico de sesión, trabajando con un amplio abanico de artistas, que incluyó a Boz Scaggs, Barry White, Earl Klugh, Donna Summer, Marvin Gaye, Patti Labelle, Stephen Bishop, Najee, Alphonse Mouzon y New Edition.
El primer éxito de Parker como compositor fue el tema "You Got The Love" interpretado por Rufus en 1974



este tema lo ayudó a financiar su propio estudio de grabación así como las primeras épocas de su grupo Raydio.
El sexteto tuvo una serie de hits a fines de los 70´s y principios de los 80´s, incluyendo Jack and Jill, You Can´t Change That y A Woman Needs Love (Just Like You Do).
Parker siguió como solista en 1981 obteniendo mas éxitos como The Other Woman y el tema para la película Ghostbusters (los Cazafantasmas); éste último resultó en un juicio con el rockero Huey Lewis quien lo acusó de plagiar su obra I Want A New Drug.
En los últimos años Ray Parker ha dejado de estar en el candelero, y ha regresado a la tarea de músico de sesión y compositor.
Influencias
< Stevie Wonder, Marvin Gaye, Holland-Dozier-Holland, Parliament, Rare Earth
>Prince, R.Kelly

Donny Hathaway

Nació el 1 de Octubre de 1945 en Chicago, murió el 13 de Enero de 1979 en New York
Si Donny no hubiera saltado al vacío desde el piso 15, hubiera superado a los músicos mas importantes de su época.
Al momento de su muerte sus habilidades como arreglador, productor y compositor eran impresionantes, así como sumúsica, al igual que la de Roberta Flack, Aretha Franklin y los Staple Singers.
Donny había recibido educación musical tanto en el Colegio Howard como de su abuela, una cantante profesional del circuito gospel. Su voz se asemejaba a su compañera de estudios Roberta Flack, y durante su carrera grabaron varios duetos, sin embargo es su trabajo como solista el que deja la mayor impresión.
Trabajando los elaborados arreglos que imaginaba en su mente, Hathaway creaba autenticos ensambles de sonido, reflejando una atmosfera de ghetto decididamente positiva.



Influencias:
Nina Simone
Ray Charles

Fueron influenciados:
Stevie Wonder
Roberta Flack
Herbie Hancock
Lalah Hathaway

Dobet Gnahoré

Con solo 24 años, Dobet Gnahoré lo tiene todo—una voz excepcional, una destreza asombrosa para el baile y un encantador aura reservado solo para las grandes artistas. Luego de sus magistrales presentaciones en Europa y Estados Unidos, Dobet se convirtió en una de las figuras jóvenes más destacadas de la música africana.

Teniendo en cuenta la educación de Dobet, no sorprende que el arte sea algo natural para ella El padre de Dobet, Boni Gnahoré, es un maestro de la percusión, actor y cantante muy respetado en Costa de Marfil, donde nació y se crió Dobet. Él fue miembro original de una influyente colonia artística llama Village Ki-Yi M’Bock, la cual se creó en 1985 en Abidjan, la bulliciosa ciudad capital de Costa de Marfil.

A los doce años, Dobet le comunicó a su padre que no quería volver a la escuela. A esa edad, ya sabía que quería dedicar su vida a la música, la danza, el teatro y otras disciplinas artísticas. “¡Quiero quedarme en la aldea como tú!” le afirmó con tal convicción que su padre supo que no podría convencerla de lo contrario. De allí en más, Dobet pasó sus días estudiando música, baile, teatro y percusión, aprendiendo de sus compañeros de la aldea.

Su destino cambió una mañana de 1996 cuando llegó a la aldea un joven guitarrista francés de nombre Colin Laroche de Féline. Con una mochila sobre un hombro y una guitarra sobre el otro, Colin venía a descubrir esta particular comunidad. Planeando permanecer solo tres días, terminó quedándose tres años, enamorándose tanto del estilo de vida de la aldea como de Dobet.
Colin dominaba varias técnicas de guitarra africana y junto a Dobet establecieron un vínculo musical y sentimental que los convirtió en inseparables colaboradores. Juntos comenzaron a componer canciones que llamaron la atención de otros miembros de la aldea, como así también de artistas que regularmente eran invitados como las figuras Ray Lema y Lokua Kanza. Colin y Dobet llamaron a su dúo Ano-Neko, que significa “crear juntos” en la lengua local dida.

Pero mientras que la colonia artística era un refugio utópico, la ciudad de Abidjan se transformaba en un ámbito de confusión social y política. En busca de un ambiente más estable y menos peligroso para criar a su hija, Dobet y Colin se mudaron a Francia en 1999, donde formaron una banda integrada por músicos de diversos orígenes.

En Europa, la pareja formó una banda y se relacionó con Contre-Jour, una pequeña pero influyente agencia representante de artistas con sede en Bélgica que ha ayudado a desarrollar las carreras de muchos artistas exitosos de música del mundo. Pronto, el grupo comenzó a presentarse en festivales europeos, y el particular talento de Dobet empezó a llamar la atención del público. Dobet fue nominada como Artista Revelación del Año de los Premios a la Música del Mundo de la BBC en 2006, y su álbum debut, Ano Neko de 2004, recibió innumerables elogios.

