12 de octubre de 1969: Paul McCartney está muerto. Actualizado con link a podcast

"Paul está muerto" es una leyenda urbana que asegura que Paul McCartney, cantante y compositor de la legendaria banda The Beatles murió físicamente en 1966, y que fue reemplazado por un doble muy parecido a él físicamente (e incluso con la misma voz) llamado William Campbell . Oficialmente, McCartney se encuentra vivo hasta la fecha.

La evidencia de la falsa muerte de Paul consiste en "indicios" hallados entre muchas de las grabaciones de The Beatles muchas de las cuales han sido interpretadas como si hubiesen sido deliberadamente colocadas por ellos mismos o por otros, de tal suerte que fuesen un tipo de acertijo o rompecabezas para ser resuelto por el público mismo. Esto se ha visto reforzado con afirmaciones de personas que alegan que al escuchar ciertas canciones (a través de un tornamesas para discos de acetato) girando en sentido contrario se encuentran mensajes ocultos. Aunado a esto muchos han analizado los diseños gráficos de las portadas originales de todos sus discos para complementar el desciframiento de esta leyenda.

Antecedentes
Los rumores alrededor de McCartney comenzaron el 12 de octubre de 1969, cuando un radioescucha anónimo telefoneó a Russ Gibb , DJ local, de la radiodifusora WKNR-FM en Dearborn Michigan, identificandose así mismo como "Tom" (presuntamente Tom Zarski de la Universidad del Este de Michigan). La llamada era para anunciar que Paul McCartney estaba muerto, asimismo, Tom le sugirió a Gibb el reproducir la canción "Revolution 9" pero al contario, al hacerlo se escuchaba la frase "Turn me on, dead man" (revíveme, hombre muerto).

Fred Labour, un estudiante de Universidad de Michigan, publicó una revisión realizada al álbum Abbey Road llamada "McCartney está muerto; Nueva evidencia traída a Luz", detallando varios "indicios" sobre la supuesta muerte, a través de la interpretación de la portada y contraportada.

El 14 de octubre, de 1969 un número del Michigan Daily abordó el asunto. Terry Knight un DJ de Detroit y entonces cantante para la Capitol Records, había visitado a los Beatles en Londres hacia agosto de 1968 durante las sesiones de grabación del Album Blanco, mientras Ringo salía, ahí Knight expuso su tema titulado "Saint Paul" como una referencia a la inminente separación del grupo, difundida por radio en otoño de 1969, fue percibida como un tributo al "desaparecido" Paul McCartney. Gibb también produjo (al lado de John Small y Dan Carlisle) el "Complot Beatle", un show con una hora de duración acerca del rumor. El programa se transmitió en la WKNR-FM a finales de 1969 y ha sido retransmitido al paso de los años en la radio de Detroit.

El rumor cobró fuerza cuando Ruby Yonge, un Disc Jockey de la emisión nocturna de "Los 40 principales" un programa de la WABC ESTA ubicada en Nueva York se atrevió a discutirlo al aire el 21 de octubre de 1969. Yonge fue despedido inmediatamente,y su emisión suspendida. La WABC, con sus 50,000 vatios de potencia de transmisión podía ser escuchada claramente en 38 estados de la Unión Americana, y a través de la Costa Atlántica de África. Muy pronto los medios nacionales e internacionales retomaron la historia y la "nueva manía Beatle" surgió. El rumor finalmente se transformo en una teoría conspirativa por completo. La recopilación completa de la historia y el origen del rumor ha sido efectuada por el periodista Andru J. Reeve quien la estructuró y la presentó en su libro titulado "Turn Me On, Dead Man" (ISBN 1-4184-8294-3).

La historia de la supuesta muerte
La versión más común de la historia es que el miércoles 9 de noviembre de 1966 a las 5 am, McCartney se encontraba trabajando en el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, después de una tempestuosa discusión con los otros 3 Beatles, Paul salió y abordó su auto un Austin-Healey corriendolo a alta velocidad. "El no se percató de que las luces -del semáforo- habían cambiado" ("A Day in the Life") al estar ocupado en admirar a la chica bonita de la acera ("Lovely Rita") luego de perderla por poco vestida en azul (ella es la que aparece en la contraportada del disco Abbey Road) caminando ("Blue Jay Way"). Entonces él se estrelló contra un poste de luz (el sonido de un accidente es escuchado en "Revolution 9"). Fue declarado muerto un "Miércoles por la mañana, a las 5 en punto cuando empieza el día" (Wednesday morning at 5 o'clock as the day begins - "She's Leaving Home"), y nadie se enteró de esto porque las noticias fueron omitidas: "Los periódicos del miércoles por la mañana no han venido" (Wednesday morning papers didn't come - "Lady Madonna"). Una procesión fúnebre fue realizada días después (como se ve en la portada de Abbey Road).

No hay evidencia de algún accidente en el cual se haya envuelto Paul McCartney, aunque durante la primera semana de enero de 1967, el Mini Cooper de McCartney fue destrozado por un amigo en el M1 Motorway a las afueras de Londres. McCartney tuvo un accidente de moto el 26 de Diciembre de 1965, en el cual resultó con una cicatriz en su labio que puede verse en los videos promocionales del single "Paperback Writer"/"Rain", hechos poco después del accidente, en Mayo de 1966. De acuerdo a McCartney, su deseo de esconder la cicatriz en su labio fue el que le llevó a dejarse crecer un bigote; más o menos en el mismo tiempo que los otros tres Beatles se dejaron crecer los bigotes a la vez para Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.

De acuerdo a los partidarios de este rumor, McCartney fue reemplazado por el ganador de un concurso de dobles de Paul McCartney.

El nombre de este doble ha sido anotado como William Shears Campbell, Billy Shears (el nombre del líder ficticio de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band), William Sheppard (basado en la inspiración para la canción "The Continuing Story of Bungalow Bill"), o alguna combinación de los nombres.

Algunos estudiantes de la guitarra de bajo han afirmado que hay una marcada diferencia entre el estilo y la calidad de Paul en el bajo entre los primeros álbumes de los Beatles y los últimos. Esto puede estar vinculado a un cambio en ambos estilos (influenciado por las melódicas líneas de bajo de Brian Wilson) y las técnicas de grabación; antes de 1966 él, a menudo, grababa su bajo en vivo, pero alrededor de ese año empezó a grabar las partes de bajo separadamente con técnicas de grabación de inyección directa, dándole una gran habilidad para formar líneas de bajo melódicas. Adicionalmente, de acuerdo a la entrevista de 1988 a McCartney en la revista Musician Magazine, el cambio en su manera de tocar el bajo coincidió con un cambio en los instrumentos. En 1966, Rickenbacker presentó a Paul con un bajo para zurdos 4001 (ellos habían originalmente intentado venderle uno en 1964), el cual comenzó a usar más en el tiempo de Revolver.

Referencias por los Beatles

• Lennon bromeó sobre el rumor en los años siguientes a su incremento inicial y, en sus años en solitario, se referió a ello en su vengativa canción a McCartney titulada "How Do You Sleep?" (¿Cómo puedes dormir?) del álbum Imagine de 1971, comentando, "Those freaks was right when they said you was dead" (Esos payasos tenían razón cuando dijeron que habías muerto).



• McCartney parodió el rumor con su álbum en vivo de 1993 y tour, Paul Is Live, la portada es una réplica de la de Abbey Road con la placa "LMW 281F" cambiada a "51 IS", Siendo 51 la edad de McCartney en el lanzamiento del álbum. Además, aparece con sus zapatos puestos y agarrando, por una correa en su mano izquierda, uno de los cachorros que su perra ovejera Martha diera a luz.