El otoño pasado, Dobet se unió al guitarrista maliense Habib Koité y al trovador sudafricano Vusi Mahlasela para la gira Acoustic Africa de Putumayo, con la cual se presentaron en escenarios de Europa y de Estados Unidos. Compartiendo el escenario con estos dos íconos africanos, Dobet asombró al público con su talento excepcional. Recibiendo elogios de todos los presentes en sus shows, Dobet dejó muy en claro que tiene todo para ser una gran estrella.

En su siguiente álbum, Na Afriki (Hacia África), Dobet ofrece una visión personal del África actual. Cantadas en varias lenguas africanas, las canciones tratan cuestiones sociales y políticas de África: las dificultades de las mujeres en la sociedad africana, la explotación infantil, y el impacto de la avaricia y la violencia en la familia. Dobet invita a los africanos a buscar soluciones dentro de África y recurrir a sus innumerables recursos para crear un futuro mejor. Dobet canta de amor y pérdida, de alegría y celebración, utilizando una amplia variedad de ritmos y estilos que reflejan su propuesta pan-africana.

Dobet, Colin y su joven hija viven actualmente en el pequeño pueblo de Givet cerca de la frontera con Bélgica y no muy lejos de la sede central de Contre-Jour. Otros artistas de Contre-Jour, como Habib Koité y la Gangbe Brass Band de Benín habitualmente se dan una vuelta por allí para ensayar y grabar. En muchos sentidos, , ellos crearon su propia versión de comunidad artística, lejos de Village Ki-Yi M’Bock en Costa de Marfil pero muy cerca en el sentimiento.



http://www.dobetgnahore.com/

Los sueños incompletos de Silvina

Reza la biografía en su sitio web:
Silvina Garré, cantante, autora, compositora y psicoanalista argentina, nació en la ciudad de Rosario, Pcia. de Santa Fe.

En 1981 comenzó a cantar profesionalmente junto a Juan Carlos Baglietto y Fito Páez, formando parte de este grupo musical hasta 1983, año en el que grabó su primer trabajo como solista.

Desde los inicios de su carrera ha sido una de las figuras paradigmáticas del rock argentino, movimiento que ha influenciado el posterior desarrollo musical de Latinoamérica.

En 1982, el escritor y director cinematográfico Eduardo Mignona, la convoca para cantar las canciones del film "Evita, quien quiera oír que oiga" y además para interpretar la voz de Eva Perón.

Posteriormente, participa como cantante en otras producciones cinematográficas: "Diapasón", de Jorge Polaco, con la dirección musical de Lito Vitale, "Luna Caliente" de Roberto Denis, con dirección musical de Litto Nebbia y "Martin Fierro, el ave solitaria" de Carlos Vallejo, con la dirección musical de Diego Clemente.

Su vasta trayectoria incluye giras por todas las provincias de la Rep. Argentina y conciertos en Estados Unidos, Chile, México y Uruguay.Representa a su país en diversos festivales internacionales, entre los que se destacan el Festival de la O.T.I., realizado en Washington D.C. y el Primer Festival de la Canción, realizado en El Cairo, Egipto.

Recibe el reconocimiento de la prensa en varias oportunidades (premios, diplomas, distinciones) y de sus colegas. Caetano Veloso le dedica su libro "Verdade Tropical", declarando que Silvina es una de las cantantes que "mejor canta a Caetano". Ricardo Montaner incluye en su CD "Las mejores canciones del mundo" una de las canciones mas representativas de Silvina, titulada "Diablo y alcohol".

Su producción musical incluye ocho discos como solista, muchos de los cuales reciben el galardón de "Disco de oro".Además participa como invitada en los trabajos discográficos de destacadas figuras de la canción: Juan Carlos Baglietto, Teresa Parodi, Los Trovadores, Lalo de los Santos, Litto Nebbia, Jorge Fandermole, Marilina Ross, Nito Mestre; Alejandro Filio y en producciones infantiles como Los Muvis y Cablín.

En 1993 publica su primer libro de poemas, titulado "Pena Privada".

Actualmente se encuentra preparando su segundo libro de poesía.

Su nueva producción discográfica titulada "El deseo", salió a la venta en el mes de Junio de 2007 y fue presentada en vivo el 29 de Junio en el teatro ND Ateneo. Está acompañada por su banda: Diego Clemente (guitarras, aerófonos, percusión y voz), Marcelo Pilotto (piano, acordeón y voz), Patricio Murphy (guitarra y bajo) y Jonatan Szer (percusión)

Su singularidad como cantante, autora y compositora, su ética profesional, su fidelidad a un estilo personal y la poesía sutil de sus canciones, la convierten en una de las figuras más destacadas y refinadas de la escena musical argentina.

DISCOGRAFÍA(No han sido incluidos los compilados ni las reediciones)
La Mañana Siguiente (1983)
Creerás en Milagros (1984)
Reinas de Pueblo Grande (1986)
Otro Cuerpo más (1987)
Juntos (Baglietto-Garré) (1989)
Silvina Garré (1990)Teatro Coliseo en Vivo (1991)
Nuestro Lenguaje Sagrado (1995)
El Deseo (2007)

LIBROS
Pena Privada (1993)
Poemas (En preparación)

En Youtube encontré, entre otros, estos videos:

Los Sueños Incompletos
(Silvina Garré – 1990)

Nunca hay un grito de más
ni pañales que lavar
ni un ascensor muy ocupado
ni un amante.