• Durante la película Magical Mystery Tour, Vivian Stanshall de la banda Bonzo Dog Band presenta una canción titulada "Death Cab for Cutie" (Recorrido de Muerte para el Guapo), una satírica canción acerca de un fatal accidente de automóvil. McCartney fue conocido como-e incluso descrito por él mismo en una entrevista como-"el guapo".


• Cuando Paul McCartney interpretó en un sketch en el programa de televisión Saturday Night Live en 1993, el personaje de Chris Farley le dice a McCartney: "Recuerdas cuando estuviste en los Beatles y supuestamente estabas muerto, y hubo todas esas pistas y todo eso como que si tocas una canción al revés dice 'Paul está muerto, Paul está muerto'... Eso fue un engaño, ¿cierto?" McCartney replicó, "Si. Realmente no estaba muerto."
  

Internet

Con la llegada del Internet, los rumores de que "Paul está Muerto" encontraron nueva vida. Varios sitios web han afirmado que la evidencia fotográfica prueba que el McCartney antes y después de finales de 1966 no puede ser el mismo hombre. Algunas de estas nuevas teorías indican que McCartney fie asesinado por el Ku Klux Klan, los Illuminati, o incluso los otros Beatles.

Sátiras y otras referencias

• La entrega de Junio de 1970 de Batman de los DC Comics, escrito por Frank Robbins, parodió el rumor con una historia titulada "Muerto... Hasta Comprobarlo Vivo" en el cual se rumoreaba que "Saul" de la banda los Oliver Twists falleció y fue reemplazado con un doble. Además, la portada del álbum que Robin sostiene en la portada del comic (donde se haya el título del capítulo) parece ser la misma de la contraportada del álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.


• The Rutles, una parodia de The Beatles, incluyeron un par de parodias de "Paul está muerto".


• La serie de televisión Los Simpson ha incluido muchas referencias a ello.


• John Safran's Music Jamboree contiene un segmento acerca de la conspiración, seguido de una fingida conspiración de George Harrison-está-muerto, luego de la muerte de Harrison en el 2001.
• En la película Sintonía de amor, el personaje de Tom Hanks, Sam Baldwin, viene a casa para encontrar a su hijo, Jonah, escuchando un álbum y declarando "Papá, esto es increíble. Si lo tocas al revés dice 'Paul está muerto.'"
  En una edición de 1987 del American Top 40, el presentador Casey Kasem revisitó la era de "Paul Está Muerto" como una historia relacionada de la canción de Bananarama "I Heard a Rumour". Al año siguiente, Dick Clark presentó una historia similar en Rock, Roll and Remember. Su interpretación de la canción "Strawberry Fields Forever" en la cual John Lennon supuestamente dice "I buried Paul" (Yo enterré a Paul) al final de la canción (una vez que comienza a tocarse al revés) dejando a esta versión lanzada en ciertas compilaciones de los Beatles. (Lennon dijo en su entrevista a Playboy en 1980 que él actualmente decía "cranberry sauce").
• Una de las más claras grabaciones, aparte de las de I Am the Walrus escuchada a revés o Revolution 9, es la que se escucha al final de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise) , en la cual se escucha: "Paul is Dead; really, really dead... Paul is dead and you can't xxx with the mustache"; en español,"Paul está muerto, realmente, realmente muerto...Paul está muerto y tú xxx con el bigotudo"; y aquí no es necesario escucharla al revés, sólo poner atención.Bigotudo, para muchos hace referencia a Billy Shears.

La última grabación en estudios del grupo contiene en su tapa supuestas pistas que alimentaban la leyenda urbana de que "Paul está muerto" muy de moda en la época estas pistas son:
La patente del auto estacionado es "LMV 281F", supuestamente referida a el hecho de que Mc Cartney tendría 28 años si estuviera vivo. "LMW" significaba en inglés las iniciales de "Linda McCartney Llora".
Los cuatro Beatles representaban: el sacerdote (John vestido de blanco), el empleado de pompas fúnebres (Ringo vestido de negro), el cadaver (Paul, vestido pero descalzo), y el enterrador (George, en jeans y camisa de trabajo).

Este artículo está tomado de Wikipedia, y vino al caso porque hoy, 4 de Octubre, el LP Abbey Road llegó, en el año 1969, al numero uno del ránking británico y su tapa, como hemos leído, alimentó el mito de la muerte de Paul.

Personalmente es el album de ellos que mas me gusta, y el lado 2 del mismo, formado por una serie de canciones y pedazos de canciones enganchadas, me parece realmente una obra de arte.

Los Beatles en sí mismos son una leyenda, y me gustaría que dejen de compararlos con otros grupos contemporáneos porque no tienen comparación. Lo que ellos han dejado en la historia de la música no podrá igualarse. Dejen de molestar con los Rolling Stones, su único mérito es haber permanecido juntos pero en todos estos años hicieron siempre lo mismo, sin evolución.

Nota añadida el 01-08-09: Un excelente podcast en capítulos que vale la pena escuchar: http://alterna.podomatic.com/

Billy Jean

Michael Jackson, nos guste o no su imagen, es una verdadera leyenda del pop y de la música R&B.
De muy chiquito espiaba detras de los cortinados del Apollo Theatre las coreografías que ejecutaba otro grande: James Brown.

Eran épocas difíciles para los Jackson 5 en Motown, el sello que los vió nacer y crecer, la relación se había enfriado y los hermanos decían que Motown no los promocionaba lo suficiente. Mas tarde en 1975 se irían contratados por el sello CBS, pero no podrían seguir llamándose los Jackson 5 dado que el nombre pertenecía a la discográfica de Detroit.

Para conmemorar su 25 aniversario, el sello Motown, convocó a todos los artistas que habían pasado por sus estudios, (incluyendo a los Jackson 5) a un show especial que sería transmitido por tv. El evento se llamó Motown 25: Yesterday, today, and forever .

Michael Jackson aceptó participar junto con sus hermanos con la condición de tener la oportunidad de cantar un tema como solista. Berry Gordy Jr., el dueño y creador de Motown aceptó a regañadientes dado que Michael ya estaba fuera de su sello como artista de CBS, pero aceptó.

Esa noche un Michael delgado, con su piel mas clara y su nariz mas afinada, cantó Billy Jean, un tema de su futuro sexto álbum solista y el segundo bajo el sello Epic(CBS). Su performance dejó a todos con la boca abierta y fue el preludio de el arrasador éxito del álbum que saldría tiempo después: Thriller.


Billie jeanWritten & composed by michael jackson.

1st verse
She was more like a beauty queen from a movie scene
I said dont mind, but what do you mean I am the one
Who will dance on the floor in the round
She said I am the one who will dance on the floor in the round

2nd verse
She told me her name was billie jean, as she caused a scene
Then every head turned with eyes that dreamed of being the one
Who will dance on the floor in the round

Bridge
People always told me be careful of what you do
And dont go around breaking young girls hearts
And mother always told me be careful of who you love
And be careful of what you do cause the lie becomes the truth

Chorus
Billie jean is not my lover
Shes just a girl who claims that I am the one
But the kid is not my son
She says I am the one, but the kid is not my son

3rd verse
For forty days and forty nights
The law was on her side
But who can stand when shes in demand
Her schemes and plans
cause we danced on the floor in the round
So take my strong advice, just remember to always think twice
(do think twice)

4th verse
She told my baby,we where dancing still 3:00
Then she looked at me, she show me a photo
My baby cried, cause his eyes where like mine

Bridge
People always told me be careful of what you do
And dont go around breaking young girls hearts
She came and stood right by me
Then the smell of sweet perfume
This happened much too soon
She called me to her room

Chorus
Billie jean is not my lover
Shes just a girl who claims that I am the one
But the kid is not my son
Billie jean is not my lover
Shes just a girl who claims that I am the one
But the kid is not my son
She says I am the one, but the kid is not my son
She says I am the one, but the kid is not my son
Billie jean is not my lover
Shes just a girl who claims that I am the one
But the kid is not my son
She says I am the one, but the kid is not my son
She says I am the one, she says he is my son
She says I am the oneBillie jean is not my lover...

La canción fue escrita por Michael y producida por Quincy Jones para el sexto album solista del cantante, Thriller (1982).
Originalmente el tema no era del agrado de Jones, la canción estuvo a punto de no ser incluida en el álbum.
La letra cuenta una experiencia real, en la que una fan le reclamó, en una carta a Michael, la paternidad de su hijo.
Jackson, que regularmente recibía cartas de sus fans, ignoró la nota. La mujer envió mas cartas, diciendo que lo amaba y que quería estar con él. Le recriminaba como podía ignorar a su propio hijo.
Tiempo después, Michael recibió un paquete conteniendo una foto de la admiradora, junto con una carta y un arma. Jackson estaba aterrorizado, la carta le proponía suicidarse cierto día a una hora determinada, y ella haría lo mismo junto con su supuesto hijo. Ella escribió que si no podían estar juntos en esta vida, entonces sería en la próxima.

Mas adelante, los Jacksons descubrieron que la admiradora había sido internada en un asilo para enfermos mentales.

La canción fue mezclada 91 veces por Bruce Swedien antes de encontrar la mejor versión final.
"Billie Jean" fue publicada el 3 de enero de 1983, como segundo corte del álbum. Se convirtió en uno de los singles mas vendidos de 1983. Considerada una de las canciones mas revolucionarias de la historia, fue certificada disco de platino en 1989

La Historia de la musica disco - Parte 15

La Música Disco había invadido también los hogares, y no solamente a través de las radios.
El legendario programa televisivo Soul Train había estado en el aire desde 1971, y artistas como Kool and the Gang o David Bowie habían hecho playback de sus hits bailables para los miembros del "Soul Train Gang", muchachos y chicas quienes demostraban los nuevos pasos de baile en la pista del estudio.

Un par de ellos, Jody Watley y Jeffrey Daniels fueron descubiertos por el conductor del show y productor Don Cornelius y, junto con otros dos recién llegados, Gerald Brown y Howard Hewett, se convirtieron en el grupo Shalamar.

El concepto de American Bandstand/Soul Train funcionó también para la era disco, mientras que en Italia los televidentes eran cautivados por el programa Stryx. Allí artistass como Grace Jones y Amanda Lear emergían desde nubes de humo púrpura vestidas con casi nada, girando y bailando en extraños escenarios medievales mientras que chicas en topless bailaban en el fondo.
Una característica de la época era que cuando alguna de estas divas y divos del disco eran entrevistados por la prensa, todos decían estar ampliando sus horizontes musicales. Todos, desde Gloria Gaynor hasta Andrea True aseguraban que no querían ser encasilladas en una única fórmula musical. Unicamente Grace Jones admitía amar el disco, y se negaba a abandonar el barco del disco como una rata.
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La vieja escuela vigilaba con ojo atento haciendo planes alternativos para cuando llegara el momento en que el estilo de moda dejara de serlo.
Pero los siguientes 3 años se vió mas de la clásica música disco jamás publicada, gracias a a que los productores se volvieron mas adeptos al estilo y que los artistas y músicos de sesión que intervenían aprendieron a estar mas cómodos con una posición en segundo plano en el gran esquema de las cosas.

Junto con los mas importantes nombres que aparecían en escena, Giorgio Moroder y Pete Bellotte produjeron el magnífico tema "Get on the Funk Train", interpretado por la Munich Machine.
"IGotta Keep Dancing" por Carrie Lucas llegó con una intro memorable,

como también "Loving Is Really My Game" por Brainstorm

y el "Sweet Dynamite" de Claudja Barry.
"Instant Replay" vino en 1978,

junto con el espectacular "I Love New York" por Metropolis.


"Boogie Oogie Oogie" por A Taste of Honey

, "Love is in the Air" por John Paul Young

y "Copacabana" por Barry Manilow.




Los destacados de 1979 fueron "Touch Me In the Morning" por Marlena Shaw (tomado de su album Sweet Seventeen) ,


el clásico "This Time Baby" por Jackie Moore,


"Come To Me" por France Joli,(luego interpretado por Sophie Ellis Bextor=


"Soul" por Frankie Valli,


"Sugar Pie Honey Bunch" por Bonnie Pointer, "Love Attack" por Ferrara y "Like An Eagle" por Dennis Parker.



En algun momento de 1979, parecía que cualquier vieja diva de Hollywood desempolvando sus viejas canciones y agregando un ritmo disco sería garantía de un éxito. Rápidamente todo se estaba convirtiendo en en pegajosos y el disco estaba embadurnado con el mismo pincel, la producción en masa estaba saturando la mente del público en general. La música Punk estaba ganando espacio por ser controversial y peligrosa ( la antítesis de la filosofía del disco. Con tanta confluencia de disgusto general, alimentada por el concepto equivocado de que todas las grabaciones disco sonaban igual) el movimiento llamado "Disco Sucks" (el disco apesta) comenzó a tomar un alarmante protagonismo.

La Historia de la Música Disco - Parte 14

El año 1977 fue especial para la industria de la musica. Mientras que la Reina de Inglaterra celebraba su Jubileo de Diamantes, los Sex Pistols publicaban su himno punk “Dios Salve a la Reina” en cínica conmemoración. The Clash inauguraba el Roxy Club en el Covent Garden de Londresen el lugar del ex bar gay Chaguaramas. Elvis Presley moría. El líder de T.Rex, Marc Boland moría. La diva de la Ópera: María Callas, moría... Y se estrenaba “Fiebre del Sábado por la Noche”, encendiendo el boom del disco mas allá de lo imaginable.


Fiebre... era tan comercial, tan pop, tan todo que su única consecuencia fue llevar al género a su decadencia. El elitismo disco rápidamente pasó a ser música popular . Uno de los sellos discográficos mas importantes,que había visto al disco como algo menor en su planeado horizonte, colectivamente dijo: “Ok, hagamos dinero ahora”, el género se convirtió en una enorme montaña rusa comercial hacedora de dinero.
Se publicó en la Tercera Convención Disco realizada en el Hotel Americana de New York y organizada por la revista Billboard que la música disco había generado mas de 4.000 millones de dólares desde su aparición en escena. Esta cifra puede haber incluido las ganancias de los clubes, compras de equipamiento de luz y sonido así como ventas de discos, pero ubicó al disco en un brillante segundo lugar después de las películas de Hollywood en el rubro de los mas grandes ganadores en el rubro de las comunicaciones del año 1977.
El Disco estaba cambiando la cara de la industria musical también en formas menos convencionales. Artistas desconocidos tenían su momento de gloria con un producto sensacionalmente comercial, junto con los pequeños sellos discográficos y compañías de producción independientes que estaban a tono con las nuevas tendencias musicales. El tema de Laurie Marshall :”(All Day and All Night) We Will Make Love” bajo el sello Amherst, fue un buen ejemplo de este fenómeno. Era música house y garage antes de que esos términos hubieran sido inventados.



Lo que llamó la atención de los grandes sellos era como el disco llegaba a las audiencias masivas. La mayoría de los Djs (quienes se veían a ellos mismos como artistas y protagonistas) nunca anunciaban el título del tema que estaban tocando. Ni siquiera tenían una lista de temas favoritos.