Y no hay pudores que ocultar
ni excusas raras para amar
ni una palabra que me acerque
hasta tu voz.

Pero es así la casa huele a rosas y a alcauciles
y yo festejo otro cumpleaños, otro más.
Pero es así son sueños de color como guirnaldas
son sólo sueños incompletos, nada más.

Nunca hay un beso de más
ni caricias que entregar
ni una sonrisa dibujada
ni un sedante.

Y no hay un velo de tul
ni campanazos de luz
ni una familia
que te ayude a tener fe.

Pero es así la casa huele a rosas y a alcauciles
y yo festejo otro cumpleaños, otro más.
Pero es así son sueños de color como guirnaldas
son sólo sueños incompletos, nada más.

Pero es así la casa huele a rosas y a alcauciles
y yo festejo otro cumpleaños, otro más.
Pero es así son sueños de color como guirnaldas
son sólo sueños incompletos, nada más
nada más...

Voz: Silvina Garre
Batería: Jota Morelli
Bajo: Guillermo Vadalá
Guitarras: Ulises Butrón
Saxo: Oscar Kreimer
Pianos y Teclados: Lito Vitale



Palmas azules
(Creerás en milagros - 1984)

Puedo cantar aunque no escuches
puedo cantar mientras salga mi voz
a festejar su enlace con el aire.

Puedo cantar aunque te vayas
y este abandono duela en el alma
música siempre está, nace y muere en mí.

Puedo bailar, aunque estés quieto
y aunque te pintes de plateado
y aunque te ocultes cuando te sangra el corazón.

Puedo ofrecer una caricia
ser una diosa y transformarme
para volver a vos cantando esta canción.

Es mejor esta distancia que no acorta
y este silencio que sostiene
nos parecemos vos y yo
siempre deseando más y más
siempre buscando más
siempre esperando más.

Otra mujer hoy se duerme en tu almohada
y se aprende tu casa de memoria
sonríe junto al piano
y vos seguís buscando más
siempre deseando más
siempre pidiendo más y más.

Y más aplausos para mí
lo que la gente llama éxito
palmas azules para mí
lo que yo llamo amor.

Y más aplausos para mí
lo que la gente llama éxito
palmas azules
lo que yo llamo amor.



Nota al pie: Nunca me pasó con otro intérprete lo que me sucede al escuchar las canciones de Silvina; es como que me está contando partes de su vida, de sus estados de ánimo, como si fuera una amiga que llega y te cuenta sus problemas. Estoy equivocado?

Para más información sobre Silvina, visitar su sitio web:
http://www.silvinagarre.com.ar/
O el sitio de un fan: http://www.silvinagarre.es.tl/

Tavares - Talento poco reconocido

Tavares, también conocidos como The Tavares Brothers, es un exitoso grupo norteamericano de musica R&B, Soul y Disco, compuesto por 5 hermanos nacidos en New Bedford Massachusetts.

Los miembros de la banda:

Ralph - Ralph Viera Tavares, born 10 December 1948.
Pooch - Arthur Paul Tavares, b. 12 November 1949.
Chubby - Antone Lee Tavares, b. 2 June 1950.
Butch - Feliciano Tavares, b. 18 May 1953.
Tiny - Perry Lee Tavares, b. 24 October 1954.

Los hermanos Tavares, cuyos padres eran oriundos de las islas de Cabo Verde, comenzaron su carrera musical en 1964 bajo el nombre de Chubby and the Turnpikes, cuando el mas joven de los hermanos tenía 13 años.

En 1973 firmaron con Capitol Records, obteniendo ese mismo año su primer Top 10 en la categoría R&B (y Top 40 en el ranking Pop) con el tema "Check It Out", y rápidamente fueron asiduos integrantes de los ránkings tanto de pop como de R&B.

Su primer álbum incluía a Victor Tavares, quien dejó la banda poco después.

En 1974 tuvieron un número uno en el ranking de R&B con el tema "She´s Gone" escrito por Hall & Oates, tema que también fue un hit al año siguiente interpretado por sus autores. El siguiente éxito de Tavares fue con el tema "Remember What I Told You To Forget".

1975 se convirtió en el mejor año de la banda en los charts, tuvieron un album en el Top 40 (In The City) y el mayor éxito de su carrera, el Top 10 Pop y Numero uno R&B "It Only Takes a Minute", tema que mas tarde fue exitosamente cubierto por Jonathan King y por el grupo británico Take That. Este disco fue seguido por una cadena de éxitos: "Heaven Must Be Missing an Angel" (1976), "Don´t Take Away The Music" (1976), y "Whodunit" (1977), entre otros.