Si la cabina del Discjockey estaba al nivel del piso, los ardientes discofilos podrían estirar sus cuellos y fijarse en la etiqueta del disco que giraba en la bandeja antes de que fuera sacado y vuelto a poner en su sobre genérico. A diferencia de los DiscJockeys de Northern Soul británicos, quienes celosamente guardaban la identidad de sus discos borrando los títulos de las etiquetas para evitar que otros lo compren y los hagan demasiado populares, el Dj Disco no mantenía sus singles de 12 pulgadas en secreto.
Cuando una canción como “Amo la Vida Nocturna (Disco Round), por Alicia Bridges, alcanzó una alta posición en los ránkings basada tanto en la gran difusión radial como en ser pasada en los clubes, las recompensas podían ser asombrosas.





Y ese es el motivo por el cual las mas importantes discográficas disco de 1977 (Casablanca, Salsoul y Tk) iniciaron grandes campañas publicitarias usando principalmente remeras, posters y ayudas visuales de toda clase para llamar la atención sobre su producto.
Presentaciones de diapositivas y avisos promocionales se convirtieron en parte del diseño de las luces de algunos clubes de la época, cuando fue claro que los DiscJockeys nunca iban a anunciar los títulos de los discos que pasaban porque sentían que corrían el riesgo de convertirse en locutores de radio. Lo mas que podían hacer era imprimir listas de favoritos y distribuirlas entre los amantes de la música disco.

... Continuará

La Historia de la Música Disco - Parte 13

Hay historias que nos hacen pensar si realmente hay una mano superior que guía nuestros destinos, y que muchas veces el llegar a tocar fondo es un paso necesario para poder entonces tomar impulso y ascender.
Quedé sorprendido al traducir esta historia de uno de los sellos emblemáticos del mundo Disco, la historia de Neil Bogart y su emprendimiento podría tranquilamente ser el argumento para una película, y seguramente su trama se repitió y repetirá miles de veces en la vida de algunas personas en búsqueda de su sueño, en pos de ser tocados por la varita mágica de la fortuna.
Noten también en que forma esta historia y la del capítulo anterior están relacionadas: ambas muestran dos carreras paralelas, de dos desconocidos, muy lejos uno del otro, llena de obstáculos, en pos de un sueño, y que en un punto, en el momento justo y el lugar indicado: convergen.

Numerosos sellos discográficos explotaron en la escena durante los "Thump, "Thump, Thump" setentas. TK, Salsoul, Marlin, Prelude, Butterfly, Solar y Lollipop fueron solo una parte de los logos que los devotos de las pistas de baile buscaban en los negocios de venta de discos importados. Sin embargo, solamente una de ellas capitalizó los buenos tiempos del disco, y ella fue Casablanca Records, el hogar de Donna Summer, Giorgio Moroder, the Village People, the Richie Family, Meco, Love and Kisses, Paul Jabara y prácticamente todo otro cantante popular con estilo orientado al baile de la época.

Casablanca Records no encontró su verdadera identidad hasta que descubrió el Disco en 1973. Pero, bajo la mirada visionaria de su dueño Neil Bogart el sello definió, refinó y explotó el género en todo su potencial, de modo que borró toda competencia.

La música Disco era divertida, y duraba mas que la vida. Bajo la batuta de Bogart, Casablanca tenía glamour y extravagancia.

Estaban hechos el uno para el otro.

A medida que el éxito crecía mes a mes, Casablanca se convertía rápidamente en el MGM de la industria musical, porque Bogart realmente tenía mas estrellas Disco que las que había en clubes como Heaven.

Neil Bogartz nació en 1943, rápidamente adoptó el apellido Bogart por su ídolo de las películas de su infancia: Humphrey Bogart, estrella protagonista del clásico del cine "Casablanca". Durante los 60´s forjó una carrera como promotor para la revista "Cash Box", MGM Records y Cameo-Parkway Records y se convirtió en una persona muy respetada en la industria musical por su habilidad para encontrar nuevos mercados y desarrollar la música que encajaba en los gustos de ese nicho.

Un primer ejemplo de su talento vino durante su época como presidente del sello Cameo-Parkway; contra todas las opiniones hizo un gran éxito del tema "96 Tears" de Question Mark & The Misterians.

A fines de los 60´s, como gerente de el nuevo sello independiente Buddah Records, una subsidiaria del sello Kamasutra, y mientras todo el mundo estaba siguiendo la onda Acid Rock, Bogart notó que todos los adolescentes estaban siendo ignorados musicalmente. Como resultado inventó el estilo musical llamado "bubblegum" y colocó una cadena de hits con canciones tan simples como "Green Tambourine", "Yummy Yummy", "Simon Says"

, "Chewy Chewy", y otros por grupos como los Lemon Pipers, Ohio Express, y la 1910 Fruitgum Company. Cuando contrató a Curtis Mayfield, the Isley Brothers, the Edwin Hawkins Singers ("Oh Happy Day"), y Melanie para su sello Buddah, ganando credibilidad musical dentro de la menospreciada onda del "bubblegum", el resto de la industria finalmente reconoció la percepción de Bogart.

Mientras Bogart lograba uno de los mayores éxitos del sello Buddah, con "Midnight Train to Georgia" cantado por Gladys Knight and the Pips, tuvo un problema importante con su compañía madre: Viewlex. De modo que dejó Buddah en 1974 para armar Casablanca Records y a pura reputación, consiguió rápidamente un socio financiero en la Warner Bros.

Bogart había pensado nombrar su empresa "Emerald City" por "El Mago de Oz", pero se decidió por nombrarla Casablanca dado que Warner tenía derechos de merchandising sobre este último.
Pero Bogart quería el control total sobre su creación, y ocho mese después de firmado el contrato con Warner, le compró la parte de su compañía por 1,5 millones de dólares. Corrió el riesgo porque estaba totalmente convencido de que el primer álbum de Casablanca sería un éxito monstruoso.

Sin embargo, Here´s Johnny: Magic Moments from the "Tonight Show" vendió menos de medio millon de copias. Para asegurar su seguridad financiera, Bogart esperaba al menos un millon de copias vendidas. Mientras que la sombra de la bancarrota asomaba en el horizonte, puso todo lo que tenía para mantener la compañía a flote, y rezó para que su sexto sentido y su habilidad para descubrir nuevas tendencias no lo hubiera abandonado.

Fue entonces cuando el productor alemán Giorgio Moroder envió un puñado de temas y entre ellos estaba el milagro que Bogart estaba esperando: "Love to Love You Baby" por Donna Summer. En realidad, en cualquier otra situación distinta a la que la compañía se encontraba en ese momento, el material de Moroder, un absoluto desconocido, no hubiera pasado la mesa de entradas de Casablanca.
Por esa época, la compañía se había mudado a una edificio de estilo marroquí, en el Sunset Boulevard, con las oficinas de Bogart decoradas como una replica exacta del American Cafe de Rick en la película Casablanca, con piano, sillas y jaulas incluídas.
Bogart estaba desesperado y vió la aparición de Moroder como una intervención divina.

A fines de 1974, mientras Casablanca estaba al borde del colapso después de publicar "Just as Long as We´re Together" por Gloria Scott, Bogart tenía que diseñar la tarjeta de salutacion de navidad de la empresa. Eligió un álbum de oro con nieve cayendo alrededor y la leyenda: "En todo desierto hay un oasis". Cuando Moroder reveló que su sello discográfico se llamaba Oasis, Bogart se convenció de que era alguna clase de señal cósmica del destino, y compró inmediatamente los derechos de "Love to Love You Baby"....

...Continuará

La Historia de la Musica Disco - Parte 8

Según veremos, la historia real de la música disco es la historia de los pequeños sellos independientes que albergaron a estos primeros artistas que poseían un estilo completamente diferente y apostaron todas sus pocas fichas. Es mucho mas tarde cuando la música disco accede a los grandes sellos, y es cuando veremos a grandes de la música del momento subirse al tren (Bee Gees, Rod Stewart, Barry Manilow, Steely Dan, y otros que veremos en capítulos venideros).
Este es el caso de un sello característico por su sonido con influencias latinas y que es uno de los más importantes dentro de la historia del sonido Disco y uno de los mas influyentes dentro del House actual.

Noches calientes, verano en la ciudad. Se encontraba mas que una rosa en el Harlem Español de New York allá por 1975. Las calles latían con música que salía de los estéreos de 8 pistas (o magazines) de los autos, y de las ventanas abiertas.
Con la influencia de el sonido de Xavier Cugat, Tito Puente y otros reyes del mambo, un nuevo sonido urbano emergió con la version instrumental del tema “The Bottle” interpretada por Joe Bataan.
El tema vendió tan bien que Mericana Records, un sello especializado en musica latina de muchos años, decidió que era el momento para abrir una subsidiaria dedicada exclusivamente a la musica disco. Se llamó Salsoul Records.

Identificada por un logo con un arcoiris multicolor, Salsoul ofreció música orquestada al estilo Philadelphia con masivas sesiones de cuerdas y voces muy soul.

Como no podía ser de otra manera, el sello también tenía (al igual que Motown y Philadelphia International) su propia banda de músicos de sesión al estilo MFSB: La Salsoul Orchestra, la cual muchas veces empleaba los mismos músicos que participaban en los clásicos de Philly.
Su conductor era Vincent Montana Jr., quien también escribió y arregló sus temas mas populares: “Nice ´N Naasty”, “You´re Just the Right Size” y “Chicago Bus Stop(Ooh I Love It”.
La Salsoul Orchestra también deleitaría a sus fanáticos con sus temas de culto “Salsoul 3001” (una version disco del clásico de Richard Strauss “Así Hablaba Zarathustra”), “Tangerine”, “Street Sense” y una combinación de los clásicos de Broadway “El Violinista en el Tejado” y “West Side Story”.

Usualmente los coros eran hechos por Carla Benson, Yvette Benton y Barbara Ingram, conocidas como las “Sweethearts of Sigma” por su trabajo constante en los estudios Sigma Sound de Philadelphia, estas tres chicas prácticamente vivían en los estudios y participaron en la mayoría de las grabaciones de los clásicos de Philadelphia International, y también participaron en las principales pistas del sello Salsoul.
También el grupo femenino First Choice grabó clásicos de Salsoul como “Armed and Extremely Dangerous” y “Smarty Pants”, pero conocieron una mayor fama con las versiones remixadas hasta el infinito de “Dr. Love” y “Let No Man Put Asunder”.




La indiscutida reina del sonido Salsoul era Loleatta Holloway. Mientras que la mayoría de las divas del disco se caracterizaban por el estilo por sobre el contenido vocal, las colosales cuerdas vocales de Loleatta han estremecido las estructuras de las pistas de baile desde el Nueva York de mediados de los 70´s hasta los superclubes de Ibiza de la actualidad. Estas habilidades fueron adquiridas cuando cantaba con su madre en las iglesias de Chicago, donde Loleatta tuvo su primer contacto con la industria de la música cuando fue contratada pera el musical “Don´t Bother Me I Can´t Cope”.

Ella hizo giras y tuvo algunos éxitos moderados con su futuro productor y esposo Floyd Smith, antes de atraer la atención del famoso productor de Philadelphia International Norman Harris en 1976.

El tema “Run Away”, compuesto por Vince Montana Jr. Y publicado en 1977 en el album Magic Journey (Viaje Mágico) fue otro sólido clásico de los clubes cantado por Loleatta; Queen Of The Night, lanzado al año siguiente, estremeció la escena de los clubes underground, así como “The Greatest Performance of my Life”, corte del álbum de Loleatta de 1979. Aquel año, por supuesto, también hizo historia con un disco que forma parte del folklore de los clubes bailables, el eterno y constantemente reciclado “Love Sensation”, producido por Dan Hartman.


Carol Williams : Love is You (del LP ´Lectric Lady 1977)
En este video el autor enumera los integrantes de la Salsoul (mas de 50 miembros), y al final del tema podemos escuchar el clásico solo de vibráfono (vibes) de Vince Montana Jr.


El costado totalmente opuesto a la experiencia Holloway vino con Charo, la ardiente diva hispana de Salsoul.

Originaria de Murcia, España, Charo primero conmocionó al ambiente musical de mediados de los 60´s al casarse con Xavier Cugat y trabajar con su banda durante tres años.

Fue en los circuitos de cabarets en donde ella aprendió como comunicarse con la audiencia y como transformar su poco conocimiento del idioma inglés en un encantador acento.

Ella ronroneaba y estrangulaba las palabras dandole a todo un doble sentido no solamente en los discos sino también en televisión en “El Crucero del Amor” y en el cine en “Concorde – Aeropuerto ´79”.
Dado que hasta el momento ninguno de los temas de Salsoul había logrado realmente una gran cifra de ventas, el sello vió en Charo el perfecto vehículo de promoción perpetua.

El primer álbum de Charo se tituló “Cuchi Cuchi”, e incluía temas tan dispares como “Let´s Spend the Night Together” y “Speedy Gonzalez” junto con temas pensados por Montana para las pistas de baile como el dulce e ingenuo “Dance a little bit closer”
Como veremos no es muy buena bailando, pero... a quien le importa?





Charo grabaría un solo album mas en Salsoul Records, los temas de este segundo album incluirían “Tema del Crucero del Amor”, “Stay With Me” y, dado que era una talentosa guitarrista clásica, una version de 10 minutos del “Concierto de Aranjuez” de Rodrigo.
Charo interpretando “Bolero” de Ravel

Salsoul decidió explorar otros caminos en busca del ansiado éxito en los charts. En 1975 Tom Moulton había remixado el éxito europeo “El Bimbo” por Bimbo Jet....
...Continuará

La Historia de la música Disco - Parte 7

La industria discográfica cambia al ritmo del Disco:



Los álbumes (LP) eran una cosa, los singles (simples) eran otra.
En los albores del disco, muchos temas publicados en singles estaban divididos en Parte 1 y Parte 2, una en cada lado del disco. La Parte 1 era generalmente el cuerpo principal de la melodía y la Parte 2 era material instrumental adicional. Ejemplos de este formato partido en dos son "Express" por BT Express y "Hollywood Hot" por Eleventh Hour.

Los Dj mezclaban el tema con dos discos, uno en cada bandeja para extender la duración de las canciones. Además, los singles de 45 rpm usados en Norteamérica sonaban latosos cuando se los reproducía a máximo volumen y mucha veces resaltaban las imperfecciones del prensado del vinilo.
Era claro que se necesitaba un nuevo formato que erradicara estos problemas y que hiciera mas fácil el trabajo de los DiscJockeys.
Los sellos discográficos pronto notaron esta deficiencia y comenzaron a fabricar singles de 12 pulgadas para ser usados con contenido promocional, aunque en los comienzos se transferían solamente las versiones cortas de los singles para mejorar la calidad.
Mientras que las mezclas extendidas estaban por aparecer, la discográfica Tamla Motown, consciente de lo importante que era que su producto sonara en las discos para obtener mayores ventas, fundó el sello EyeCue específicamente para comercializar los singles de 12 pulgadas entre los demandantes Dj´s.

La primer compañía que produjo una versión extendida en un disco de 12 pulgadas fue Scepter/Wand en 1975, y sería también la última grabación que tendría el logo de la famosa firma independiente de New York, la cual había hecho mucho para impulsar la carrera de la cantante Dionne Warwick.