Sin embargo, muchos de sus éxitos jugaron en contra de sus raíces Soul y R&B e hicieron que el público los encasillara en el estilo disco. Esta percepcion fue reforzada por su aparición en la banda de sonido de la película "Fiebre de Sábado Por La Noche" en 1977. Tavares grabaron el tema de los Bee Gees "More Than a Woman", y su version llego al Top 40 ese año. La banda de sonido se convirtió en una de las mas exitosas de la historia, dándole a los Tavares su único Grammy.

Álbumes posteriores, como Madame Butterfly y Supercharged, se alejaron del formato disco y fueron menos exitosos en el ranking pop aunque siguieron teniendo exito en el R&B .

A comienzos de 1980 los Tavares dejaron Capitol firmando con RCA. Tuvieron un último hit con "A Penny for Your Thoughts" en 1982, y los siguientes esfuerzos no lograron repercusión.(1)

Los Tavares fueron un talentoso grupo vocal con fuertes raíces soul, el típico "Stand Up", (es decir que los integrantes no tocan instrumentos sino que tienen diferentes timbres de voz y se alternan en quien es la primera voz segun el tema mientes que los demás hacen coros) que creo no tuvieron, por lo menos en Argentina, la importancia que se merecieron.

Contaron en varios de sus trabajos con la pulida producción de Johnny Bristol, y si bien tuvieron la suerte o la desgracia de ser incluídos en la categoría disco, sus trabajos, tanto los conocidos como los no conocidos fuera de los Estados Unidos, son de excelente calidad, "Check It Out", su primer trabajo es R&B, con producción de Johnny Bristol, y "Sky High" es mas disco, pero no por eso menos bueno.

(1)Esta biografía está traducida de la versión en inglés de Wikipedia.

Tavares: Heaven Must Be MIssing an Angel

Tavares: Check It Out

Take That: It Only Takes a Minute

El Soul Refinado de The 5th Dimension

The Fifth Dimension, también conocidos como The 5th Dimension, (ambos términos significan “La Quinta Dimensión), es un popular grupo norteamericano cuyo repertorio abarca los estilos R&B, Soul y Jazz..
Fueron muy conocidos durante fines de los 60´s y principios de los 70s por popularizar los hits “Up,Up And Away” (Arriba, Arriba y Adelante) y “Aquarius/Let The Sunshine In” (Acuario/Deja Entrar el Sol).
Los cinco miembros originales fueron: Billy Davis Jr., Florence LaRue, Marilyn McCoo, Lamonte McLemore y Ron Townson.
Tienen un estilo muy personal, en donde dan gran importancia los arreglos de las voces.

Han grabado para diferentes sellos durante su extensa carrera. Sus primeras apariciones fueron bajo el sello Soul City, el que había sido fundado por Johnny Rivers.
El grupo mas tarde grabaría para Bell/Arista Records, ABC Records y Motown.
Algunos de los compositores popularizados por 5th Dimension iniciaron mas tarde su propia carrera como cantantes, tal es el caso de Ashford & Simpson, quienes escribieron “California Soul”.

El grupo también se caracterizaba por tener gran éxito con canciones escritas por Laura Nyro, incluso superando la popularidad de las versiones cantadas por su autora, de este modo han hecho clásicos como “Wedding Bell Blues”, “Stoned Soul Picnic” y “Save The Country”.

Carrera:
A principios de los 60s, Lamonte McLemore y Marilyn McCoo, una ex ganadora de concurso de belleza, se juntaron con otros amigos de Los Angeles: Harry Elston y Floyd Butler, para formar un grupo llamado The Hi Fis.
En 1963 cantaron en clubes locales mientras tomaban lecciones de canto.
En 1964 llamaron la atención de Ray Charles, quien los llevó de gira al siguiente año como su banda de soporte.
Problemas internos causaron que Butler y Elston se separaran y siguieran su propio camino, mas tarde fundarían el famoso grupo soul llamado “The Friends Of Distinction”.
Lamonte y Marilyn buscaban formar un nuevo grupo. Uno de sus amigos era Florence LaRue, quien había recibido entrenamiento como cantante cuando joven, además de danza y violín, y quien también, curiosamente, había ganado un concurso de belleza en el programa televisivo “Arthur Godfrey Show”.
Al mismo tiempo que Florence era convencida para unirse al grupo, Lamonte reclutó a un viejo amigo, Ron Townson, quien a los seis años había comenzado a cantar en coros y grupos gospel en su ciudad natal de St. Louis. En su adolescencia había acompañado a Dorothy Dandridge y a Nat King Cole, y también interpretó un pequeño papel en la película “Porgy and Bess”.
El primo de Lamonte, Billy Davis Jr. Comenzó cantando gospel a muy temprana edad, cuando se le preguntó si quería unirse al grupo, aceptó de inmediato.
Los miembros comenzaron los ensayos en 1966 y eligieron en nombre de los Versatiles.
Audicionaron con Marc Cordon, quien dirigía las oficinas de Motown de Los Angeles. Aunque su demo fue rechazado por Motown, el aceptó ser su manager y los recomendó a Johnny Rivers, quien había recién inaugurado su sello Soul City Records.
El primer single “I´ll Be Loving You Forever”, pasó desapercibido, pero un cover del tema “Go Where You Wanna Go” de los Mamas and The Papas llego al Top 20 tanto en los rankings R&B como Pop.
Un amigo del grupo, el jóven escritor Jimmy Webb le dio al grupo su primer éxito: “Up Up And Away” llego al numero 10 en 1967, y ganó 5 premios Grammy.



El siguiente año el grupo tuvo otros éxitos importantes con “Stoned Soul Picnic” y “Sweet Blindness”, ambos escritos por Laura Nyro, y recibieron el disco de oro por su LP “Stoned Soul Picnic”, que también incluía el tema de Ashford & Simpson “California Soul”.
En 1969 tuvieron dos singles en el numero uno: “Aquarius/Let The Sunshine In” del musical “Hair” y “Wedding Bell Blues” también compuesta por Laura Nyro.
Otros éxitos posteriores fueron “One Less Bell To Answer” (1970)

“Love´s Lines, Angles and Rhymes”, “Never My Love” (1971) y “(Last Night) Ididn´t Get To Sleep At All” (1972).

En este medley los 5th Dimension cantan los temas mas importantes de se carrera:

• "Acuario/Deja entrar el Sol", en donde se destaca Billy Davis.
• "One Less Bell To Answer", escrito por Burt Bacharach y Hal David, en donde se destaca la personal voz de Marilyn. En mi opinión el mejor tema de ellos y uno de los mejores que he escuchado.
• "Stoned Soul Picnic".
• "Wedding Bell Blues" en donde Marilyn le dice a Billy que se case con ella (ya había una relación entre ambos)
• "Up Up And Away" Con el estilo que posteriormente sería clásico en los temas de Jimmy Webb
  
  
  
  En 1975, McCoo y Davis, quienes se convirtieron en marido y mujer estando en el grupo, se alejaron para seguir sus carreras tanto individuales como formando un dúo.
  Tuvieron éxito como dúo en 1975, con los temas “I Hope You Get To Love In Time” y el famoso “You Don´t Have To Be A Star (To Be In MY Show)”.
  Mc Coo también fue conductora del show televisivo “Solid Gold”.
  El trio formado por los integrantes que quedaron después de la partida de McCoo y Davis continuó con nuevos miembros, y casi tuvieron un hit en 1976 con el tema “Love Hangover”, desafortunadamente, Motown lanzó una versión cantada por Diana Ross poco después de que 5th Dimension entrara en los ránkings, y la versión de Motown llegó al numero uno.
  Curiosamente el grupo firmó contrato con Motown poco después, publicando dos albumes en 1978.
  El cantante Lou Courtney integró el grupo brevemente entre 1978 y 1979, Joyce Wright se unió en 1979 y Phillis Battle a mediados de 1980.
  El quinteto original se reunió en 1990 para una gira.
  Townson dejó brevemente el grupo para seguir una carera solista pero pronto regresó, mientras el grupo se resignó a actuaciones en los circuitos de la nostalgia.
  En 1995, el quinteto formado por LaRue, Townson, McLemore, Battle y Greg Walker grabaron un nuevo álbum llamado “In The House” para Click Records.
  El grupo fue inducido en el Salon de la fama de los grupos vocales en 2002.
  
  5th Dimension fue un grupo muy especial, su estilo y sus arreglos de voces, con el agregado de la potente y hermosa voz de Marilyn McCoo, lo ubican entre los clásicos de la música R&B
  
  
  
  Ellos han sido de gran influencia en otros artistas posteriores, uno de ellos ya los hemos comentado en este mismo blog: Swing Out Sister.

La antítesis del hombre de negocios serio.

Nacido en 1950 en Inglaterra, Richard Branson abandonó muy joven los estudios para lanzarse a una vida de emprendedor en su tierra natal.

En 1972, fundó la primera empresa de su vasto imperio: el sello discográfico "Virgin Records", que vendió en 1992 a EMI en más de 1000 millones de dólares.

Más adelante Branson incursionó en un sinnúmero de negocios: fundó las aerolíneas "Virgin Atlantic Airways" y "Virgin Blue", la cadena de gimnasios "Virgin Active", la cadena de retail "Virgin Megastores", la tarjeta de crédito "Virgin Credit Card", la editorial "Virgin Books" y "Virgin Mobile", una empresa de telefonía celular. Incluso, tiene en mente lanzar una compañía de turismo espacial llamada "Virgin Galactic", en sociedad con con Paul Allen, co-fundador de Microsoft.

Richard Branson, nombrado "sir" en 1999, construyó un imperio de más de 300 empresas desde la nada.

Mientras tanto, no dejaba de lado la diversión. En 1987, fue la primera persona en cruzar el océano Atlántico en un globo aerostático. En 1991, realizó la misma proeza sobre el Pacífico.

La filosofía que ha guiado a Branson a lo largo de su vida se resume en el título de su autobiografía de 1998: "Perdiendo mi Virginidad: Cómo he sobrevivido, me he divertido y he hecho una fortuna haciendo negocios a mi manera".

Fuente: http://www.materiabiz.com/

Un Japón en ruinas, unos miles de yenes e infinita creatividad. Así nació Sony

Akio Morita, el legendario fundador de Sony, fue un empresario de sabiduría oriental: "No tema equivocarse. Pero no cometa el mismo error dos veces"

Nacido en 1921 en la ciudad japonesa de Nagoya en el hogar de un fabricante de sake, la inagotable creatividad de Akio Morita le tenía reservado un pedestal destacado entre los hombres de negocios del siglo XX.