El maxi single tenía en su lado A el tema de Jesse Green "Nice and Slow", y en el otro lado una versión del tema de KC & The Sunshine Band "I Get Lifted" interpretado por Sweet Music.
El sello Atlantic fue el primero en publicar virtualmente todos sus productos disco en el formato de 12 pulgadas, entrte los que se destacaron el himno de los Trammps "That´s Where The Happy People Go", "Love or Leave" por The Spinners, y "Feel the Need in Me ´76" por los Detroit Emeralds.

Otros Discos promocionales en el nuevo formato fueron "Be Thankful for What You´ve Got" por William de Vaughn, "Why Can´t We Live Together" por Timmy Thomas, el "Fly Robin Fly" de Silver Convention, "Mellow Blow" por Barrabas y "Swearing´to God" por Frankie Valli.

Pero no fue hasta el primer crossover, "Heaven Must Be Missing an Angel" por Tavares en 1976 que este formato estuvo disponible al público en general para satisfacer una demanda que ya no podía ser ignorada.


Estas ediciones para el público consumidor venían en unos envases impresos para coleccionar, lo que era iuna innovación para la época. TK, el sello de Henry Stone (del que hablamos en el capitulo anterior), por ejemplo, tenía un logo con una isla tropical con las iniciales dibujadas como piezas de bambú.





Tom Moulton Mix





El Maxi con los temas "Nice and Slow" de Jesse Green y Sweet Music fue producido por Tom Moulton, y su eminente presencia es considerada como la pionera en las largas versiones remixadas de música disco.






El fue el responsable de poner a Gloria Gaynor en el mapa, y también remodeló la version del éxito bailable de 1975 de Al Dowling "I´ll Be Holding On" (por consenso popular la primer canción que fue remixada para adaptarse a las necesidades de las pistas de baile de la historia).

Si una grabación tenía la leyenda "A Tom Moulton Mix" impresa en su etiqueta, era un signo seguro de calidad y garantía de llenar una pista de baile.

Las mezclas mas largas le daban a los artistas mas tiempo de difusion en las pistas y fueron rápidamente consideradas una herramienta esencial para el lanzamiento de nuevos artistas.
Moulton y sus contemporaneos Larry Levan, Walter Gibbons, Rick Gianatos yJim Burgess fueron requeridos para crear introducciones mas largas y secciones instrumentales en el medio de las canciones a los fines de una mejor mezcla para llevar las experiencias de las pistas de baile al máximo de las posibilidades.

Estos pasajes instrumentales en medio de la canción le daban a los Dj y remezcladores la oportunidad de poner su sello personal y su propia interpretación en el corte, integrando otra musica con un ritmo similar y otras partes de la misma canción en otros sectores del tema.

Walter Gibbons transformó completamente el tema "Ten Percent" de Double Exposure, de una canción de 3 minutos a una fiesta de 9 minutos, construyendo los momentos con agregados de percusion para luego dar lugar a las voces.

Esta canción reconstruida a mano revolucionó la escena de los clubes underground de Nueva York, despertó a los DiscJockeys a las verdaderas posibilidades de los singles de 12 pulgadas, y comenzaron a promocionar su uso en todo el mundo. La marca registrada de Gibbons era la concentración en los elementos percusivos de la canción y en el cantante. Mientras que muchas de las ediciones contemporaneas del sello Salsoul estaban fuertemente orquestadas, él rescataba la esencia de cada pista que remezclaba para el nuevo formato.

Dos álbumes de Salsoul: "Disco Boogie Volumes 1 y 2" y "Disco Madness", muestran a Gibbons en lo máximo de su capacidad de remezcla. El último también lo tiene cantando en "It´s Good For The Soul"

Aún cuando el mas obvio efecto de los singles extendidos de 12 pulgadas para la cultura de los clubes era el de mantener a los bailarines en un perpetuo estado de excitacion, iban a tener una importancia aún mayor:
Los compositores usarían todo el tiempo disponible que ahora les proveía el nuevo formato para adaptar las canciones al producto.
Noches calientes, Verano en la ciudad. Uno encontraba mas que una rosa en el Harlem Español del Nueva York de 1975....

....Continuará

La Historia de la música disco, Parte 6

En Miami, Henry Stone estaba encendiendo su propia mecha de la explosión del Disco.
Stone había cambiado el nombre de su pequeña discográfica Alston. Habiendo tenido un hit nacional en norteamérica con "Clean Up Woman" por Betty Wright, decidió rebautizar su sello con el nombre que se convertiría en leyenda: TK.
La conformación de la orquesta estable que acompañaba en las giras a Betty Wright había incluído a un tal Harry Casey, quien pronto encontraría la fama con "Get Down Tonight" y una fama aún mayor con "That´s The Way (I Like It)" bajo el seudonimo de KC & The Sunshine Band.
"Get Down Tonight" es notable por crear su introduccion electrónica usando guitarras aceleradas en vez de efectos de sintetizador, y en la cadena de éxitos mas que populares en los lugares de baile que sucedieron, la atmosfera buscada por el grupo fue lograda por usar exclusivamente instrumentos acústicos.

Fue una de las primeras y poco conocidas grabaciones de KC, llamada "Blow Your Whistle", la que jugaría un papel pivotal en cambiar el escenario Disco para siempre. En los coros de aquel tema estaban Betty Wright y los cantantes de sesión y matrimonio que conformaban George y Gwen McCrae.
A Stone se le ocurrió que George sería perfecto para cantanr "Rock Your Baby", una canción compuesta por Casey y Rick Finch, un ingeniero de sonido que Casey había conocido en las oficinas de TK.
Publicado en el verano norteamericano de 1974, el inmediatamente reconocible "Rock Your Baby" fue un éxito mundial y llegó a disco de platino en casi todos los mercados del mundo.

La crítica no pensaba lo mismo. Mas que los simples ganchos y el claro repiqueteo del sintetizador, había muy poco mas para ofrecer musicalmente, y "Rock Your Baby" era demasiado liviano para considerarlo R&B. Ni siquiera era funky o blues, atributos que podrían ubicarlo dentro de la categoría de música "soul".
Pero cuando este híbrido comenzó a sonar en las radios, la gente de todo el mundo ensayó instintivamente algunos pasos de baile y sintió que había una clase de música que podía ser asociada con lo físico.

Apenas latino, un poco soul, y no demasiado funky, "Rock Your Baby" era lo que mas tarde iba a ser conocido mundialmente como Disco.

Escalando en los ránkings atrás de el monstruo de McCrae estaba otro hito en la historia del Disco: "Rock the Boat" por The Hues Corporation. El tema reemplazó al de Mc Crae en el numero uno, y este doblete de éxito consecutivo de temas Disco hizo que la industria de la música abriera los ojos.


Entonces, a principios de 1975 Labelle dijo: "Voulez-vous coucher avec moi?" en "Lady Marmalade", considerado risqué por los estandares de la época, y cada ejecutivo de cada sello discográfico se sentó en su sillón y tomó nota.


Sin embargo, estos favoritos de las pistas de baile tenían una limitación básica: no duraban mas de los 3 minutos que eran el estandard de la época. El mágico momento creado por cada melodía no era lo suficientemente largo para que un DJ lo pudiera desarrollar, sostener y efectivamente llevar a un euforico crescendo. Todos querían mas, mas y mas.