Entre los edificios derruidos del Japón de posguerra, en 1946, este ex oficial de marina fundó con un amigo la Tokio Telecommunications Engineering (rebautizada como Sony en 1960) con un capital de apenas 190.000 yenes.

En los sesenta años por venir, su empresa sería una impresionante máquina de innovar.

• En 1957, lanzó la primera radio de bolsillo.



• Tres años más tarde, el primer televisor a transistores del mundo.



• En los setenta y ochenta, mantuvo su liderazgo en la creación de bienes electrónicos de consumo.



• De los centros de investigación de Sony salieron el Walkman, el compact-disc (desarrollado en sociedad con Philips) y el televisor Trinitron.



• Bajo el liderazgo de Morita, la empresa se expandió geográficamente a los cuatro rincones de la tierra, siendo la primera firma electrónica japonesa en instalar una fábrica en los Estados Unidos.



• Más adelante, también diversificó sus actividades hacia la industria discográfica con la creación de Sony Music y el cine, con la compra de Columbia Pictures en 1989.

Akio Morita falleció en 1999. ¿Su legado? Una de las marcas más prestigiosas del mundo en la fabricación de artículos electrónicos. Nada mal para un muchacho que había empezado a los 25 años con apenas 190.000 yenes en un país en ruinas.Pero el impulso innovador de Sony no murió con su fundador.

Hoy, la compañía es una jugadora importante en la mayoría de los mercados de bienes de consumo tecnológico. De sus fábricas salen cámaras digitales, televisores, consolas de video juegos, computadoras portátiles y de escritorio, reproductores de mp3 y DVD... La lista es interminable.

En los primeros años del siglo XXI, de la mano de ingeniosas campañas publicitarias, nuevas marcas de Sony se posicionan en lo más alto de los mercados globales. La línea de computadoras Vaio, los televisores Bravia y la célebre PlayStation 2 son algunos de los nuevos íconos de una empresa que se ha convertido en sinónimo de tecnología.

Poesía + Musica = Presuntos Implicados

Un grupo cuasi desconocido aquí en nuestras pampas, los Presuntos Implicados lograron una mezcla de estilos que va del pop al jazz, con muy buenos arreglos y letras.

Hay una biografía muy completa en este link:
http://es.wikipedia.org/wiki/Presuntos_Implicados

En 1995 Presuntos Implicados sacan su doble recopilatorio titulado "La noche".
De este album deseo destacar estos dos temas:
El primero de ellos es una versión de "Me das el mar" con la incorporación de músicos de Jazz españoles. Siempre los Presuntos tuvieron un estilo que es predominantemente Pop, pero con algunas reminiscencias jazzeras en los arreglos que, en mi opinión, los hacen únicos. A través de mucho tiempo he tratado de encontrar algún otro grupo que se les parezca. pero sin éxito.



Este segundo tema solamente está en su recital, es una versión del tema Fallen" interpretado por Laureen Wood y que forma parte de la banda de sonido de "Mujer Bonita". En este caso los Presuntos lo interpretan teniendo como invitada nada menos que a Randy Crawford. Una verdadera perla.

Una Leyenda del Soul: Diana Ross

Diane Ernestine Earle Ross nació el 26 de Marzo de 1944.
Es una cantante y actriz norteamericana cuyo repertorio musical abarca el R&B, Soul, Disco, Jazz y Pop.

Diana Ross ganó fama como líder del exitoso grupo femenino de soul The Supremes, antes de encarar su carrera como solista en 1970. Entre ese año y los 80, Ross se convirtió en una de las mas exitosas artistas de la era del rock, incursionando con éxito también en el cine, la televisión y Broadway.

En el transcurso de su carrera recibió el premio Tony Award por el musical "An Evening With Diana Ross" de 1977, siete American Music Awards y un Golden Globe por su rol en el filme sobre la vida de la cantante de jazz Billie Holiday titulado "Lady Sings the Blues". Además Diana fue nominada 12 veces para el premio Grammy y una vez para el premio Academy Award (Oscar).

En 1976 la revista Billboard la nombró Artista del Siglo. El Libro Guinness la registra como la artista musical femenina del siglo 20 con 18 singles numero uno: 12 como lider de las Supremes y 6 como solista.

Como solista Ross fue la primera mujer en tener 6 singles numero uno en USA.

También es una de las pocas artistas elegidas que figuran con dos estrellas en el Hollywood Walk of Fame, una como solista y la otra como miembro de las Supremes.

Discografia como solista:

Top Ten singles
The siguientes singles alcanzaron el Top Ten ya sea en el United States Billboard Hot 100 pop singles chart o en el United Kingdom UK Singles chart.