Gloria Gaynor, la Primera Dama del Disco, estaba esperando en el banco para proveer justamente eso.
Su álbum debut fue el primero en poner canciones disco enganchadas ocupando toda la duracion de un lado del LP. "Honeybee" se mezclaba sin esfuerzo con el clásico de los Jackson 5: "Never Can Say Goodbye"

y era seguido por "Reach Out, Ill Be There" de los Four Tops para brindar 20 gloriosos minutos de frenetico climax.
Nacida en Newark, Nueva Jersey, en 1947, Gaynor descubrio a los 13 años que el canto estaba en su sangre. Aprendió dicción escuchando a Nat King Cole y el estilo vocal de Sarah Vaughan. Luego un amigo le sugirió que debería cantar en el club local y lo hizo acompañada por el grupo Soul Satisfiers. Gaynor causó tal impacto que pronto se encontró grabando en el estudio el excepcional album "Never Can Say Goodbye" producido por Meco Monardo y Toni Bongiovi.
Los tres temas enganchados del lado "A" recorrieron las ondas radiales en todo el mundo y nunca dejaron de estar cerca de las bandejas de los DJ en 1975.
Musicalmente el logro de los tres temas orientados al mercado disco se asemejaba bastante al Sonido de Philadelphia, con varios pasajes instrumentales ubicados estrategicamente entre los pasajes melodicos.
A pesar de ser criticado por forzar a los danzantes a seguir bailando durante un inusual período de tiempo, el hito de Gaynor creó lo que pronto sería el standard de la formula Disco.

...Continuará

La Historia de la música disco, Parte 5

Una nueva generacion de buscadores de diversion estaba abandonando el funk y el rock tradicional a cambio de un mejor sonido para las fiestas, lo que hasta ese momento se llamaba música “soul”.

Nota del traductor: Creo que es oportuno agregar que hubo también en los años setenta una revolución tecnológica con la electrónica de consumo, tanto los equipos de audio para los autos como los equipos que reemplazaron a los tocadiscos tipo “winco” tuvieron un desarrollo técnico espectacular; también allí se reflejó el exceso de los 70´s con cantidades monstruosas de watts de potencia y la aparición de las legendarias marcas japonesas de audio como Pioneer o Sansui. Las técnicas de grabación y el prensado de los vinilos también sufrió un salto hacia delante, y para esos equipos los sonidos mas impresionantes los ofreció la música soul y el funk.



Demasiado livianos para ser llamados soul, y aún pesados en percusion y líneas de bajo, estos temas prototipos del disco gozaban de la preferencia de las estaciones de radio mas famosas, y como resultado de ello vendían enormes cantidades de discos.

Sly and The Family Stone con su tema “Dance to the Music” y “Everyday People”, Stevie Wonder con “Yester Me, Yester You, Yesterday” y “Superstition”,


la Incredible Bong Band con “Bongo Rock” y la Average White Band con “Pick Up The Pieces” y “Cut The Cake” eran los moldes para los futuros demos de musica disco.


Los temas acusticos “light” como “Annie´s Song” de John Denver pronto fueron reemplazados en las ondas radiales por una música mas suburbana como “Boogie On Reggie Woman” de Stevie Wonder.

El sonido de Philadelphia

Aunque las grabaciones no eran hechas especificamente para el mercado de las discotecas, los primeros acordes distintivos de la era disco fueron los que se llamarían genéricamente “El Sonido de Philadelphia”.
Musicalmente el Philly Sound suavizó el sonido de Motown e introdujo un estilo mas sofisticado, orquestado y avanzado estructuralmente. Tocado a la perfección por músicos de sesión, los arreglos para las cuerdas, y las marcadas líneas de bajos estaban complementados con voces con mucha influencia del Gospel, como las de Teddy Pendergrass de Harold Melvin y los Blue Notes.
Los temas capturaban también el entusiasmo post-Watergate sobre la posibilidad de un cambio social, aunque también hacían referencia a temas como la falta de servicios de salud en los suburbios, el analfabetismo y la corrupción política.

Los mas grandes éxitos del Philly Soul comenzaron con “When Will I See You Again”



por las Three Degrees y “I´ll Always Love My Mama” por The Intruders.
Las pistas de todo el mundo fueron inundadas por la potente voz de Eddie Levert de los O´Jays cantando el tema millonario en ventas “I Love Music” junto con el nuevo himno nacional norteamericano “TSOP (The Sound of Philadelphia) por la orquesta estable del sello: MFSB.

Mientras que los otros sellos discográficos tardaron en subirse a la ola del vibrante nuevo sonido de la joven norteamérica negra, y seguían con la formula de el agotado estilo de R&B, Philadelphia International estaba en la cima del negocio facturando mas de 25 millones de dolares anuales, lo que la convirtió en la quinta corporación dirigida por negros de mediados de los 70s.

Pero esto no estaba pasando solamente en Philadelphia; en Miami, Henry Stone estaba encendiendo su propia mecha de la explosión disco.

....Continuará


Bonus track:
Una perla: The Honey Cone: Stick Up (1971) Puro Northern Soul

La Historia de la música disco Parte 4

Las erráticas ventas de discos durante la recesión mundial de la primera mitad de los años setenta, impulsaron a los ejecutivos de las industrias discográficas a investigar en que estaban las minorías de las ciudades del interior de Estados Unidos.

Encontraron que tanto los negros como los hispanos estaban gastando mas porcentaje de sus ingresos que los blancos en discos, autoradios y equipos de audio.

Esto significaba una publicidad mas específica y además un sonido mas acentuado rítmicamente para poder aprovechar las capacidades de los nuevos equipos de sonido.

El rápido crecimiento de la cantidad de estaciones de radio negras y la programacion mas liberal durante los inicios de los 70, trajo estos nuevos ritmos tan lejos como pudieran llegar estas estaciones, frecuentemente con la forma de una canción de protesta aceptada como “Nube Nueve” de los Temptations.

Mi infancia no fue muy buena
Nací y crecí en los barrios bajos de la ciudad
Mi casa era una choza en donde dormia junto a otros chicos
Eran tiempos duros, necesitaba algo para aliviar mi preocupada mente.

Escucha
Mi padre no conoció el significado de la palabra trabajo
El no respetaba a mi mama y nos trataba como basura
Yo abandoné la casa buscando un empleo que nunca encontré
Deprimido y descorazonado, recurrí a Nube 9

Estoy bien, Aquí en Nube 9

Los amigos ahora me dicen
Date una oportunidad, no dejes que la vida pase por al lado tuyo
Pero el mundo alrededor es una carrara de ratas
Donde solo la mas fuerte sobrevive
Es un perro se come a perro y esto es verdad
Escucha, ya no es seguro caminar por las calles de noche

Yo estoy bien en Nube 9

Déjame contarte sobre Nube 9
Tú puedes ser lo que quieres ser
No tienes responsabilidad
Cada hombre, cada hombre es libre
Estas a millones de millas de la realidad

Voy a navegar alto.... en Nube 9





Junto con estas minorías étnicas, las mujeres blancas estaban comenzando a consumir música mas orientada al soul, desafiando la opinión generalizada de la mujer como consumidora pasiva manipulada para comprar cualquier cosa que la tendencia cultural o industrial dictara.

Una mujer soltera podía ahora ir a un bar o a un club nocturno sin el temor de ser considerada “fácil” o, peor, prostituta.. Para las mujeres blancas, independencia también significaba libertad de el tradicional mundo masculino en torno a la música rock que sus parejas esperaban que ellas disfrutaran. Muchos hombres podían salir durante horas en paseos que no incluían el baile, pero las mujeres sí bailaban.

Las mujeres solas y con una carrera podían gastar todo su dinero en ellas mismas, y sus gustos musicales se estaban haciendo notar. A ellas les gustaba el “Tema de Amor” y también Barry White.