1970: "Ain't No Mountain High Enough" (US #1, UK #6)

1970: "Remember Me" (UK #7)
1971: "I'm Still Waiting" (UK #1)
1971: "Surrender" (UK #10)
1973: "Touch Me in the Morning" (US #1, UK #9)

1973: "All Of My Life" (UK #9)
1974: "You Are Everything" (with Marvin Gaye) (UK #5)
1975: "Theme From Mahogany (Do You Know Where You're Going To)" (US #1, UK #5)
1976: "Love Hangover" (US #1, UK #10)
1980: "Upside Down" (US #1, UK #2)
1980: "I'm Coming Out" (US #5)
1980: "My Old Piano" (UK #5)
1980: "It's My Turn" (US #9)
1981: "Endless Love" (with Lionel Richie) (US #1, UK #7)

1981: "Why Do Fools Fall in Love" (US #7, UK #4)
1982: "Mirror Mirror" (US #8)
1982: "Work That Body" (UK #7)
1982: "Muscles" (US #10)
1984: "Missing You" (US #10)
1986: "Chain Reaction" (UK #1)
1991: "When You Tell Me That You Love Me" (UK #2)
1992: "One Shining Moment" (UK #10)
1999: "Not Over You Yet" (UK #9)
2005: "When You Tell Me That You Love Me" (with Westlife) (UK #2)

Top Ten albums
Los siguientes albums alcanzaron el Top Ten ya sea en el United States pop albums chart o en el United Kingdom pop albums chart.

1970: Diana Ross (US #14)
1971: I'm Still Waiting (a/k/a Surrender) (UK #10)
1972: Lady Sings the Blues (US #1)
1973: Touch Me in the Morning (US #5; UK #7)
1973: Diana & Marvin (with Marvin Gaye) (US #26; UK #6)
1976: Diana Ross (US #5; UK #4)
1976: Diana Ross' Greatest Hits (UK #2)
1979: 20 Golden Greats (UK #2)
1980: diana (US #2)
1993: One Woman: The Ultimate Collection (UK #1)
1995: Take Me Higher (UK #10)

Filmografia
The T.A.M.I. Show (1965) (documentary) (with the Supremes)
Beach Ball (1965) (with the Supremes)
Lady Sings the Blues (1972)
Mahogany (1975)
The Wiz (1978)
The Land Before Time (1988) Song: "If We Hold On Together"

Trabajos en Television

Conciertos y especiales para TV
T.C.B. (1968) (with The Supremes and the Temptations)
G.I.T. on Broadway (1969) (with The Supremes and the Temptations)
Diana! (1971)
The Big Event: An Evening with Diana Ross (1977)
Diana Ross in Concert! (1979)
Standing Room Only: Diana Ross (1981)
diana (1981)
Motown 25: Yesterday, Today, and Forever (1983)
For One And For All: Diana Ross Live in Central Park (1983)
Diana Ross: Red Hot Rhythm and Blues (1987)
Motown 40: The Music Is Forever (1998)
VH1 Divas 2000: A Tribute to Diana Ross (2000)

Telefilms
Out of Darkness (1994)
Double Platinum (1999)

Series de Television
American Idol (season 6) (2007)

El ejemplo a seguir: Konosuke Matsushita

Konosuke Matsushita, creador de Panasonic y el empresario más admirado por los gurúes del management

Asombrosa capacidad para sobreponerse a la adversidad, habilidad para el crisis management e inigualable instinto comercial fueron las claves de este empresario endiosado por los gurúes del management...


Nacido en 1894 en el pueblo japonés de Wasa, Konosuke fue el menor de los ocho hijos del matrimonio Matsushita. Cuando tenía apenas nueve años, su padre perdió todo especulando en el mercado del arroz. Konosuke tuvo que abandonar su hogar para mudarse a Osaka a trabajar como aprendiz en una fábrica de bicicletas.

Sin embargo, ya de adolescente tenía claro que quería crecer. Así, a los 15 años, empezó a trabajar en la Osaka Electric Light Company como asistente de cableado. Su carrera fue meteórica. A los 22 años llegó a inspector, la máxima posición a la que podía aspirar un técnico.

Habiendo alcanzado su techo en la empresa, Konosuke decidió abrir su propio camino. Con apenas 50 dólares que le había prestado su cuñado, fundó "Matsushita Electric Devices Manufacturing Works", dedicada a la manufactura de accesorios eléctricos.

Su primer éxito llegó de la mano de las lámparas para bicicletas, que Konosuke empezó a distribuir en todo Japón. El negocio floreció y la empresa fue incorporando nuevos productos como radios y planchas eléctricas. En 1922, Matsushita inauguró la nueva fábrica de su creciente firma.

En 1927, comenzó a distribuir sus productos bajo la firma "National". La ampliación del mercado le permitió aprovechar economías de escala y recortar los precios. Sin embargo, cuando todo parecía marchar viento en popa, la crisis mundial del '29 derrumbó sus planes de expansión. La premisa: sobrevivir.

Mientras en Japón los despidos masivos estaban a la orden del día, Matsushita, que sentía una responsabilidad directa por sus empleados, reasignó a sus trabajadores de planta al área de ventas para deshacerse de los excedentes de stock. La idea dio resultado. Tres meses después, la fábrica retomaba su ritmo normal.

En 1934, Konosuke fue de los primeros en fundar un instituto de capacitación para los empleados de su empresa. Allí, se dictaba un curso de tres años de ingeniería combinada con nociones de negocios.