Los comienzos de los 70´s estaban llenos de locuras peculiares como la “Terapia de Toque” y todo eso. “El Mono Desnudo”, la novela seudocientifica de Desmond Morris, junto con el Juan Salvador Gaviota de Richard Bach y El Exorcista de William Peter Blatty eran los best sellers. El “Streaking” o sea la súbita aparición de una persona totalmente desnuda en lugares públicos era el tema de conversación en las reuniones sociales.

Películas y posters mostrando el trabajado torso de la estrella de “Operación Dragón”, Bruce Lee, popularizaron la disciplinada práctica de las Artes Marciales.

El sexo libre estaba de moda y se suponía que “todos lo hacían”. Uno tenía que participar para pertenecer.

La Historia de la música Disco - Parte 3

Aparecen en escena Barry White y su Love Unlimited Orchestra.

Este legendario músico, compositor y arreglador no era simplemente impactante y enormemente mas espectacular que cualquier otro cantante soul de 1972, también fue de seminal influencia para el desarrollo de la cultura “dance”.

Sin embargo, las primeras canciones cantadas por el grupo de chicas Love Unlimited no estaban diseñadas para que la gente saliera de sus asientos y bailara en la tradicional posición vertical. Los primeros éxitos como “Walking in the Rain with the One I Love” encapsulaban a los jóvenes amantes en un nido de amor acústico, con altísimos violines y romanticas melodías.



Fue entonces cuando el Maestro decidió agregar su inconfundible voz de bajo a las producciones y así la exitosa fórmula Barry White nació:
Anticipando ansiosamente una noche de seduccion musical, las mujeres de todo el mundo se encerraban en la intimidad de sus dormitorios, se servían un vaso de vino, y ponían el álbum “I´ve Got So Much to Give” en sus tocadiscos



Siempre el perfecto caballero, White comenzaría su juego previo verbal lentamente, acompañado por una lenta melodía y una voluptuosa lluvia de violines, harpsicordios y flautas emanados de la casi clásica Love Unlimited Orchestra. Mientras que la dama en cuestión lenta, pero segura, comenzaba a entregarse, su acariciante voz de bajo se volvería mas imperativa, pidiéndole gentil pero firmenente que se quite el sostén...

El instrumental “Tema de Amor” arribó con gran estilo en 1974, volando al número uno de los ránkings de música popular y estableciendo el ritmo y el tono para la emergente cultura Disco, en la que todos estaban ansiosos de perderse en el mágico universo de romance y éxtasis, negando la muchas veces dura realidad.



Siguieron numerosos éxitos del Soul de Satin, y mucha de la juventud de los 70s comenzaron a vivir los dramas contados por la profunda voz de White en, entre otros, “You´re my First, The Last, My Everything”.

(Nota: preferí incluir este video, que es notablemente mas reciente, por el hecho de que la participación de Pavarotti lo convierten en una rareza, y además la letra de la canción se muestra en pantalla en español)



Los bares gay se habían multiplicado aún antes de las rebeliones del Greenwich Village de 1969, en donde los homosexuales y las “drag queens” (travestis), enfurecidos por el maltrato policial, se levantaron para reclamar por sus derechos.

Este desafío, no solamente fue la semilla del Movimiento para la Liberacion Gay, sino que también su extravagancia comenzó a marcar una tendencia en en la moda que mas tarde pasaría de ese mundo de unos pocos a ser copiado por la mayoría.

Muchas celebridades del Disco y su imagen artística tomaron mucho de esea tendencia, de hecho fueron los primeros en adoptar esa imagen.

Los DiscJockeys, tratando de conformar a sus cada vez mas demandantes audiencias, buscarían exóticos temas importados de proveedores poco usuales, como en el caso de la edición francesa del tema “Soul Makossa” del percusionista africano Manu Dibango.



Los entendidos consideran este tema como la primera grabación de música Disco....

...Continuará

La Historia de la música Disco - Parte 2

Pronto, todos estaban siguiendo a la gente linda de Arthur y al Jet Set de Saint Tropez, quienes estaban desertando de sus tradicionales y glamorosos centros de reunion.

Y esto era porque TODO pasaba en la discoteca. Se había convertido en el lugar al que uno iba para ver y ser visto. Y el himno de Chubby Checker de principios de los 60s “At The Dischoteque” hizo mucho por poner la nueva palabra en boca de todos.
Los salvajes, los “cool” y los delirantes estaban tomando vino blanco y bailando el twist con “The Locomotion” por Little Eva...



...o "Can´t Help Myself” de los Four Tops, y los sesenta se dirigian directo a la locura, estimulados por Twiggy, Alfie y James Bond.

Ahora que la gente linda había encontrado sus pies, sin embargo, era claro como el cristal que hacía falta una banda de sonido totalmente nueva. Los exitos del Top 40 no eran suficiente, y no proveían el apropiado telon de fondo para la promesa de “Dolce Vita”.

En los Estados Unidos, donde la sociedad estaba siendo fracturada por la Guerra de Vietnam, se veia la película “Busco Mi Destino”, se vivía la generación del amor, y el comienzo de la Era de Acuario, las ondas radiales de las ciudades del interior estaban dominadas por James Brown, Aretha Franklin, y las estrellas de los sellos Tamla Motown y Stax.
Una película que retrata las aventuras de un policía negro, con una banda de sonido con música soul y funk, y que representa la llamada “blaxploitation”, es decir un género de filme de bajo presupuesto con las clásicas recetas de accion, mafias, y droga protagonizadas por artistas negros, llega a ganar el oscar a la mejor banda de sonido compuesta por el talentoso Isaac Hayes.



La música negra, fuertemente discriminada hasta esa época, comienza a ganar espacio en la norteamérica de los 70´s.
Es el momento en que Barry White y su Love Unlimited Orchestra entran en escena.....

...Continuará

La Historia de la música disco Parte1

Hace mucho tiempo, en un país muy lejano....

Década del 60:
Había un pequeño bar parisino llamado La Discotheque en la Rue Huchette, donde uno podía ordenar su disco favorito de "le jazz hot" junto con un Pernod (bebida alcohólica).
El nombre Discotheque se formó como analogía de la palabra Bibliotheque, implicando no solamente una biblioteca de discos sino también un lugar en el que se podía bailar.

Hasta ese momento, la idea aceptada en general de una salida a bailar era cenar en el Copacabana o el Café de Paris y luego ir a ver a alguna banda en vivo.
Reemplazar el espectáculo en vivo con discos tocados uno detrás de otro era algo impensable, tanto como lo fue el paso de las películas mudas al cine sonoro allá por los años 20.
La revolución se desató porque las clases medias querían compartir de manera económica la buena vida que se veía en las películas de Hollywood, y por las demandas de diversión de una emergente generación de adolescentes.

Para cada rebelde con causa, la fauna que frecuentaba los cafés de los 60´s era la siguiente: rockeros, futuros delincuentes juveniles, y chicas esperando en el bar de comidas rápidas del barrio poniendo monedas en las rockolas y tratando de bailar entre las mesas de fórmica atornilladas al piso.

Pero las fotos de los paparazzi y los escandalos de las tapas de las revistas que mostraban los famosos clubes internacionales de la época como Chez Regine de Paris, Arthur de New York (propiedad de Sybil Burton, ex esposa de Richard), y el Whisky a Go Go en Londres, comenzaron a darle a estos establecimientos un aura casi mística.
Le Club fue la primera disco en aparecer en Nueva York en 1960, pero Arthur fue la primera disco "chic" (o fashion como se diría ahora). Inaugurada en 1965 en el lado este de Manhattan, su reputación fue rápidamente establecida cuando le negó la entrada al bueno de Rock Hudson.
Muy pronto todos estaban siguiendo a la gente linda de Arthur....

....Continuará