La Segunda Guerra Mundial fue un tremendo golpe para Japón. La derrota (y las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki) habían dejado una economía en ruinas. Y también fueron días difíciles para Matsushita.

Las buenas épocas regresaron y el japonés medio accedió a artículos que, pocos años antes, consideraba lujos inalcanzables: televisores, lavarropas y heladeras. Matsushita se encargó de proporcionárselos.

A mediados de los '60, la economía japonesa volvía a entrar en recesión. Y Konosuke sacó a relucir sus dotes visionarias con la aplicación en su compañía de una serie de medidas que la resguardaban de los cambios inesperados en el ambiente de negocios.

En 1973, a los 79 años, Konosuke se retiró del día a día de los negocios para dedicar sus últimos años al desarrollo y explicación de la teoría filosófica, social y comercial que lo había llevado al éxito. Sus más de 40 libros vendieron más de cuatro millones de copias.

Konosuke Matsushita falleció el 27 de abril de 1989 a la edad de 94 años con una fortuna personal estimada en 3 mil millones de dólares. Tenía más de 200 empresas establecidas en 45 países y sus productos se comercializaban bajo marcas de primer nivel como Panasonic, National, JVC y Technics.

Sin embargo, no es su formidable imperio el mayor legado para los negocios. Su capacidad para sobreponerse a la adversidad, su habilidad para el crisis management, su instinto comercial y el desarrollo de modernas técnicas gerenciales lo han convertido en un caso de estudio para académicos de todo el mundo.

Fuente: http://www.materiabiz.com/

Kool and the Gang

En general la música disco no goza del respeto como género que creo que merece, el hecho de ser música esencialmente hecha para bailar, le saca algunos puntos comparada con el resto de los géneros.

Como fanático de la música negra soy un profundo admirador del Disco, aunque reconozco que algunos grupos no están a la altura de otros, creo también que de no haber existido el movimiento cultural de los 70s que se llamó Disco, algunos de los grupos y solistas negros de esos años hacían esencialmente música Soul, y su estilo deberíamos también considerarlo como una evolución de el Soul Clásico de los 60s y principios de los 70s, del que indudablemente tomaron influencia.

Tal es el caso de Kool & The Gang:

En 1964 Robert Bell, su hermano Ronald y cinco amigos de secundaria formaron una banda instrumental llamada los Jazziacs. Junto con los hermanos Bell, la banda incorporó además miembros originales como Dennis "D. T." Thomas (saxofón contralto), Charles Smith (guitarra), Clifford Adams (trombón), Robert Mickens (trompeta) y George Brown (batería).

Con el primer álbum de Kool & The Gang, "Kool & The Gang", grabado en el "De-Lite label" en 1970, el grupo no alcanzó el éxito popular esperado. No fue sino hasta el lanzamiento de Wild and Peaceful en 1973, que incluia los exitosos temas, "Funky Stuff", "Jungle Boogie" y "Hollywood Swinging", que la banda se hizo conocida. Así en 1976 recibieron el Grammy por "Open Sesame" de la banda sonora de "Fiebre de Sábado por la Noche".

Un nuevo vocalista se unió a la banda en 1979. J. T. Taylor era un cantante aficionado de Clubes Nocturnos, proveniente de New Jersey, que tampoco era muy ajeno a la música de Kool & The Gang. Con él, lanzaron el álbum Ladies' Night. La suave voz de Taylor le dio popularidad a la producción y los temas "Too Hot" y "Ladies' Night" alcanzaron niveles de venta de oro y platino.

Además de la inclusión de un nuevo cantante, el cambio del grupo al sonido pop fue realizado por el productor Eumir Deodato, quien, empezando con Ladies' Night, produjo los cuatro siguientes álbumes de oro y platino, entre 1979 y 1982. Con la ayuda de Deodato, el siguiente álbum del grupo, Celebrate, llegó a ser uno de los mayores hits de su carrera.

Kool & The Gang se separó amigablemente de su productor en 1983 y el grupo decidió crear su propio estudio de grabación. El álbum de 1983,In the Heart, fue producido por Khalis Bayyan, Kool & The Gang y el ingeniero Jim Bonnefond, pero en todos los álbumes siguientes, Khalis Bayyan llegó a ser el arma secreta de producción del grupo.

Desde mediados de los 80's hasta principio de los 90's Bayyan mantuvo sin embargo, el sonido inalterable. Las guitarras de rock comenzaron a reemplazar a los bronces, y su sonido fue transformado por el poder de la tecnología digital.

En la década de los 80 Bayyan produjo Emergency (doble platino) y Forever (oro), en los que ejecutó casi todos los instrumentos.

El mayor cambio de los 80's, sin embargo, vino con la salida de Taylor. El vocalista se fue en 1988 con planes de hacer un álbum como solista. El grupo reemplazó a Taylor con los cantantes e instrumentalistas Sonnie "Skip" Martin y Odeen Mays Jnr. Con ellos lanzaron dos álbumes de estudio, Sweat (1989) y Unite (1993). En el verano de 1995 Taylor regresó a la banda y lanzaron un nuevo álbum, State of affairs.